SACD 1<\/b>\u00a0\u00a0 total playing time\u00a0\u00a0 71:47<\/p>\n
Enno Poppe<\/a><\/b>\u00a0(*1969) [01]\u00a0Speicher I<\/b>\u00a016:45 World premiere of the complete version Klangforum Wien<\/a> <\/p>\n SACD 2<\/b>\u00a0\u00a0 total playing time\u00a0\u00a0 69:49<\/p>\n Bernhard Lang<\/b>\u00a0(*1957) [01]\u00a0I. Allegro<\/b>\u00a021:53 World premiere SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg <\/p>\n SACD 3<\/b>\u00a0\u00a0\u00a0 total playing time\u00a0\u00a0 77:59<\/p>\n Georges Aperghis<\/a><\/b>\u00a0(*1945) [01] 12:07 World premiere Klangforum Wien<\/a> Alberto Posadas<\/a>\u00a0<\/b>(*1967) World premiere <\/b><\/p>\n SACD 4\u00a0<\/b>\u00a0 total playing time\u00a0\u00a0 64:08<\/p>\n Walter Zimmermann\u00a0<\/b>(*1949) World premiere of the complete version [01]\u00a0Clinamen I\u00a0 \u201cEpikur-Transkriptionen\u201d<\/b>\u00a007:22 SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg
\nSpeicher<\/b>\u00a0for large ensemble (2008\u20132013)\u00a0\u00a0\u00a071:47<\/b><\/p>\n
\n[02]\u00a0Speicher II<\/b>\u00a003:26
\n[03]\u00a0Speicher III<\/b>\u00a009:09
\n[04]\u00a0Speicher IV<\/b>\u00a012:09
\n[05]\u00a0Speicher V<\/b>\u00a010:10
\n[06]\u00a0Speicher VI<\/b>\u00a020:03<\/p>\n
\nWork commissioned by SWR<\/i><\/p>\n
\nEnno Poppe<\/a>, conductor<\/p>\n
\nMonadologie XIII \u00bbThe Saucy Maid\u00ab<\/b>\u00a0for two orchestras one quartertone apart (2013)\u00a069:49<\/b><\/p>\n
\n[02]\u00a0II. Adagio<\/b>\u00a019:20
\n[03]\u00a0III. Viertel=180 \u2013 Allegro<\/b>\u00a010:52
\n[04]\u00a0IV. Viertel=100 \u2013 Viertel = 144 \u2013 Prestissimo<\/b>\u00a017:40<\/p>\n
\nWork commissioned by SWR<\/i><\/p>\n
\nWolfgang Lischke \/ Christopher Sprenger, conductors<\/p>\n
\nSituations<\/b>\u00a0for 23 soloists (2013)\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0 53:58<\/p>\n
\n[02] 18:37
\n[03] 14:37
\n[04] 08:37<\/p>\n
\nWork commissioned by Dieter and Gertraud Bogner, SWR and Commande de l\u2019Etat (France)<\/i><\/p>\n
\nEmilio Pom\u00e0rico<\/a>, conductor<\/p>\n
\n[05]\u00a0Kerguelen<\/b>\u00a0Triple concerto for amplified woodwind trio and orchestra (2013) 23:48<\/p>\n
\nWork commissioned by SWR
\n<\/i>
\nBl\u00e4sertrio recherche
\nSWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg
\nFran\u00e7ois-Xavier Roth, conductor<\/p>\n
\nSuave Mari Magno\u00a0\u00b7 Clinamen I\u2013VI<\/b>\u00a0for six orchestral groups (1996\u20131998 \/ 2010\u20132013)\u00a034:02<\/b><\/p>\n
\nWork commissioned by SWR<\/i><\/p>\n
\n[02]\u00a0Clinamen II\u00a0 \u201cDie Apologie des Buchstaben h\u201d<\/b>\u00a002:58
\n[03]\u00a0Clinamen III \u201cGotisches Lineament\u201d<\/b>\u00a008:17
\n[04]\u00a0Clinamen IV \u201cIkat\u201d<\/b>\u00a004:42
\n[05]\u00a0Clinamen V\u00a0 \u201cJerusalem-Artischocke\u201d<\/b>\u00a005:19
\n[06]\u00a0Clinamen VI \u201cRad der Zeit\u201d<\/b>\u00a005:22<\/p>\n
\nPascal Roph\u00e9, conductor<\/p>\n
Pressestimmen:<\/p>\n
| \n \n
Or\u00e1culo Donaueschingen 2013<\/b><\/p>\n Retorna el oto\u00f1o, caen las hojas, arrecian los primeros temporales, y a orillas del Danubio se desvelan los arcanos de las Donaueschinger Musiktage, or\u00e1culo de la m\u00fasica actual al que hoy nos volvemos a acercar rememorando la edici\u00f3n del a\u00f1o 2013, un encuentro que gir\u00f3 en torno a las constelaciones instrumentales de peque\u00f1o y gran formato, con especial atenci\u00f3n para los organismos, ya fueran naturales o musicales, y su desarrollo a trav\u00e9s del tiempo. Estos rizomas hist\u00f3ricos y su floraci\u00f3n en Donaueschingen nos llegan, de nuevo, por medio de una edici\u00f3n del sello alem\u00e1n NEOS, con una importante y generosa selecci\u00f3n de obras en sus cuatro SACDs de impecable edici\u00f3n y casi cinco horas de duraci\u00f3n, en las que se ha reunido lo m\u00e1s sustantivo de esta cita anual, aunque uno echa en falta la presencia de partituras como Registre des lumi\u00e8res (2013), del franc\u00e9s Rapha\u00ebl Cendo; o I have come like a butterfly into the hall of human life (2011-13), del catal\u00e1n H\u00e8ctor Parra.