Guillermo en blanco (* 1957)
Texto de información:
OBRAS DE WILLIAM BLANK
Está en la naturaleza de lo nuevo que más o menos elude las categorías establecidas. Sin embargo, son un buen punto de partida si quieres acercarte a algo nuevo. Por lo tanto, tiene sentido considerar las obras del compositor suizo William Blank, que se grabaron aquí por primera vez entre 2008 y 2019, desde una perspectiva de música de cámara. Aunque no existe una definición generalmente vinculante de música de cámara, se pueden identificar ciertas constantes que han estado vigentes desde el Renacimiento hasta nuestros días: intimidad, privacidad, viva interacción de instrumentos solistas, armonía concentrada, etc. Todo esto es tan universal que también se encuentra en alguna parte y se aplica a las cuatro obras de este CD. Pero, ¿cuáles son sus características especiales?
Si bien las formaciones de cuatro a ocho integrantes se conciben como conjuntos solistas, revelan la pretensión compositiva de superarse a sí mismo en términos sonoros. Esta música destila una generosidad casi orquestal. Las configuraciones instrumentales y espaciales también son demasiado poco convencionales para ubicarlas en la vecindad de la suprema disciplina de música de cámara del cuarteto de cuerdas, que también usó William Blank. En lugar de buscar la uniformidad tonal, el compositor siempre enfatiza la individualidad de los instrumentos individuales. Los egos en solitario pueden desplegarse por completo y, sin embargo, los amplios arcos permanecen intactos. La tensión expresiva de la música resulta de esta supuesta contradicción.
El enfoque compositivo es completamente diferente en cada obra, a pesar de los rasgos básicos recurrentes: En Estribillo II, Blank retoma una instrumentación completamente bouleziana, la reconfigura y se distancia del "modelo", sin dejar de ser fiel a su propia forma de escribir. (La mejor manera de rendir homenaje a un "predecesor" es hacerlo de manera diferente). En Flow, una pieza de quinteto, Blank explora el rico potencial de una figura de movimiento simple. Es muy probable que la intimidad de la música de cámara surja en la segunda parte de OPHRYS. El sonido de la flauta, revela el compositor, le recuerda a una orquídea que se abre, que, a pesar de su delicada estructura, caracteriza la sala con su fuerte presencia e intensidad visual. (a)round debe su disposición al espacio del techo circular de una torre de silos a orillas del Rin en Basilea, en el que tuvo lugar el estreno.
Hace tiempo que la música de cámara dejó de estar destinada únicamente a la sala de estar burguesa, y la música de cámara se ha convertido en el género experimental definitivo de la música clásica contemporánea. Ella es, se puede afirmar con razón, el centro de la biografía de William Blank, quien comenzó su carrera como percusionista y, además de su trabajo orquestal, tocó en varias formaciones originales. En cierto modo, la música de cámara está en el centro de sus décadas de enseñanza en la Academia de Música de Lausana. Y cuando hace una contribución compositiva a este género, es principalmente para amigos músicos de toda la vida. Para él, la música de cámara no solo tiene una dimensión estética, sino que también testimonia una reivindicación ética. Es el esfuerzo constante por dar forma a la interacción humana.
Juan Knapp
Flujo
para oboe, trompeta, arpa, violín y violonchelo (2008)
Dedicado a Jan Vogler
Encargado por el Festival de Moritzburg, apoyado por el Festival de Música de Dresde
La obra debe su título al hecho de que los numerosos episodios musicales se suceden sin interrupción y se articulan con fluidez y fluidez. Las cinco voces extremadamente independientes se tratan con extrema flexibilidad; 'fluyen' en lugar de chocar, como líneas que se juntan y divergen antes de culminar en una rica polifonía en la parte final de la obra. La idea formal que subyace en la composición es más la de una metamorfosis continua -en cuanto a texturas, timbres y densidad expresiva- que la de un discurso concertante. Algunas voces, sin embargo, se destacan más que otras o se presentan como cadencias con breves solos que sirven de transición entre secciones.
OFRIAS
para flauta y pequeño conjunto (2019)
Dedicado a Boris Previšić
Encargo de los solistas de pre-arte, con el apoyo de la Fondation SUISA
OPHRYS está diseñado como un pequeño concierto y consta de dos movimientos que se fusionan entre sí. Mientras que el primero, de carácter más bien violento, está destinado a la flauta contralto, técnicamente llevada a sus límites extremos, el segundo, de carácter alternativamente soñador y sombrío, está dedicado al flautín ya la flauta normal. Dentro del conjunto, el saxofón, el acordeón y el contrabajo se tratan juntos como una especie de ripieno, mientras que la flauta solista entra en un diálogo con el oboe o el violonchelo que podría describirse como un concertino. Esta estructura evoca en ocasiones el principio barroco de la dialéctica del concerto grosso. Sin embargo, los contrastes no son muy pronunciados y la frontera entre el instrumento solista y el conjunto sigue siendo permeable. "Ophrys" es el término general para varias especies de orquídeas silvestres.
