ERES MADERA TOCANDO UNIVERSOS
Mach – es el nombre de un ciclo de piezas para instrumentos solistas que Eres Holz inició en 2011 con un virtuoso solo de trompeta y que ahora incluye nueve piezas; desde la pieza de clarinete de 2016, se ha agregado electrónica en vivo. ¡HACER! – como petición; Mach – también como un pequeño homenaje al físico Ernst Mach. La unidad de medida que lleva su nombre todavía se usa hoy para indicar la velocidad de los aviones supersónicos, una pequeña indicación de la dificultad de las piezas. Mach – así dice la partitura de la pieza para órgano – es »una especie de invitación a hacer algo que no sea baladí«.
Todas las piezas del ciclo se basan en un repertorio de técnicas virtuosas y figuras expresivas específicas del instrumento respectivo que se han desarrollado a lo largo de la historia de la música: en el arpa, por ejemplo, hay tonos bajos profundos como campanas y brillantes arpegios, en el violonchelo dobles paradas que señalan la mayor intensidad, siendo el acordeón un estilo de ejecución de plena voz que toma como medida el sonido del órgano. La electrónica inicialmente amplifica el sonido, por ejemplo, a través de efectos de reverberación y decoloraciones discretas, pero luego moldea cada vez más la producción de sonido: todavía se pueden escuchar las características típicas del discurso de sonido instrumental, pero ahora aumentado hasta el éxtasis: los instrumentos hablan en lenguas extranjeras. , por así decirlo. El individuo, aprisionado en sí mismo, busca salir de sí mismo, comunicarse con el mundo por todos los medios disponibles: como dice el compositor, se trata “de comunicación, de búsqueda de empatía”, de “superación de la soledad”, de salir "gritando" si es necesario.
Ciertamente, estas obras tratan de la »soledad de la vida« como una condición humana: el conocimiento, como lo expresó Arthur Schnitzler, »de que dos personas siempre, siempre tienen que permanecer extrañas entre sí, que nunca pueden realmente mirarse el uno al otro. , que nunca se pueden ver realmente, realmente entiende.« Pero ciertamente no es una coincidencia que cinco de estas piezas se crearon durante la pandemia de corona 2020/21 con sus restricciones de contacto. La soledad de repente se convirtió en una experiencia cotidiana y un tema de debate, por lo que estas piezas también tienen una calidad que diagnostica los tiempos. El hombre, incluso aislado, ya sea impuesto o elegido por sí mismo, sigue siendo un "animal sociale" en relación con su contraparte. En este sentido, la frase del filósofo Byung-Chul Han, que Eres Holz toma del arpa del Mach- Ciclo añadido: »La resonancia no es un eco del yo. Vives en la dimensión del otro. Significa armonía.«
Dentro de Machciclo, la pieza de órgano tiene un estatus especial. Fue creado en 2016 como un trabajo encargado por Deutschlandfunk para el »Órgano para la Nueva Música« en la Kunst-Station Sankt Peter en Colonia. Una experiencia importante fluyó en la composición: el canto coral, que Eres Holz había practicado activamente durante muchos años. Observó que las cadencias en particular, la disolución de una constelación de intervalo en otra, tenía un efecto físico inmediato sobre él. Ciertas progresiones armónicas se asocian tradicionalmente con ciertos afectos: en otras palabras, codifican y abstraen contenido emocional. Cláusulas y cadencias puntúan este proceso, completando una progresión armónica, pero tal vez abriendo o permitiendo una nueva. Aquí es exactamente donde entra la composición de Eres Holz: "Los afectos, los momentos expresivos que crean estos intervalos que se disuelven son, en cierto modo, el corazón de esta pieza".
La progresión armónica tiene así una función similar a la línea de bajo y la estructura de acordes de un passacaglia barroco. También en Eres Holz, los episodios cambiantes se integran de esta manera en un flujo musical constante. Este proceso es básicamente un análogo de la creación: un proceso incesante de devenir que solo termina el día de su caída. La composición también se esfuerza "en efigie" hacia este final catártico (sellado solemnemente por el sonido del reloj de la torre de la iglesia, que se puede operar desde la consola del órgano en la estación de arte de Sankt Peter).
Una progresión de acordes como idea central de una pieza: este modelo ha mantenido ocupado a Eres Holz. La pregunta era: ¿Pueden los patrones perceptivos de la música tonal, como el tono fundamental, la tensión y la resolución, transferirse a la música sin organización tonal? Para ello, se había ocupado de la historia de la polifonía europea desde sus inicios (perotin) hasta el Barroco, con las reglas de dirección de voz, por ejemplo, que no sólo regulan cómo tratar las disonancias, sino que determinan fundamentalmente cómo un acorde debe resolverse en otro. Para Eres Holz, esto hizo necesario formular él mismo tales reglas, que ya no están relacionadas con contextos modales o tonales, sino que garantizan la coherencia de la música bajo condiciones marco recién definidas. Para establecer tales reglas, también usa la computadora: “Intento predecir ciertos mecanismos o ciertos tipos de procesos musicales”, como lo describió en una entrevista en 2016. “¿Cómo sonaría ahora, si pienso así? ¿Cómo sonaría eso si dejo que esto continúe, con ciertas reglas de resolución de intervalos?
