Detlef Heusinger: El sueño de Lulu

Detlef Heusinger · El sueño de Lulu

De la guitarra eléctrica a la electrónica en directo (y viceversa)

En este CD se recopilan tres obras de Detlef Heusinger, en las que la guitarra eléctrica tiene un papel central. Cualquiera que sospeche un compromiso biográfico detrás no se equivoca. Pero eso no dice mucho por sí solo, porque ¿qué niño que creció en la década de 1970 no estaba fascinado por Jimi Hendrix? ¿Desde los sonidos psicodélicos de la Stratocaster, las distorsiones causadas por los dispositivos de efectos y los amplificadores saturados, las numerosas técnicas de interpretación nuevas, las improvisaciones desbordantes y entusiastas? Heusinger ya se había formado en la guitarra clásica antes de pasarse a la guitarra eléctrica a los 14 años e, inspirado por bandas como Led Zeppelin o Pink Floyd, experimentó sus propias representaciones escénicas con este instrumento en varias formaciones. Pero estudiar con Henze o Nono y el canon vanguardista de lo prohibido en realidad deja poco espacio para tocar la guitarra eléctrica. Las actividades como compositor, director y más tarde como jefe del estudio experimental SWR tampoco permiten más obsesiones.

Comenzando con el concierto de guitarra. 2do aniversario de Zabriskie Point (2005), sin embargo, Heusinger ha vuelto a su antiguo amor. Sin embargo, con una perspectiva completamente diferente: la guitarra eléctrica se ubica en el contexto histórico de la música electrónica y, por lo tanto, se reinventa como un instrumento, por así decirlo. Como instrumento solista evoca una versión moderna de la casi atemporal Lulu, en el concierto solista actúa en un género que parece obsoleto, en el elenco de música de cámara es mediadora de toda la historia de la música electrónica desde el theremin hasta el día de hoy. Y afortunadamente se permite de nuevo una pizca de nostalgia en la música contemporánea.

4 cruces

La música es un "arte de transición mucho más allá de la comprensión wagneriana", escribe el filósofo musical Christian Grüny. La electrónica moderna (en vivo) podría usarse como evidencia para esta tesis. Porque mientras Richard Wagner desarrolló el arte de la transición en la melodía y la armonía, hoy se puede relacionar con el sonido mismo. Los sonidos musicales pueden verse microscópicamente, analizarse, descomponerse en todos los componentes acústicos y ensamblarse a partir de ellos. El 4 cruces poner tal morphing al corazón de la acción: Se trata de la transformación y transición de los sonidos hasta la fusión completa de instrumentos tradicionales y electrónicos. Donde, por ejemplo, el violonchelo tocado en armónicos o la guitarra eléctrica interpretada con el arco electrónico se fusionan con el theremin difícilmente puede determinarse escuchando. Los instrumentos de percusión como el waterphone o el flexatone con sus resonancias duraderas, a veces inarmónicas, apoyan los procesos de fusión tonal. La e-guitarra como vínculo entre el mundo instrumental y el electrónico sigue siendo la más fácilmente identificable sin pasar a primer plano.

son formales 4 cruces desequilibrado: el primer movimiento es claramente el más largo, en el que dos secciones de trance con glissandi en el violonchelo, bending en la guitarra y acordes de órgano en el sintetizador enmarcan una sección central en movimiento que está dominada por movimientos rápidos del teclado. El segundo movimiento se centra por completo en los sonidos místicos del theremin; el cortísimo tercer movimiento permite que figuras en movimiento deambulen por los instrumentos: del glockenspiel a la guitarra y, excepcionalmente, normalmente, es decir arco tocaba el violonchelo.

El interludio que sigue consiste en sonidos sintetizados del órgano Hammond y Novachord interpretados por el compositor: ¡un homenaje a los días pioneros de la música electrónica en la década de 1940 y un homenaje al inventor de ambos instrumentos, Laurens Hammond!

El material del interludio también se puede encontrar en el último movimiento, que, después de una introducción cuyos colores inquietantes podrían haber venido de David Lynch, conduce a un final de ritmo rápido: sobre un pulso consistentemente rápido, la guitarra eléctrica, el violonchelo y el theremin se desarrollan seductoramente. líneas melódicas melancólicas.

