Ausgeweideter Himmel \u2013 La musique creuse le ciel<\/p>\n
Wolfgang Rihms La musique creuse le ciel f\u00fcr zwei Klaviere und gro\u00dfes Orchester ist ein Fr\u00fchwerk, entstanden zwischen 1977 und 1979; der Komponist war zu Beginn der Arbeit an dieser Partitur 25 Jahre alt. Es ist der Geniestreich eines \u203ajungen Wilden\u2039, der zu Beginn seiner Laufbahn das Establishment der damaligen Avantgarde kr\u00e4ftig durcheinanderwirbelte.<\/p>\n
Rihm bricht in diesem Werk die hermetischen Gef\u00fcge der seriellen Musik bewusst auf: Die klaren Konturen sowie das dichte Geflecht motivischer Strukturen und charakteristischer Gesten zeigen aus immer neuen Blickwinkeln einen musikalischen Kosmos, der auf blockhafte Setzungen weitgehend verzichtet und statt dessen permanent \u203aim Fluss\u2039 zu sein scheint. In der Tat handelt es sich um ein fr\u00fches Beispiel f\u00fcr Rihms Vorstellung einer \u203aflie\u00dfenden Musik\u2039, die er in sp\u00e4teren Jahren, vor allem seit Anfang der 1990er Jahre, wieder aufgreifen und vertiefen sollte.<\/p>\n
Der Titel stammt aus den nachgelassenen Gedichten von Charles Baudelaire und lie\u00dfe sich etwa mit \u203aDie Musik weidet den Himmel aus\u2039 \u00fcbersetzen. Als Rihm die Arbeit an diesem Werk in Angriff nahm, hatte er sich bereits intensiv mit den Dichtern des Expressionismus und der Lyrik Paul Celans auseinandergesetzt und dabei \u2013 insbesondere im Verh\u00e4ltnis zu Celan \u2013 das Stadium der \u203aeigentlichen Zwiesprache\u2039 mit dem Dichter erreicht, wie es Josef H\u00e4usler einmal formulierte.
\nZwiesprache ist auch das zentrale Moment dieser Komposition, und das in mehrfacher Hinsicht. Im Zentrum stehen die beiden Solisten. Ihnen geh\u00f6ren Passagen eindeutiger Dominanz, bei denen sie nur Impuls gebend vom Schlagwerk begleitet werden. Daneben agieren sie auch als Solisten oder als Solist in Form von zwei Personen in Zwiesprache mit dem Orchesterapparat. \u00dcber weite Strecken des Werkes aber sind sie Teil des gro\u00dfen Ganzen, erscheint das Dialogisieren innerhalb verschiedener Konstellationen des gesamten Klangk\u00f6rpers.<\/p>\n
Das Werk ist klar gegliedert. Generalpausen und Passagen \u00e4u\u00dferster musikalischer Reduktion markieren deutliche Z\u00e4suren innerhalb des musikalischen Flusses. Am Beginn steht ein Dreitonmotiv, das im weiteren Verlauf des Werkes immer wieder auftaucht, an einer Stelle sogar auf Viertelt\u00f6ne komprimiert. Die Entgegnung auf dieses dreit\u00f6nige Motiv ist ein weiteres musikalisches Ur-Element, ein geradezu ausuferndes Tremolo in den Soloinstrumenten. Aus diesen beiden Motiven entwickelt sich ein packendes, \u00e4u\u00dferst dichtes Miteinander.<\/p>\n
Doch der musikalische Verlauf entsteht nicht durch die thematische Verarbeitung dieses Materials. Die beiden Grundelemente bilden lediglich die Eckpfeiler, zu denen Rihm immer neue Gegenpole entwirft, \u00fcberraschende Fortsetzungen entwickelt oder neue Klangprozesse in Gang setzt. Es ist eine Musik, die immer an Grenzen zu gehen bestrebt ist, kraftvoll, energiegeladen, virtuos in der gesamten Textur. Auch die ruhigeren Passagen sind nie spannungsfrei, sondern h\u00e4ufig das erste Anzeichen f\u00fcr nahende katastrophische Ausbr\u00fcche oder st\u00fcrmische Fort- oder Weiterentwicklungen zuvor pr\u00e4sentierten Materials. Immer wieder kommen die Tremoli ins Spiel, wenngleich ihre dramaturgische Funktion innerhalb des Werkes oft ganz unterschiedlich motiviert ist. Trotzdem bilden sie eine klangliche Klammer, die die heterogenen Materialien zusammenschwei\u00dft.<\/p>\n
La musique creuse le ciel kommt nicht als geschlossener musikalischer Kosmos daher, sondern m\u00e4andert, wuchert, verzweigt sich und \u00e4ndert best\u00e4ndig Kontur und Richtung. Die Musik wechselt ihre Dichte, ihre Farbe oder ihr Profil mitunter binnen weniger Takte. Sie gleicht einer fl\u00fcssigen Skulptur, die sich permanent in Bewegung befindet. Dadurch n\u00e4hert sie sich einer offenen Form mit unterschiedlichen Graden von Bestimmtheit, ohne jedoch den deutlich ausgepr\u00e4gten Werkcharakter in Frage zu stellen \u2013 ein gro\u00dfartiges Beispiel f\u00fcr den musikalischen Aufbruch des Neo-Expressionismus der sp\u00e4ten 1970er Jahre.<\/p>\n
Rhythmische Visionen \u2013 \u00dcber-Schrift<\/p>\n
