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LO ENIGMÁTICO COMO CATEGORÍA FILOSÓFICO-ESTÉTICA Y PRINCIPAL MUELLE DE LA CREACIÓN ARTÍSTICA »Es el aspecto misterioso, lo enigmático y lo más profundo e insondable de la realidad lo que siempre me ha fascinado y, por lo tanto, la necesidad de sentir lo indecible, de querer dar lo lejano, el ou-topos presente, como una fuerza motriz, por así decirlo. habla, imaginación musical ilimitada.« El mundo, visto como una especie de gran enigma, en el que el hombre se esfuerza por penetrar cada vez más profundamente con los instrumentos de la ciencia y en el que, detrás de cada hallazgo, se abre todo un compendio de nuevas y fascinantes preguntas y enigmas, así es como la visión del mundo se puede resumir Describe a Michael Quells. Este se convierte inmediatamente en el hilo conductor de su obra artística, que se caracteriza fuertemente por la búsqueda de lo existencial. El pensamiento científico, en particular la visión específica del mundo de la física, juega un papel importante para el compositor. Para Quell, el momento visionario y utópico que impulsa su pensamiento y su trabajo radica en la urgencia de "ir más allá de lo que es concebible, accesible". Está en constante búsqueda de los instrumentos con los que pueda penetrar en estos nuevos mundos y darles forma meticulosamente, obsesionándose incluso con los detalles. Cualquiera que escuche la música de Quell acepta dejarse llevar a esos mundos desconocidos; que se abren espacios completamente nuevos: espacios de percepción, espacios sonoros, espacios estructurales, hiperespacios, espacios cósmicos. El compositor crea fascinantes mundos de sonido con una estructura de trabajo compleja e interactiva, en la que los principios estructurales se mantienen deliberadamente ocultos, pero cuyos resultados son claramente reconocibles en la superficie. De esta manera, el »mundo de la apariencia de las cosas« se configura de manera concreta y diferenciada. Cada obra toma sus propios giros inesperados y avanza hacia espacios nunca antes imaginados. En retrospectiva, las partes de la obra que se han escuchado encajan para formar un todo coherente que se revela como un cosmos múltiple. En la guarida interdependencias (1998) estos momentos se crean desde un punto de vista filosófico-estético y también entran en juego en el diseño musical, especialmente en la yuxtaposición de secciones nuevas y tonalmente extremadamente diversas. Quell cita al físico y filósofo Peter Eisenhardt: "La realidad es interacción, sólo existe en la medida en que tiene un efecto sobre un observador y sufre un efecto de este observador". Los mundos chocan con la instrumentación de la obra: guitarra y batería tienen uno cada uno. con su propio aura acumulada históricamente significativamente diferente. Al comienzo de la obra, los instrumentos parecen querer liberarse de connotaciones y lastre histórico. Los pasajes largos de la parte de guitarra son puramente percusivos. La guitarra se toca con un cuello de botella para crear estructuras de sonido microtonales en un espacio tonal estrecho. De esta forma, se acerca al sonido de los tambores, que además de instrumentos hechos de piel, metal y madera, también utiliza un tubo de cartón y crea sonidos de fricción con papel de lija. Entre partes microtonales y verdaderas orgías de percusión, sonidos instrumentales familiares aparecen una y otra vez. El final pertenece solo a la guitarra, que acaricia sus cuerdas más altas y más bajas con un arco de violín, dejando que la música se desvanezca gradualmente. Como toma la primera obra de Quell Dark Matter (2011) tiene su punto de partida en la astrofísica: se refiere a la hipótesis cosmológica de la materia oscura, que no es detectable ni observable, pero es indispensable para explicar la velocidad de rotación de las galaxias. (Una grabación de Dark Matter es como el de Cuerda II—Gravitón se encuentra en el CD »Michael Quell – Chamber Music Vol. 2« [NEOS 11904].) Como resultado, el compositor inició dos grupos de obras: Cordón y energeia aphanes. Las composiciones individuales, que pertenecen a uno de los dos ciclos de trabajo más grandes, son obras independientes que son independientes entre sí. Son comparables en su concepción, en sus respectivas características son muy individuales. »energeia aphanés« significa »energía oscura«. Es hipotético, su suposición es un intento (y actualmente el único) de explicar por qué el universo se expande a un ritmo creciente, una observación que contradice la atracción gravitatoria de la materia en el universo. Como símbolo para componer, la idea de principios que funcionan en segundo plano y no son perceptibles en primer plano alberga casi un “potencial estético aventurero” (Quell). energeia aphanes I (2013) se caracteriza por la idea