<\/p>\n El primer SACD est\u00e1 \u00edntegramente dedicado a la partitura para ensemble Speicher (2008-13), obra del compositor alem\u00e1n Enno Poppe (Hemer, 1969). Por m\u00e1s que uno se haya distanciado, con el paso de los a\u00f1os, de la m\u00fasica de Poppe, es innegable la voluntad del alem\u00e1n para el gran trazo, para la forma extendida, que ya hab\u00eda explorado en partituras de c\u00e1mara como Interzone (2003-04). Speicher, que literalmente significa para Poppe \u00abdep\u00f3sito\u00bb, es precisamente un lugar de almacenaje al que revierte los procesos formales que ha ido acumulando a lo largo del desarrollo de la obra; y uno dir\u00eda que en sus \u00faltimos a\u00f1os de carrera, haciendo de esta propuesta una suerte de summa poppeana. Estructurada en seis secciones, a su vez divididas internamente en seis partes, Poppe hace hincapi\u00e9 en el trabajo estructural en los 71 minutos que dura Speicher, una obra de constelaciones formales sometidas a procesos de repetici\u00f3n y variaci\u00f3n desde un motivo inicial sumamente sencillo en la viola; motivo que reaparece peri\u00f3dicamente provocando la implosi\u00f3n de los procesos de apertura; aunque, tambi\u00e9n, lastrando un tanto la evoluci\u00f3n de los materiales, que con esas peri\u00f3dicas contracciones parecen autolimitarse en exceso. Puede ser ello parte de lo que Enno Poppe dice fue toparse con un muro a lo largo del proceso compositivo, algo que quiz\u00e1s hace resentirse al conjunto, pues se perciben estas dificultades peri\u00f3dicas en el desarrollo del material y su atascamiento; momentos en los cuales Poppe recurre a diferentes combinaciones instrumentales, adem\u00e1s de a lo que dice composici\u00f3n por fractales, a trav\u00e9s de matrices que proveen redes para la expansi\u00f3n de la partitura. Aunque esas redes se apoyen, a mayores, en la hibridaci\u00f3n estil\u00edstica -en determinados pasajes con est\u00e9ticas que pueden remitir al jazz y a veladas reminiscencias de la m\u00fasica \u00e1rabe-, en conjunto estamos ante una obra cuya larga deriva pasa por no pocos momentos de decaimiento.<\/p>\n El segundo SACD se dedica tambi\u00e9n de forma \u00edntegra a una sola partitura, pr\u00e1cticamente de la misma duraci\u00f3n que Speicher, en este caso la orquestal Monadologie XIII \u201cThe Saucy Maid\u201d (2013); o, mejor especificado: biorquestal, pues tal es el efectivo de la propuesta del compositor austriaco Bernhard Lang (Linz, 1957). Monadologie XIII \u201cThe Saucy Maid\u201d -parte de un ciclo en progreso, Monadologie (2007-14…), que comprende ya veintinueve piezas- es una p\u00e1gina fulgurante en la que el siempre ecl\u00e9ctico Lang recurre a fuentes externas como alfaguara del material sonoro, como proveedoras de estructuras musicales que procede a ‚dinamitar‘ por medio de la destrucci\u00f3n que realiza de estas fuentes en una segunda orquesta que lleva a cabo sucesivas transcripciones en diferentes intervalos de tono. Por tanto, acabamos escuchando una sucesi\u00f3n febril, ininterrumpida y brutal de mecanismos sonoros progresivamente aniquilados, lo que da -por momentos- lugar a un tumulto monumental, tan visceral como denso, al intrincarse los originales y sus espejeos