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AL ABIERTO – MÚSICA DE PIANO MODERNA Desde que la música moderna se ha emancipado radicalmente de su históricamente evolucionado “mundo de conceptos y sentimientos” (Nietzsche), los compositores, tratando ansiosamente de liberarse de los estándares, modelos y experiencias del pasado, se han estado moviendo en un viaje indefinido y sin rumbo hacia la apertura. Utilizando algunas obras para piano seleccionadas (desde Debussy hasta el estreno mundial de las Cinco Miniaturas), me gustaría mostrar cómo los compositores dan forma a este proceso de modernidad que se consume a sí mismo y se renueva continuamente de una manera muy individual y divergente y cómo se crea la apertura a través de sus obras en primer lugar. Su selección sigue siendo necesariamente subjetiva así como históricamente selectiva. Esta presentación conceptualmente abierta y sofisticada de obras para piano estética y estilísticamente diversas y conceptualmente incomprensibles es al mismo tiempo un viaje musicalmente variado, contrastante, heterogéneo y sensual hacia la música para piano moderna. En consecuencia, las obras presentadas solo pueden reflejar una instantánea de la modernidad y del proceso creativo individual del compositor. Con estas experiencias musicales, también me gustaría dar una idea de las dificultades irreconciliables de componer y mostrar cómo cada uno de los compositores aquí presentados busca y "compone" constantemente su propio camino musical personal, libre de tradiciones, reglas y conceptos estéticos en incertidumbre latente y orientación sin rumbo hacia el futuro. Sus obras dan testimonio de un intento de superar las antinomias de la modernidad al señalarlas a la intemperie. Con la »modernidad« (como concepto de época), que se anunciaba como una ruptura con la tradición incluso antes de 1900, se avecina una experiencia diversa y al mismo tiempo heterogénea de agitación por fuerzas que luchan por separarse: por un lado, las personas son obsesionados con la ideología del progreso, rinden homenaje a la ciencia y deliran con la belleza de la tecnología, la velocidad y el ruido, por otro lado la crisis de la tradición anuncia la creciente comprensión de la obra, el material musical, la autoimagen del artista, el lenguaje formal , tonalidad, optimismo sobre el progreso y comprensión lineal de la historia, que se manifestó en movimientos, enfoques y estilos musicalmente diversos y muy diferentes. Es Claude Debussy, en el umbral de la modernidad, quien aún mantiene el equilibrio entre las estructuras convencionales y los nuevos timbres. Experimenta tanto con modos medievales como con ritmos de jazz, toma sugerencias de culturas no europeas y así promueve la "emancipación de la disonancia" y sigue consecuentemente el camino hacia la abstracción musical. Los procedimientos estructurales derivados del material musical sólo son reconocidos y desarrollados por los serialistas. Como muchos representantes del modernismo, utilizó el piano como laboratorio musical. El Prélude no 1 »Brouillards« (1913) ya da vida a todos los ingredientes de la era moderna que se avecina: esta composición sonora con visión de futuro prescinde del tema y el desarrollo, así como de una clave clara. La disolución de las técnicas compositivas tonales continúa en la pérdida de la forma tradicional y pierde su significado, lo que queda es un proceso compuesto de timbres, de movimientos sonoros estructurados. A más tardar después de las experiencias de dos guerras mundiales, dictaduras y la euforia por el progreso, la utopía y la pesadilla de la modernidad llegaron a su fin. En la »conciencia de un umbral de época«, la situación especial después de 1945 también condujo a un cambio de paradigma en la música. La nueva música serial de vanguardia fue mucho más allá de la escuela vienesa, quiso crear una renovación fundamental y en la búsqueda de "un maestro de escuela del objetivo y la organización" (Thomas Mann) perdió la orientación, el tiempo y la subjetividad. Etude Mode de valeurs et