del tiempo que fluye. Un impulso al comienzo del trabajo desencadena resonancias, que a su vez actúan como generadores de impulsos y, a su vez, forman superficies de resonancia. Campos de sonido multifónicos y fluctuantes en diferentes regiones e instrumentaciones diversas se alternan irregularmente. La creciente compresión en el medio de la pieza se rompe, provocando el movimiento de tres de los cuatro participantes hacia el espacio. Allí actúan con gafas y crean paisajes sonoros microtonales altos y brillantes. El roce de los tambores de marco crea superficies de sonido indefinidas y lejanas. Al final se retoma el registro alto y la música se desvanece vibrante. Después de haber atravesado la extensión del espacio, el tiempo parece disolverse con él (también en términos formales). energeia aphanes II (2018) yuxtapone principalmente ruido y tono: el movimiento, compuesto por clarinete contrabajo y acordeón al principio, es extremadamente denso, pero ubicado en el umbral de la perceptibilidad. Los lanzamientos solo se insinúan tarde y luego se afirman cada vez más en procesos de desarrollo de múltiples capas. La concentración de remolino que sigue se rompe repentinamente, permitiendo que las mezclas más finas de sonidos instrumentales se escuchen en el registro extremadamente alto y liberando nuevos desarrollos. Las superficies que fluctúan polifónicamente son absorbidas por el acordeón en el registro inferior, comparable a un proceso de adelgazamiento de la materia en el universo. A un nuevo proceso de reconstrucción le sigue el desmantelamiento del sonido, que literalmente se desvanece en el aire. energeia aphanés III—fisis (2019) se esfuerza hacia el exterior incluso más que las otras dos composiciones del grupo de obras, apunta a lo externo-físico, incluso a lo que está fuera de la música. La danza está potencialmente planificada para las actuaciones. La densidad expresiva del comienzo es sombría alrededor del tono. h almacenado alrededor. Se esfuerza por una explosión que deja fragmentos planos, microtonalmente atornillados. Estos se acumulan en una yuxtaposición y superposición de bloques instrumentalmente diferentes. Luego, los participantes, llevando consigo algunos pequeños bloques de construcción musicales, se mueven a diferentes posiciones en el borde de la sala. A partir de tonos de acordeón extremadamente altos, emerge un mundo de sonido que tiembla, vibra y cambia brillantemente, que se caracteriza cada vez más por las repeticiones. Las sangrías adecuadas en la oración conducen a su disolución en eventos individuales. El título del grupo de obras. Cordón se refiere a la teoría de cuerdas de la física cuántica. Al igual que la suposición de la energía oscura, es hipotética, pero hasta la fecha representa la única teoría que combina las cuatro fuerzas elementales y en la que todas las partículas elementales se remontan en última instancia a diferentes patrones de un tipo de vibración primaria, comparable a una diminuta ( unidimensional) hilo oscilante. El grupo de obras consta de cuatro obras individuales, cada una de las cuales está inspirada en diferentes aspectos de la teoría de cuerdas: cuerda yo pues oboe (2013) se refiere a las peculiaridades elementales, fundamentales de la teoría ya los hilos vibrantes unidimensionales; los trabajos restantes están dedicados a características específicas de la teoría de cuerdas: Cuerda II—Gravitón porque noneto lleva el nombre de una partícula de materia en el título que transmite la gravitación; el título del trío para violín, acordeón y piano, Cuerda III—Branas, designa los objetos bidimensionales a examinar, que son comparables a planos oscilantes, pero también pueden tener dimensiones significativamente mayores (la teoría de cuerdas calcula en o con un espacio de 11 dimensiones); la exelente composicion Cuerda IV – M alude a la teoría M, que amplía y generaliza la(s) teoría(s) de cuerdas: Según el físico Edward Witten, la letra M en sí misma es enigmática, representando membrana o matriz, mágica o misteriosa. Incluso en comparación con Berios Secuencia VII y composiciones solistas similares para oboe son los desafíos técnicos y físicos de cuerda yo francamente aventurero. Esto se debe a las dimensiones de la obra y, sobre todo, a que la textura se caracteriza por el denso entrelazamiento de multifónicos en movimiento con otros estilos de interpretación muy exigentes. La "música de hilo" se inicia con el sonido b2, que inicialmente fluctúa imperceptiblemente en color hasta que su movimiento interior empuja hacia el exterior para conquistar nuevos espacios tonales. En la composición se exploran varios caminos: se basan en microvarianzas, conducen a figuras multiformes, a la polifonía, movimientos periódicos y vibraciones internas y utilizan trémolos polifónicos, trinos