\u00dcber-Schrift f\u00fcr zwei Klaviere entstand 1992\/2003. Mit In-Schrift f\u00fcr Orchester und Nach-Schrift f\u00fcr Ensemble geh\u00f6rt es zu einer Reihe von zentralen St\u00fccken, in denen der Komponist den Prozess des Schreibens thematisiert, der ja bei der kompositorischen Arbeit eine zentrale Rolle spielt.<\/p>\n
Einzelne Tonpunkte stehen am Beginn des gro\u00df angelegten, etwa halbst\u00fcndigen Werkes. Sie geben den inneren Rhythmus vor, vor dessen Hintergrund sich immer neue Figuren und Muster abzeichnen. Am Anfang sind es immer nur kurze, oft ruppige Gesten \u2013 nahezu insistierend benutzt Rihm das rhythmische Muster \u203akurz\u2013lang\u2039. Erst im weiteren Verlauf entwickeln sich diese kurzen Phrasen zu komplexeren Strukturen und gr\u00f6\u00dferen B\u00f6gen, werden die Einzelereignisse in einen gr\u00f6\u00dferen Zusammenhang gestellt. \u00dcber weite Strecken wirkt der Tonsatz wie ein Puzzle, dessen Leerstellen nach und nach ausgef\u00fcllt werden und erinnert an eine zerrupfte Tanzweise oder einen durchl\u00f6cherten, allm\u00e4hlich rekonstruierten Tango: die Geburt der Musik aus dem Geist des Rhythmus.<\/p>\n
Martin Demmler<\/p>\n<\/div>\n<\/td>\n
Programm:<\/p>\n
Wolfgang Rihm (*1952)<\/p>\n
[01]\u00a0La musique creuse le ciel<\/b>\u00a0(1977\/1979) 34:12 [02]\u00a0\u00dcber-Schrift<\/b>\u00a0(1992\/2003) 26:33 total time: 60:47<\/p>\n <\/p>\n GrauSchumacher Piano Duo<\/a><\/p>\n Deutsches Symphonie-Orchester Berlin<\/a> Pressestimmen:<\/p>\n Klangs\u00fcchtige Wonnen<\/b><\/p>\n Interpretation:\u00a0 Die gewissenhaft edierten CDs des M\u00fcnchner Labels NEOS verdienen Aufmerksamkeit. Abseits eingefahrener Wege bem\u00fcht man sich hier um interessante Angebote, bei denen es auch f\u00fcr den Musikkenner noch einiges zu entdecken gilt. So geh\u00f6rt die vorliegende Aufnahme mit Kompositionen von Wolfgang Rihm zum Profundesten, was derzeit in den entsprechenden Musikkatalogen zum Schaffen dieses interessanten Komponisten zu entdecken ist.<\/p>\n Die beiden Kompositionen auf der vorliegenden CD entstammen zwei verschiedenen Phasen des Schaffens von Wolfgang Rihm. ‚La musique creuse le ciel\u2018 wurde in den Jahren 1977\/79 komponiert, ‚\u00dcberschrift\u2018 begonnen im Jahre 1992, beendet aber erst im Jahre 2003. Die Kategorie des Fortschritts, die f\u00fcr die Musik des 20. Jahrhunderts stellenweise so bedeutsam war, hat f\u00fcr Wolfgang Rihm kaum eine Rolle gespielt. Ihm ging und geht es stets um kommunikative Prozesse, aber auch vor allem um das genaue Hinh\u00f6ren oder emphatisch formuliert, Musik als Abenteuer im Kopf.<\/p>\n ‚\u00dcber-Schrift\u2018 f\u00fcr zwei Klaviere ist eine Expedition in die Tiefen der Klanggestaltung, hervorgerufen durch faszinierende Flagolett-Effekte, rhythmisch-melodische Figurationen usw. Das Klavierduo Andres Grau und G\u00f6tz Schumacher fesselt durch klar angelegte klangliche Gestaltung und rhythmische Pointierung. Fazit: eine in sich bewegte, aber trotzdem meditative Interpretation.<\/p>\n ‚La musique creuse le ciel\u2018 f\u00fcr zwei Klaviere und Orchester antizipiert die Komposition ‚Dialoge\u2018 von Bernd Alois Zimmermann. Grunds\u00e4tzlich neue Aspekte ergeben sich bei Rihm nicht, aber das ist auch nicht bedeutsam. Wichtig ist vielmehr, dass hier eine quasi irreale Klang\u00e4sthetik mit harmonischen Schwebezust\u00e4nden, klangs\u00fcchtiger Instrumentationsartistik geschaffen wird, die bei aller \u201aTraditionslastigkeit\u2018 und Ankl\u00e4ngen an Bekanntes stets neu klingt, so als w\u00fcrde man ein Familienphoto unterm Mikroskop betrachten und dann die Einzelteile neu zusammensetzten. Das Deutsche Symphonie-Orchester Berlin unter Peter Rundel musiziert solide mit Bestimmtheit und Hellh\u00f6rigkeit f\u00fcr motivische Zusammenh\u00e4nge. Das Duo Grau-Schumacher pr\u00e4sentiert sich hier mit der gleichen Eloquenz, wie eben besprochen und realisiert seinen Part virtuos, sensibel und genau.<\/p>\n Die Aufnahme l\u00e4sst klangtechnisch kaum W\u00fcnsche offen, bis auf die Tatsache, dass man sich des Gef\u00fchls nicht entledigen kann, dass die beiden Fl\u00fcgel zu sehr in den klanglichen Vordergrund gestellt worden sind. Es lohnt sich, diese Musik kennenzulernen. Zudem erschlie\u00dft die Aufnahme durchaus kompositorisches Neuland und stellt einen gewichtigen Beitrag zur Rihm-Rezeption dar.