d'intensités (1949) de Olivier Messiaen, una »pieza de práctica« compositiva que hizo historia, se considera la obra clave de la música serial. El procedimiento compositivo se basa en el sistema de modos y ritmos de Messiaen, que explica en el prólogo: »Esta pieza realiza el acoplamiento de duraciones tonales, alturas, tipos de ataque e intensidades. Utiliza un modo que consta de 26 tonos, 24 duraciones, 12 velocidades y 7 grados de intensidad. Está escrito exclusivamente en este modo, es decir, no utiliza más tono que los 36 tonos elegidos; estos tonos siempre permanecen fijos en la octava una vez elegidos, cada uno junto con su duración, ataque y volumen previstos.« Esto allanó el camino al serialismo, a una música autoorganizada de objetividad estética que estaba completamente organizada de acuerdo con el ideal matemático. Se cuantificaron y reorganizaron los parámetros musicales: tono, ritmo (ahora: duración), grados de intensidad, tipos de ataque, articulación hasta la forma (ahora: estructura) y espacio. Esta minuciosa racionalización pseudomatemática del material musical se absolutiza durante la composición al prescindir conscientemente de la mímesis, el significado, los motivos y la subjetividad, ignorando su propia historicidad. Se creía que el sentido se creaba a sí mismo como racionalidad técnica, como objeto de progreso. Fue Karlheinz Stockhausen quien creyó reconocer su comprensión visionaria y antisubjetiva de la "pureza" en el estudio de Messiaen y, al igual que Boulez, se basó en ella. Stockhausen continuó con el desarrollo matemáticamente estricto del serialismo en el segundo ciclo de sus obras para piano. En Piano Piece V (2), una composición de grupos sonoros estructurados en serie, Stockhausen experimenta con series temporales y "relaciones de incertidumbre", así como con configuraciones rítmicas y melódicas. La obra, con sus técnicas de ejecución en parte nuevas, es tan extrema para el pianista como rechaza la percepción estética tradicional para el oyente. Este cambio de paradigma hacia el posmodernismo (desde la década de 60), que apunta más allá de una ruptura en la tradición, no estuvo exento de consecuencias: en la conciencia escéptica de la creencia del modernismo en el progreso, las posiciones reprimidas, ocultas y tabú del trabajo, la estética, los compositores, la composición, la interpretación y la tradición van ganando cada vez más sentido. Esto abre una ventana que hace visibles las más diversas líneas de desarrollo y nuevos puntos de referencia, abriendo así una mirada a horizontes desconocidos. »El deshilachamiento de las artes« (Adorno) conduce también a un pluralismo de las más diversas posiciones estéticas y obras muy heterogéneas en la música. Los 7 Estudios para piano (1999-2001) de Messiaen y el estudiante de Xenakis Pascal Dusapin no pueden negar su origen francés, se caracterizan por un constructivismo contenido entre el neo-serialismo y el posmodernismo. Tonos y sonidos, polirritmias y melodías microtonales son ásperos y vanguardistas, impresionistamente coloridos y reducidos, transparentes y escasos en los estudios, que son de carácter muy diferente pero siempre compuestos con intensidad creativa. El italiano Giacinto Scelsi, que no se veía a sí mismo como un compositor sino como un médium, hizo la desviación más consistente de la música occidental, mucho más allá del serialismo. Sólo el artista puede, a través de la inspiración, producir sonido (como tono), "el primer movimiento de lo inmóvil", cuya escritura es responsabilidad de otro, el artesano. Su música espiritual "sonidos cambiantes" se mueve en el espacio ilimitado entre la racionalidad y el misticismo en el camino hacia la "pureza" y la "espiritualidad" y se ve a sí misma como "parte de una unidad divina". Sus composiciones sonoras progresistas, meditativas, que penetran en la microtonalidad, así como sus Quattro illustrazioni (1953) para piano, están cerradas al análisis, "su gesto es el rechazo" (Carl Dahlhaus). Los intentos de liberación de la música moderna empujados a lo