deformados a veces de forma sucesiva; pues la construcci\u00f3n no es, ni mucho menos, lineal, sino que va trabajando diversas estructuras superpuestas. Parte de los procedimientos ac\u00fasticos que el compositor explora est\u00e1n inspirados en el trabajo de destrucci\u00f3n-creaci\u00f3n de filmes desarrollado por Rapahel Monta\u00f1ez Ortiz a trav\u00e9s de la erosi\u00f3n de celuloide con l\u00e1ser. As\u00ed, reflexionando sobre el trabajo y los procedimientos de los metacineastas, Lang decide tomar como su m\u00e1s natural punto de partida los textos-base que proveen las partituras de la tradici\u00f3n: los Strauss, Mozart, Bruckner, Haydn, etc.; en procesos de revisi\u00f3n que ya conoc\u00edamos en su ciclo Differenz\/Wiederholung (1998-2014…). En el caso de Monadologie XIII \u201cThe Saucy Maid\u201d, la partitura-base que se procede a dinamitar es la Sinfon\u00eda N\u00ba1 en do menor (1865-66) de Anton Bruckner, en concreto su versi\u00f3n de 1877, la conocida como „Linz“, que Bernhard Lang dice dota de mayor componente biogr\u00e1fica a su trabajo, pues \u00e9l mismo es oriundo de dicha localidad (aunque esta versi\u00f3n la trabaj\u00f3 Bruckner en Viena). Con la destrucci\u00f3n de la partitura de Bruckner como punto de partida, el objeto sonoro creado por Lang consiste en lo que el austriaco denomina forma de doble coro orquestal que concentra la microtonalidad y el cromatismo rom\u00e1ntico en un metacromatismo, \u00abproyectando a la vez su luz sobre una idea espectralista, sobre una armon\u00eda de sobretonos parciales naturales, pero tambi\u00e9n sobre la asimilaci\u00f3n extrema de la disonancia en el \u00e1mbito microtonal\u00bb. Todo ello da lugar a una nueva forma de armon\u00eda, por interpolaci\u00f3n de doble coro concebido como una \u00fanica estructura a partir de las dos orquestas, una de ellas en escala temperada; la otra, afinada un cuarto de tono por debajo; deviniendo un entramado unificado en cuanto a disposici\u00f3n org\u00e1nico-espacial, en el que las capas de sonido no se crean por enfrentamiento, sino por estructuras arm\u00f3nicas de los dos cuerpos en cohabitaci\u00f3n.<\/p>\n Despu\u00e9s de todo este aparato conceptual, se puede preguntar el lector: \u00bfes Bruckner audible? Pues s\u00ed, pese a erosiones, pese a mecanismos, pese a espejeos arm\u00f3nicos, pese a la saturaci\u00f3n de los materiales. Obviamente, lo es en muy distintos grados de presencia, desde lo m\u00e1s soterrado a lo m\u00e1s expl\u00edcito, que se corresponder\u00eda con el tercer apartado de Monadologie XIII, donde claramente escuchamos el ‚Scherzo‘ de la Primera sinfon\u00eda del austriaco antes de su destrucci\u00f3n (si bien reaparece el tema al final de esta tercera parte, haciendo Lang corresponder, as\u00ed, ya no s\u00f3lo los movimientos de ambas obras, sino el sentido reiterativo, obsesivo y machac\u00f3n de los scherzos brucknerianos, indestructibles hasta para el propio Lang). Es as\u00ed que, en el caso del ‚Finale‘ bruckneriano, el original resiste menos compases que el ‚Scherzo‘, sus materiales se erosionan y desintegran con mayor rapidez, lo que da lugar a una reflexi\u00f3n sobre el papel del (meta)compositor, m\u00e1s a\u00fan en el caso de su vuelta sobre las partituras de un hombre -afirma Lang- tan inseguro como Bruckner, en el que Lang lleva muchos pasos m\u00e1s all\u00e1 el proceso de reescritura, hasta hacer de esta sinfon\u00eda, de sus cuatro movimientos (‚Allegro‘ y ‚Adagio‘ adquieren aqu\u00ed una duraci\u00f3n ostensiblemente mayor), un ente musical nuevo desde el di\u00e1logo con la historia: esos di\u00e1logos que subyacen a tantas creaciones del austriaco, ya sea el dinamitado de Richard Strauss en Monadologie II, ya su l\u00facida y corrosiva I Hate Mozart (2006), obra que pas\u00f3 en su d\u00eda por nuestro diario con motivo de su estupenda edici\u00f3n en col legno (WWE 20277).