El examen intensivo de la armonía de los parámetros, es decir, como Armonía, no como resultado de movimientos linealmente independientes – es inusual en la Nueva Música. La armonía es fundamental como marco de referencia de lo melódico: “Trabajo armónicamente para que las melodías también tengan 'sentido'. Como hace Bach. Y precisamente por eso me permito la libertad melódica, porque armónicamente está bien fundamentada.«
La libertad melódica: Esto significa en particular la inclusión de microtonos, que juegan un papel muy importante en su música. El lenguaje humano, pero también el llanto, la risa y todas las demás vocalizaciones afectivas: nada de esto sucede en la mediocridad regulada del sistema temperado con sus doce semitonos pares. Por supuesto, uno puede al menos acercarse a los sonidos humanos con los microtonos: para Eres Holz, los microtonos son "un signo de la imperfección del ser humano - el ser humano como un ser biológico, y no estéril, no como un 'bien'". máquina "templada". Los microtonos como expresión del dolor, pero también de la pasión y el erotismo«.
Solo bajo esta condición se puede confiar a la música algo personal: En dos piezas, Eres Holz aborda la muerte de su madre por la enfermedad de Alzheimer y su muerte en 2019: Es el cuarteto de cuerda. grietas oscuras y composición de conjunto Tocando universos y fines.
El cuarteto de cuerdas fue creado para el festival Deutschlandfunk 2021 »Forum of New Music«, que tuvo como lema: »¿Queremos vencer a la muerte?«. El cuarteto, a su vez, se basa en una progresión de acordes: “Como una especie de bucle sin fin, que atrae al oyente”, dijo el compositor en una entrevista con Hanno Ehrler con motivo de la primera emisión en noviembre de 2021. De hecho, el elemento armónico domina durante largos trechos en esta pieza que, por así decirlo, arrastra lo melódico y en el tercer movimiento lo aplasta en la maquinaria destructora de acordes acorazados con dos registros: Triunfo de la muerte. Por otro lado, hay gestos melódicos "hablantes", delicados y también poderosos, en los que la vida parece recuperarse temporalmente. A intervalos irregulares, aparecen pasajes sin desarrollar con armónicos altos, distantes, extraños e inaccesibles: "Los armónicos son el más allá, la luz, Dios, si se quiere", dice el compositor. Sin embargo, no formulan ninguna certeza, sino una pregunta, una búsqueda a tientas y una anticipación.
Un año después del cuarteto de cuerdas, la composición del conjunto cambia Tocando universos y fines retoma el tema de la muerte y la pérdida una vez más: a diferencia del cuarteto de cuerda, que, como la música de cámara delineada clásicamente, se las arregla en gran medida sin técnicas de ejecución extendidas, se aferra Tocando universos y fines hacia todos los valores de color y ruidos imaginables que se pueden exigir de un conjunto de siete piezas: una música que alcanza dimensiones sinfónicas.
Comienza como una pieza de recuerdo, de remembranza: acordes de piano tranquilos, en los que resuenan reminiscencias tonales - "La belleza, el milagro del nacimiento", anota el compositor. Al mismo tiempo, sin embargo, también melancólica, un ritmo sugerido de marcha fúnebre, un comienzo que sabe de fin. Es la viola, tocando largos tramos en microtonos, la que ameniza este evento con figuras melódicas erráticas; arrastra al violonchelo, y luego también a los otros instrumentos: el movimiento del conjunto se vuelve rápido, incluso frenético a medida que avanza, y tan denso que el compositor tiene que usar los símbolos introducidos por Schönberg para marcar las voces principal y secundarias: Es »la larga, desesperada, diaria resistencia a la muerte que avanza incesantemente» (Marcel Proust). al final de
Colapso: El sonido instrumental, signum del individuo hablante, expresivo, se disuelve en ruidos sonoros que se generan sobre y con los instrumentos. En el piano, los impulsos de sonido generados electrónicamente se envían directamente a las cuerdas del piano por medio de un llamado "transductor". Es un cruce acústico y musical de fronteras, hacia otra dimensión. Al final, el regreso del principio: nueva vida, siempre muerta.
La composición parece una continuación de estas piezas que abren dimensiones existenciales La mujer de 2020: una improvisación grotesca. Pieza basada en un texto del poeta rumano Constantin Virgil Bănescu: Aquí está el miedo al Vida, que incita a un hombre a crear una compañera, "carne de su carne" - literalmente, ya que la corta con un sable de su propio cuerpo para este propósito: una compañera que, en la interpretación literal del relato bíblico de la creación, es "igual a él "debería ser". por supuesto este Compañero no para ser un ser humano, sino un horrible homúnculo, carne muerta que no exige nada... Esto se implementa con voces que declaman silábicamente, que literalmente tienen agudos staccatos de grabadora, efectos de glissando y acentos percusivos de contrabajo. en escena Está establecido.
La armonía como marco de referencia necesario para lo melódico: Este supuesto básico en la música de Eres Holz representa la composición del quinteto. cabeza de chacal (2016) nuevamente de la manera más emocionante. La armonía y la melodía se articulan como opuestos ("inquieto, misterioso" vs. "rítmico, como una danza"). Su eventual encuentro en la sección de cierre no conduce a la síntesis, sino que neutraliza toda energía, y una coda de agotamiento (notas dispersas, "calmadas pero perturbadas") cierra la pieza. El título hace referencia al antiguo dios egipcio de la muerte, Anubis, que fue representado con una cabeza de chacal. "La austeridad del antiguo arte egipcio" inspiró su trabajo, señala el compositor. »La música suena arcaica y mística debido a la formación muy clara de las frases, casi ›afiladas‹ en cierto modo. El trémolo incansable de las cuerdas de alguna manera hechizó..."
Ingo Dorfmüller
Para Eres Holz, los microtonos son “un signo de la imperfección del hombre – el hombre como un ser biológico, y no una máquina estéril, no 'bien temperada'. Los microtonos como expresión del dolor, pero también de la pasión y el erotismo«.