abstracto con una pretensión atemporal de validez también llevaron a nuevos descubrimientos fuera de Europa: el japonés Toru Takemitsu trató con su »maestro« Messiaen así como con Nono, Stockhausen y Cage, experimentó con la música música concreta y electrónica y aleatoria, lo que lo llevó a regresar a su tradición musical japonesa. Un resultado de su compromiso con la vanguardia europea, con los modos de Messiaen y la escala pentatónica tradicional de Japón fue su primera obra para piano Lento in due movimenti (1950), que fue revisada después de 40 años y estrenada como Letanía (en memoria de Michael Vyner) en 1990. Para él, la naturaleza como punto de referencia estético, como actitud ante la experiencia, se convierte en el poder de la quietud, tal como lo hizo para su "maestro" Debussy. Los nuevos espacios sonoros y de diseño le permiten superar la "manía de la forma" (Debussy). Aislada de los desarrollos musicales posteriores a 1945 y no afectada por una amplia variedad de corrientes y estilos en Europa occidental, Sofia Gubaidulina desarrolló su estilo personal de "crecimiento natural" influenciado por la religión. En sus obras trata tanto la tradición musical como Webern y la música serial. Como compositora, está comprometida con el romanticismo así como con sus creencias religiosas: »Componer es un acto religioso«, experimenta con la técnica dodecafónica, con el simbolismo numérico así como con diversos procesos rítmicos y escribe conscientemente obras claras y manejables destinadas en el oyente. Una de las primeras obras para piano es la Chacona de inspiración barroca de 1963. Las variaciones sobre un tema de ocho compases están claramente estructuradas formalmente, y el material musical, el ritmo y el tono se mueven expresivamente y con cautela más allá de los límites tradicionales. A partir de la experiencia existencial y religiosa, Arvo Pärt se aparta radicalmente de las técnicas de composición probadas y contrastadas de la nueva música y encuentra su propio estilo de composición personal al tratar con el canto gregoriano. La pieza para piano en dos partes Für Alina (1976) es la primera obra compuesta en el estilo tintinnabuli que desarrolló. La regularidad y el acercamiento minimalista a la tradición, al tiempo que renuncia al "progreso" en el material musical ya las modas vanguardistas, dotan a sus obras de una claridad formal y un purismo tonal de gran inmediatez para el oyente. Las Cinco Miniaturas (2014-2016) de Hans-Michael Rummler son un psicograma musical, un sismógrafo de sensibilidades personales y al mismo tiempo un viaje sonoro entre el observador que compone y la persona observada. Los tonos se establecen de forma selectiva, se añaden a líneas o se comprimen en acordes y se combinan con ritmos e intervalos funcionalmente ordenados para crear una pieza de piano llena de potencia e intensidad. El proceso de trabajo compositivo es un acto de equilibrio significativo entre el diseño racional y la experimentación ambigua. Siempre estrictamente construido sin parecer abstracto, los extremos se exploran en términos de sonido, con ritmos impactantes y, a menudo, acordes vanguardistas de varios tonos. Al mismo tiempo, las líneas bien medidas conducen a la calma y brindan orientación en el tiempo y el espacio. La característica de mi estilo compositivo, ya sea para piano o para obras corales polifónicas, es siempre una dramaturgia pronunciada de poder formativo, así como una música transparente, perceptible y reconocible, llena de intensidad sonora, gestos expresivos, ritmos fuertemente palpitantes, cantabile sensualidad y calma. Hans Michael Rummler |
Programa:
Claude Debussy (1862-1918) Olivier Messiaen (1908-1992) Karlheinz Stockhausen (1928-2007)
Giacinto Scelsi (1905-1988) Toru Takemitsu (1930-1996) Sofía Gubaidulina (* 1931) Arvo parte (* 1935) Hans Michael Rummler (* 1946) Grabaciones de estreno mundial Tiempo total de juego: 81:15 andres skouraspiano |
Reseñas de prensa:
Noviembre 2017
Septiembre 2017
Enero 2017
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