La electrónica en vivo controla el sonido a través de ocho altavoces colocados en un círculo alrededor de la audiencia, usa efectos inversos, cambia el tono, así como la amplitud y la velocidad del vibrato en microintervalos y establece varios filtros. A través de la convolución (plegamiento), se dota a la guitarra de la resonancia natural del piano caso por caso.

El 4 cruces paseemos por un museo de generación de sonido electrónico, cuyas exhibiciones, cargadas de recuerdos sentimentales, cobran nueva vida gracias a la guitarra durante la duración de nuestro recorrido.

el sueño de lulú

En enero de 2019, el estreno de la nueva versión de Detlef Heusinger del 3er acto de la Lulu en manos de Alban Berg. Entre otras cosas, lleva al escenario el theremin y la guitarra eléctrica y apuesta por una modernización del trabajo tan cuidada como brillante y vivaz con efectos electrónicos. Como si fuera un condensado el sueño de lulú para guitarra eléctrica, que retoma motivos de la ópera, los condensa y los ilumina de nuevo. ¿Quién con la ópera o la Suite Lulu familiar reconocerá algunas cosas: la típica combinación de Berg de cuartas con pasos cromáticos (que el mundo de los tristan conjurado), la música circense (cuyo regreso en el final de la ópera tiene una función formadora de simetría) - y como punto culminante lírico, la canción de laúd de Wedekind del primer intermezzo del tercer acto. La »Lulu reloaded«, como llama Heusinger a su versión operística, se enriquece aquí con nuevas armonías. Berg allanó el camino desde el laúd de Wedekind hasta la guitarra eléctrica de Heusinger con sus armonías de jazz.

2do aniversario de Zabriskie Point

En su famosa carta ("Cher Antonioni") de 1980, Roland Barthes describió las películas de Michelangelo Antonioni como el "arte de los huecos", en el que no se refleja la verdad aparente, sino que se explora el significado sutil debajo de la superficie. Estas palabras también podrían describir la tarea que Detlef Heusinger se impuso con el concierto de guitarra eléctrica. Como en Antonionis Volar la ampliación de una fotografía revela detalles previamente invisibles, en esta música los materiales y los detalles se revelan mediante su ampliación (por ejemplo, por medio de time stretching) audibles que normalmente permanecen bajo la superficie.

Sobre la mítica película de Michelangelo Antonioni Punto Zabriskie (1970) dice Heusinger que sigue siendo relevante por su crítica social. En particular, la famosa escena de la explosión, en la que la imaginación del protagonista principal deja volar por los aires a cámara lenta la villa sobre el acantilado con todos sus elementos de la sociedad de consumo estadounidense -en el original acompañada por la música de Pink Floyd- el compositor usara el título de la Obra para referirse a Antonioni. La técnica cinematográfica encuentra expresión concreta en el interludio, que (como en el 4 cruces insertado antes del último movimiento) estira los sonidos del órgano Hammond y Novachord usando filtros y vocoder de fase de tal manera que se crea una cámara lenta musical. Ella examina microscópicamente los detalles de los sonidos, revelando armonías internas que de otro modo serían imperceptibles. Al mismo tiempo, se compone la escala desarrollada por Roger N. Shepard, en la que se crea la ilusión de un sonido infinitamente ascendente. Análogo a Maurits C. Eschers Abajo arriba y como en la escena cinematográfica de Antonioni, el movimiento parece atrapado en un bucle de tiempo infinito...

Con el concierto solista se sirve aquí un género supuestamente anacrónico, y con la elección del instrumento solista, el comentario sobre el zeitgeist musical se tiñe irónicamente de una doble manera. Pero el concierto para guitarra eléctrica es también un alegato a favor de un instrumento versátil que armoniza sorprendentemente bien con la orquesta. Como una especie de estudio experimental en formato miniatura, aquí solo se utiliza el Vox Tone Lab, un clásico entre los dispositivos de efectos para música de guitarra. Los efectos inversos, de fase y de retroalimentación crean un sonido distintivo que hace referencia a la década de 1970 sin ser ecléctico y mirar hacia el futuro.

Esteban Jena