<\/p>\n En el tercer SACD se presenta una aut\u00e9ntica joya de la m\u00fasica orquestal espa\u00f1ola contempor\u00e1nea: Kerguelen (2013), partitura para tr\u00edo de viento amplificado y orquesta del castellano Alberto Posadas (Valladolid, 1967). Kerguelen es una obra de una fuerza impactante, a la que se une una escritura enormemente refinada -especialmente en su tr\u00edo solista-, a la que Posadas se refiere as\u00ed: \u00abEs una forma de trabajar que est\u00e1 ligada a una idea que denomino „microinstrumentaci\u00f3n“ o „instrumentaci\u00f3n generativa“. En ella se busca explorar los espacios intermedios a nivel microsc\u00f3pico que existen a nivel de alturas y t\u00edmbrico entre los sonidos convencionales para los que estos instrumentos fueron creados. Y estos materiales microsc\u00f3picos que surgen de un proceso de investigaci\u00f3n sobre los instrumentos, se convierten en elementos generadores de estructura, ya que de alguna manera imponen su propia temporalidad\u00bb. Un uso extensivo de los multif\u00f3nicos en cada uno de los solistas hace que estos se conviertan en un metainstrumento-a-tres, o en un \u00ab\u00fanico solista polif\u00f3nico distribuido en tres\u00bb. A ello se une el paisaje orquestal con un tono m\u00e1s volc\u00e1nico y violento, con muchos compases que nos har\u00e1n recordar al mejor Xenakis, con lo cual la partitura se erige en una pieza muy completa y comunicativa, de una altura art\u00edstica imponente.<\/p>\n Completa el tercer compacto el compositor greco-franc\u00e9s Georges Aperghis (Atenas, 1945), con Situations, partitura para veintitr\u00e9s solistas de la que su creador dice \u00abse presenta como una „m\u00e1quina“ distribuidora de orden y caos, de jolgorio e intimismo, de paroxismo e inercia\u00bb. Aperghis pretende desorientarnos al hacer que nos adentremos de forma impactante en su marasmo de individualidades, para lo cual reh\u00faye el an\u00e1lisis psicol\u00f3gico o la linealidad en el relato, resultando un todo discontinuo y atomizado: una sociedad de fragmentariedades que no dudamos suponer trasunto de lo que Aperghis vivencia a su alrededor. Con una proliferaci\u00f3n de timbres, efectos, fon\u00e9ticos y lecturas de textos pr\u00e1cticamente inasible, se genera lo que el compositor define como organismo en el que el oyente debe buscar su forma y orientaci\u00f3n, aunque ello resulte tarea pr\u00e1cticamente imposible. La habitual teatralidad del greco-franc\u00e9s no deja aqu\u00ed de asomarse, igualmente, con un deje ciertamente par\u00f3dico que se filtra a buena parte de sus 53 minutos de duraci\u00f3n, en otra pieza para ensemble de muy largo recorrido, aunque tambi\u00e9n desigual, en la que los solistas tienen un enorme peso, convirti\u00e9ndose pr\u00e1cticamente en protagonistas sucesivos de la misma.<\/p>\n El cuarto SACD lo abre el alem\u00e1n Walter Zimmermann (Schwabach, 1949) con su partitura para seis grupos orquestales Suave Mari Magno \u00b7 Clinamen I-VI (1996-98\/2010-13), una obra hipn\u00f3tica, recorrida por fantasmagor\u00edas y ecos musicales de la historia, ya desde los propios textos de Lucrecio que inspiran su t\u00edtulo y sentido: \u00abCuando los cuerpos primeros son llevados por su propio peso en l\u00ednea recta hacia abajo a trav\u00e9s del vac\u00edo, en un tiempo y lugar inciertos, cambian de direcci\u00f3n un poco desde su curso, s\u00f3lo lo suficiente para denominarse cambio de movimiento\u00bb; y contin\u00faa sosteniendo que si no fuera por esa desviaci\u00f3n en la trayectoria de los objetos, nada en la naturaleza habr\u00eda cambiado, todo habr\u00eda continuado direcciones inamovibles, paralelas; la historia se hubiese detenido en cuanto a hibridaci\u00f3n y proliferaci\u00f3n de formas a trav\u00e9s del mestizaje.