Estribillo II
para arpa amplificada, piano y dos percusionistas (2015)
Homenaje a Pierre Boulez
Encargado por el Collegium Novum Zurich, apoyado por la fundación cultural suiza Pro Helvetia
En esta pieza hago referencia a sur Incises de Pierre Boulez, una obra gigantesca para nueve instrumentistas (tres pianos, tres arpas y tres partes de percusión). La definición sonora de esta combinación instrumental única parece estar fijada de una vez por todas por la escritura genial de Boulez, en particular por la forma en que trata el fenómeno de las resonancias, así como por el virtuosismo fenomenal y casi insuperable, que se debe sobre todo a a los timbres estructurados con precisión proyectan una energía enorme y uniforme. Una mirada más atenta revela que el punto de vista de Boulez está dominado por una jerarquía que sitúa a los tres pianos como protagonistas principales, seguidos de los instrumentos de percusión, que actúan como eslabones, y por último de las arpas, cuyo papel es el de enriquecer el timbres y, a través de su función vertical de ejecución de acordes, hacer más vivas las texturas y enriquecerlas sorprendentemente una y otra vez.
En mi composición, elegí la inversión exacta de esta jerarquía y coloqué el arpa en el medio del conjunto. El piano actúa como nexo y los instrumentos de percusión como amplificadores naturales de las complejas armonías que surgen de sus resonancias combinadas. Al igual que sur Incises, que se basa en elementos de Incises para piano, Refrain II toma material de mi pieza Refrain para arpa, pero lo condensa y lo pasa a través del filtro de percusión, que en consecuencia se trata como un "resonador distorsionador". Al material tonal atemperado de piano, arpa, vibráfono y marimba añado numerosos sonidos más o menos alejados de un tono claro y de amplio espectro acústico: ocho temple blocks japoneses, dos gongs bajos de Bali, un gong tailandés, dos octavas de crotales, un juego de campanas, tres cencerros bajos, una campana de plato y un tam-tam.
La idea de "estribillo" debe entenderse aquí en un sentido más amplio, un poco a la manera de un ritual en el que los elementos motívicos solo son reconocibles en los gestos instrumentales recurrentes que interactúan constantemente entre los cuatro instrumentos. Finalmente, la nota Si bemol (como "boulez") juega un papel importante en la obra.
(alrededor
para saxofón alto y 7 instrumentos (2017)
»Música en la Torre Silo«
Encargado por el Collegium Novum Zurich, apoyado por la Fondation Nicati-de Luze
Escribir sonidos e imaginarlos en el espacio a veces significa tratar con un lugar que en realidad no es una sala de conciertos en absoluto: un lugar mal utilizado que, de otro modo, se usa para otros fines y, por lo tanto, ofrece a la imaginación espacios acústicos y condiciones espaciales que aún están intactas. La obra, originalmente compuesta para un lugar tan especial -la torre circular del silo de Basilea- se basa, por tanto, en una disposición en dos círculos concéntricos: el público se dispone en torno al primer círculo, que está formado por seis instrumentos de viento y el contrabajo y en medio de la cual se encuentra el saxofón. El saxofón cambia de dirección a lo largo de las cinco secciones de la pieza, dialogando continuamente con algunos de los otros instrumentos del conjunto: Tranquilo (con la flauta), Moderado (con la trompeta), Inmóvil (con la trompa), Vivo (con el clarinete) y Moderado/Vivo/Tranquilo (con todos los instrumentos y finalmente, más escondido, con el oboe).
Dependiendo de dónde te sientes, puedes interactuar con los sonidos de diferentes maneras; esto en un balance tonal en constante cambio, que se caracteriza por las posibilidades dinámicas y tonales del saxofón y por las polifonías que ocurren con frecuencia y que llenan el espacio acústico de manera concisa y penetrante.
Guillermo en blanco
Traducción del francés: Matthias Arter
Programa:
[01] Flow (2008) para oboe, trompeta, arpa, violín y violonchelo 22:30
[02] OPHRYS (2019) para flauta y pequeño conjunto 16:15
Boris Previšić, flauta solista
[03] Estribillo II (2015) para arpa amplificada, piano y dos percusionistas 19:19
[04] (a)round (2017) para saxofón alto y 7 instrumentos 16:12
Sascha Armbruster, saxofón solo
Tiempo total de juego: 74:16
Collegium Novum Zúrich [01, 03, 04]
Susanne Peters, flauta
Matthias Arter, oboe
Ernesto Molinari, clarinete
Sascha Armbruster, saxofón
Olivier Darbellay, Trompa
Jens Bracher, trompeta
Stephen Menotti, trombón
Manon Pierrehumbert, arpa
Gilles Grimaître, piano
Brian Archinal y Julien Mégroz, batería
Rachel Cunz, violín
Martina Schucan, violonchelo
Aleksander Gabrys, contrabajo
solistas antes del arte [02]
Boris Previšić, flauta
Matthias Arter, oboe
Sascha Armbruster, saxofón
Vladimir Blagojević, acordeón
Karolina Ohman, violonchelo
Aleksander Gabrys, contrabajo
Director William Blank
primeras grabaciones