<\/p>\n Michael Pitz-Grewenig<\/i><\/p>\n <\/p>\n La Musique greuse le ciel<\/b><\/p>\n Many American listeners may be surprised to discover that the music of Wolfgang Rihm (b. 1952) is regarded by many in German new-music circles as dangerously reactionary. This has to do with where one defines the boundaries of \u201ctradition.\u201d For Rihm, ever since he burst on the scene in his twenties, \u201chistory\u201d has been defined by the expressionist language of the early 20th century, leavened with many of the techniques derived from later modernist advances. Though thoroughly Germanic and less overtly romantic, one can perhaps think of John Corigliano as a useful American analogue. But as I said, many in Germany find his approach anathema. The ur-revolutionary Helmut Lachenmann and the late\/high\/mannerist modernist Brian Ferneyhough each continue to write a music that suggests that the discoveries of the last century are far from done, and that music will eventually be something barely recognizable from its state even 60 years ago. Rihm seems to believe that our mission is to rediscover a sort of \u201cprimal piece\u201d and rewrite it, and that because we are now the living, it will of necessity be new.<\/p>\n I\u2019m not enamored of the highly dogmatic view represented by Rihm\u2019s adversaries, and as a result, I have sympathy for his more \u201chistoricist\u201d approach. But I do find problems with his work. He\u2019s incredibly prolific, and it seems he barely stops to refill his pen, he writes so fast. The music is dramatic, spectacular, and overwrought. It also has struck me as somewhat superficial, despite (or maybe because of) all the Sturm und Drang.<\/p>\n This disc gives us two works featuring Piano Duo (Andreas Grau and G\u00f6tz Schumacher). La musique creuse le ciel (1977\/1979) is for duo with orchestra, and \u00dcber-Schrift (1992\/2003) for duo alone. Of the two, the former (title from a line of Baudelaire, \u201cMusic hollows out the sky\u201d) strikes me as the far more successful and engaging. It often projects somber mystery and foreboding, quite chilling. There are episodes of stunning orchestration; for one example, there\u2019s a passage that seems to be a combination of dotted woodwind rhythms with string tremolos that becomes like a giant whirling sonic buzz saw. Though over a half hour, I found myself willing to give myself up to it. But when it was over (and more than once), I remained wondering what it all meant, if anything. There seems to be here a strong desire to please the listener, though not with easy or pretty sounds, but rather with spectacular sonic shock effects. And the role of the pianos is problematic for me. For long stretches they are submerged in the texture, so they seem an afterthought, and are a little shocking whenever they reassert themselves.<\/p>\n \u00dcber-Schrift is more recent, but for me even less satisfying. It\u2019s jarring, disjunct, and abrasive in its sounds; there are lots of sharp attacks against soft backgrounds. For me, this is by now something of a new-music clich\u00e9. The music does slowly coalesce from isolated events into something more continuous, but that doesn\u2019t seem like a big payoff.<\/p>\n In the end, the effect of Rihm\u2019s music seems like elevated film music. This isn\u2019t a facile put-down; indeed it\u2019s what intrigues me the most about it. At its best, this music seems to accompany some sort of not-quite-seen scenario, forcing you as a listener to exercise your imagination to its highest to link the sound and interior visuals. Going back to tradition, perhaps Rihm\u2019s closest musical grandfather is Richard Strauss.<\/p>\n The performances are committed, accurate, and suitably intense. In the double concerto, there\u2019s a lot to enjoy, dark and sensual. But I\u2019m still not sold on any particular profundity here.<\/p>\n Robert Carl<\/p>\n
\nMusic for two pianos and large orchestra
\n<\/span><\/p>\n
\nfor two pianos
\n<\/span><\/p>\n
\nPeter Rundel<\/a>, conductor<\/p>\n![](\"https:\/\/i0.wp.com\/neos-music.com\/images\/news\/Diverdi-Logo013.jpg?ssl=1\"){kind=logo}
\n<\/b>04\/2010<\/p>\n![](\"https:\/\/i0.wp.com\/neos-music.com\/images\/news\/10721_diverdi_04_2010.jpg?ssl=1\")
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\nJan\/Feb.2010<\/p>\n