<\/p>\n En Clinamen I „Epikur-Transkriptionen“, Zimmermann se sumerge en esos cuerpos primeros, en este caso cuerpos textuales: los de Epicuro, que convierte en sonoridades instrumentales a partir de las analog\u00edas establecidas entre letras y escalas musicales por Arist\u00f3genes. Dividida la orquesta en seis grupos, cada una de estas formaciones lleva a cabo interpretaciones del texto diferenciadas microsc\u00f3picamente, conformando una lectura crom\u00e1tica, otra inarm\u00f3nica y otra diat\u00f3nica. A ello se unen distintos modelos m\u00e9tricos, entre lo determinado y lo libre; lo que acaba conformando una enorme proliferaci\u00f3n formal en la orquesta, al tiempo que establece no pocos v\u00ednculos con la propuesta de Bernhard Lang en el segundo SACD, con su trabajo de relectura y deformaci\u00f3n. En Zimmermann, esa relectura hist\u00f3rica es mucho menos agresiva, se desarrolla en auras sutiles que se mueven evanescentemente entre grupos orquestales, con ecos de diversos estilos hist\u00f3ricos superpuestos. Los procedimientos de desarrollo instrumental a partir de textos cl\u00e1sicos presentes en Clinamen I los recuperar\u00e1 Zimmermann en Clinamen V „Jerusalem-Artischocke“, all\u00ed desde seis lecturas de Jerem\u00edas, procediendo a un exhaustivo divisi orquestal para dar mayor verosimilitud a la aniquilaci\u00f3n relatada en las apocal\u00edpticas profec\u00edas de Antiguo Testamento.<\/p>\n Siguiendo la dial\u00e9ctica de pares, Clinamen II „Die Apologie des Buchstaben h“ se relaciona con Clinamen VI „Rad der Zeit“. Si en el primer caso nos encontramos con un espacio sonoro muy reducido, concentrado en torno a la nota Si (H, en la notaci\u00f3n alemana; compartiendo as\u00ed Zimmermann la defensa que Johann Georg Hamann realizara en el siglo XVIII cuando ling\u00fcistas alemanes pretendieron eliminar la h del alfabeto); en la sexta entrega del ciclo lo que prima es la dispersi\u00f3n del espacio sonoro y la progresiva aceleraci\u00f3n de los materiales, como corresponde a esa rueda del tiempo referida por Zimmermann, all\u00ed con un amplio canon a seis voces que se subdivide en c\u00e1nones asim\u00e9tricos rodeando al p\u00fablico. Es as\u00ed como Walter Zimmermann pretende hacernos escuchar el rumor del tiempo que se moviliza en Phantasien \u00fcber die Kunst, f\u00fcr Freunde der Kunst (1799), del m\u00edstico berlin\u00e9s del primer romanticismo Wilhelm Heinrich Wackenroder.<\/p>\n Clinamen III „Gotisches Lineament“ se construye, igualmente, a trav\u00e9s de un canon, aqu\u00ed referido a la arquitectura y a la forma cuadrada, sugerida por diversas estructuras num\u00e9ricas y juegos espaciales entre los grupos orquestales y el n\u00famero de voces implicadas en cada canon. Clinamen IV „Ikat“ se mueve por otros derroteros, ligados al color, a las t\u00e9cnicas de te\u00f1ido de tejidos provenientes de \u00c1frica, Asia y Europa oriental. De hecho, de Uzbekist\u00e1n rescata Zimmermann un canto entonado por los instrumentos tradicionales dutar y sato, dos modalidades de la\u00fades que sirven de inspiraci\u00f3n, con su afinaci\u00f3n microtonal, para un refinad\u00edsimo trabajo de las cuerdas que, partiendo de las violas, se va extendiendo al conjunto de la orquesta creando grandes cromatismos te\u00f1idos entre s\u00ed por medio de aproximaciones tonales.