dobles y trinos glissandi. El final retoma la idea original, de modo que la música del oboe va de la mano con el sonido. as3 puede balancearse. Cuerda III—Branas (2019) es música de cámara en interacción extremadamente densa. La fascinante diversidad del sonido del conjunto, que no rehuye los extremos, también se debe al uso de accesorios: además de los sonidos de campanas, púas, tapas de libros duros, vasos de chupito, madera recubierta de fieltro, nailon Las cuerdas y los E-Bows se utilizan en la parte del piano para crear sonidos sordos o duros, zumbantes y estáticos, así como también sonidos sinfónicos esféricos. La primera parte se pone en movimiento de manera compleja con cinco escalas rítmicas, después de lo cual la masa de sonido se comprime hasta que la estructura se rompe y por un momento solo el tono D1 restos. Sobre él se acumulan materiales y está rodeado de movimientos ondulatorios. A una sección intermedia sonoro-sinfónica le sigue el pasaje final, que recuerda a un campo de escombros, en el que los elementos fragmentados forman nuevas constelaciones. Con la reducción de lo multifacético y la dilatación del tiempo, se abre al final un horizonte amplísimo. En estos cinco trabajos posteriores, los mundos sonoros se diferencian aún más, se exploran más los bordes estructurales y tonales. La densidad de relaciones en el fondo es alta: los niveles micro y macro están diseñados de manera uniforme, de modo que la conexión se mantiene a pesar de la variedad de formas. Los procesos de compresión o adelgazamiento temporal y espacial caracterizan la imagen sonora. La disolución del flujo lineal del tiempo, la superación del tiempo y el espacio es un ideal con potencial inherente para la trascendencia. Inspirándose en la astrofísica, el compositor crea algo que apunta más allá de lo que de otro modo se percibe (tridimensionalmente) y nos lleva a los oyentes a espacios inimaginables. Mateo Schlothfeldt Programa: Michael Quelle (* 1960) [ 01 ] energeia aphanés III—fisis (2019) 11:25 [ 02 ] energeia aphanes II para clarinete contrabajo y acordeón (2018) 13:16 [ 03 ] interdependencias para guitarra y batería (1998) 08:44 [ 04 ] cuerda yo para oboe solo (2013) 12:02 [ 05 ] energeia aphanes I (2013) 08:47 [ 06 ] Cuerda III—Branas para violín, acordeón y piano (2019) 15:01 Tiempo total de juego: 69:42 el/amarillo/sonido benjamin fischer, oboe [04]
Reseñas de prensa:
Con su música, Michael Quell quiere mostrar que nuestro propio mundo sigue siendo complejo y, en última instancia, inexplicable detrás de todas las teorías y evidencias científicas. […] ¡Una vez más, el conjunto der/gelbe/klang muestra una alerta alegría de tocar que cautiva los sentidos!
La letra de un compositor es una buena manera de tratar de averiguar cómo trabaja y, afortunadamente, hay varios extractos de partituras incluidos en el folleto del álbum. Michael Quell escribe meticulosamente, casi caligráficamente. […] La interpretación del autógrafo es, por supuesto, una conjetura, pero la letra de Quell bien podría ser una prueba de la gran transparencia tonal de su música y su interés por los detalles. […] Los músicos de “der/gelbe/klang” pueden implementar el alto grado de fusión y fina asociación tonal de manera detallada y concentrada. […] El álbum complementa los dos anteriores con una música de cámara particularmente tranquila y atemporal y por eso es tan emocionante y profunda de Michael Quelle. jacob boettcher
[…] Las piezas de su “eneria aphanés” (2013/19) giran en torno a la hipótesis cosmológica de la “energía oscura” en diversas configuraciones. Quell crea texturas sonoras impresionantemente densas que cambian constantemente sus estados físicos, proporciones de densidad, colores y energías cinéticas. […] “String I” para oboe solo (2013) es probablemente una de las piezas más difíciles escritas para oboe. Benjamin Fischer se mueve brillantemente por terrenos casi injugables. El conjunto der/gelbe/klang también saca a la luz la notable riqueza de timbres y el potencial energético existencial de esta música instrumental microscópicamente modelada con gran sensibilidad. dirk wieschollek
beckmesser El nuevo CD de Michael Quell con composiciones de las series "energeia aphanés" y "String" (2013-2019) ya se ha presentado en el centro de eventos "Schwere Reiter" de Munich. Fue uno de los primeros conciertos en vivo en el Schwer Reiter después de una larga pausa por el coronavirus. Los intérpretes fueron el conjunto “der/gelbe/klang”, fundado en 2020, que también se puede escuchar en el CD. En una entrevista, el compositor explica el significado de los términos “energeia aphanés” (“energía oscura”) y “cuerda”, que provienen de la astrofísica y la teoría cuántica, y cómo traduce estos mundos abstractos de ideas en sonidos concretos. Max Nyffeler |