<\/p>\n Por \u00faltimo, del franc\u00e9s Philippe Manoury (Tulle, 1952) escuchamos su partitura para ensemble y orquesta In situ (2013), obra que dice reflexi\u00f3n sobre las grandes formas orquestales y sus redes de citas, evocaciones, alusiones y premoniciones; a trav\u00e9s de las cuales Manoury se lanza a una reflexi\u00f3n sobre el tiempo y las distintas capas que se superponen en nuestros presentes, con la multitud de elementos que en nuestra cotidianeidad nos conectan con otras momentaneidades (puesto que de un compositor franc\u00e9s hablamos, a una magdalena mojada en t\u00e9 nos podr\u00edamos remitir…). Para trazar relaciones entre esos momentos, recurre Manoury a uno de los procedimientos m\u00e1s frecuentes en su cat\u00e1logo a lo largo de los \u00faltimos a\u00f1os, el que denomina \u201cgram\u00e1ticas musicales generativas\u201d, en In situ limitado a pasajes concretos en los que se despliegan estas entidades sonoras determinadas en base a patrones de aparici\u00f3n que muestran redes de contactos entre las distintas partes de la pieza. El m\u00e9todo de creaci\u00f3n de estos pasajes nos remite, seg\u00fan el compositor galo, a Stockhausen, de cuyo Momente (1962-64\/1969\/1972), se convierte In situ en todo un homenaje. Los momentos en In situ son definidos por Manoury como „lluvia de sonidos“, „superficies tremolantes“, „ecos“, „ca\u00edda“, „deflagraciones“ y „columnas sonoras“; sin ser concebidas aprior\u00edsticamente en un determinado orden, constituy\u00e9ndose en centros de gravedad temporales encadenados entre s\u00ed, ya por transiciones difuminadas, ya por abruptos contrastes, tal como esas conexiones temporales se dan en la realidad: continuum en gradaci\u00f3n o s\u00fabitas anamnesis. A toda esta reflexi\u00f3n sobre el tiempo y la memoria, suma Manoury una fuerte indagaci\u00f3n del espacio, con ensemble y orquesta espacializados en escena y en torno al p\u00fablico, en procesos en los cuales \u00ablos lugares de donde proceden los sonidos resultan ser tan importantes como los propios sonidos\u00bb. Conglomerado de turbulencias y capas espacio-temporales, In situ es una pieza con momentos de gran impacto, torrencial, inagotable, un mecanismo en autogeneraci\u00f3n constante.<\/p>\n Las interpretaciones son en todos los casos exquisitas, a pesar de la dificultad que siempre Donaueshingen nos impone para calibrarlas en su justa medida, al tratarse en general de estrenos y no existir versiones alternativas. Ahora bien, simplemente con escuchar, por tomar el ejemplo a estas l\u00edneas m\u00e1s cercano, la impactante ejecuci\u00f3n de Ensemble Modern y SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg de la partitura de Philippe Manoury, uno bien se puede hacer una idea de que no existen pegas en cuanto a la interpretaci\u00f3n de estos seis estrenos mundiales que, desde ya, pasan a formar parte de la historia (con especial menci\u00f3n, desde mi punto de vista, para las p\u00e1ginas de Bernhard Lang, Alberto Posadas y Walter Zimmermann).<\/p>\n Las tomas de sonido, a cargo de la SWR alemana -editadas en SACD primorosamente por NEOS-, son de la excelencia habitual en esta serie dedicada a Donaueschingen. El generoso libreto -de noventa p\u00e1ginas- aporta textos muy sustanciosos, ya sean a cargo de los propios compositores, o de los programas del festival alem\u00e1n. Siguiendo nuestra puesta al d\u00eda en lo referido al or\u00e1culo Donaueschingen, en poco tiempo esperamos dar cuenta de la edici\u00f3n de las jornadas en 2014; una edici\u00f3n en la que, por fin -y tal y como reclamamos en nuestra rese\u00f1a de la cita del 2012-, se incluye un DVD para dar mejor cuenta de las propuestas con componente visual que en Donaueschingen se presentan cada a\u00f1o. Ser\u00e1 entonces el momento de relatar lo que fue una edici\u00f3n realmente sustanciosa, con grandes nombres en cartel como Brian Ferneyhough, Friedrich Cerha, Wolfgang Rihm, o Salvatore Sciarrino, adem\u00e1s de algunas voces emergentes muy interesantes.<\/p>\n Estos discos han sido enviados para su recensi\u00f3n por La Quinta de Mahler.<\/p>\n Paco Y\u00e1\u00f1ez<\/b><\/i><\/p>\n <\/p>\n
Die Weihnachtsempfehlungen der Redaktion Eleonore B\u00fcning: <\/td>\n<\/tr>\n<\/tbody>\n<\/table>\n | <\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Programm: SACD 1\u00a0\u00a0 total playing time\u00a0\u00a0 71:47 Enno Poppe\u00a0(*1969) Speicher\u00a0for large ensemble (2008\u20132013)\u00a0\u00a0\u00a071:47 [01]\u00a0Speicher I\u00a016:45 [02]\u00a0Speicher II\u00a003:26 [03]\u00a0Speicher III\u00a009:09 [04]\u00a0Speicher IV\u00a012:09 [05]\u00a0Speicher V\u00a010:10 [06]\u00a0Speicher VI\u00a020:03 World premiere of the complete version Work commissioned by SWR Klangforum Wien Enno Poppe, conductor SACD 2\u00a0\u00a0 total playing time\u00a0\u00a0 69:49 Bernhard Lang\u00a0(*1957) Monadologie XIII \u00bbThe Saucy Maid\u00ab\u00a0for two […]<\/p>\n","protected":false},"featured_media":2868,"template":"","meta":{"site-sidebar-layout":"default","site-content-layout":"default","ast-site-content-layout":"default","site-content-style":"default","site-sidebar-style":"default","ast-global-header-display":"","ast-banner-title-visibility":"","ast-main-header-display":"","ast-hfb-above-header-display":"","ast-hfb-below-header-display":"","ast-hfb-mobile-header-display":"","site-post-title":"","ast-breadcrumbs-content":"","ast-featured-img":"","footer-sml-layout":"","theme-transparent-header-meta":"default","adv-header-id-meta":"","stick-header-meta":"","header-above-stick-meta":"","header-main-stick-meta":"","header-below-stick-meta":"","astra-migrate-meta-layouts":"default","ast-page-background-enabled":"default","ast-page-background-meta":{"desktop":{"background-color":"","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-opacity":"","overlay-gradient":""},"tablet":{"background-color":"","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-opacity":"","overlay-gradient":""},"mobile":{"background-color":"","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-opacity":"","overlay-gradient":""}},"ast-content-background-meta":{"desktop":{"background-color":"var(--ast-global-color-5)","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-opacity":"","overlay-gradient":""},"tablet":{"background-color":"var(--ast-global-color-5)","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-opacity":"","overlay-gradient":""},"mobile":{"background-color":"var(--ast-global-color-5)","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-opacity":"","overlay-gradient":""}}},"product_brand":[],"product_cat":[882,883,878,26],"product_tag":[],"class_list":{"0":"post-2867","1":"product","2":"type-product","3":"status-publish","4":"has-post-thumbnail","6":"product_cat-klavier","7":"product_cat-orchester","8":"product_cat-streichquartett","9":"product_cat-zeitgenossische-musik","10":"pa_artikelnummer-neos-11411-14","11":"pa_brand-neos-music","12":"pa_ean-424","13":"desktop-align-left","14":"tablet-align-left","15":"mobile-align-left","17":"first","18":"instock","19":"taxable","20":"shipping-taxable","21":"purchasable","22":"product-type-simple"},"yoast_head":"\n |
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