York Höller: Tema - Horizonte - Mito - Penínsulas Negras

La música como discurso sonoro
Un retrato del poeta en la música: York Höller

El gran avance de York Höller se produjo en 1967 con el estreno de Topic por la orquesta de la Academia de Música de Colonia en la gran sala de radiodifusión de la WDR en Colonia. Un representante de la editorial Schott contrató al joven compositor y, a instancias del editor musical Otto Tomek, la WDR Symphony Orchestra, dirigida por Michael Gielen, interpretó la versión revisada de la pieza en 1970 en el Varsovia Otoño, el Darmstadt. Cursos de verano y de nuevo en Colonia. A través de estas actuaciones posteriores, Höller encontró importantes intérpretes en Pierre Boulez, Daniel Barenboim y Hans Zender. Además, fue invitado por Karlheinz Stockhausen, director del estudio de música electrónica de WDR, para realizar su primera y única composición pura en cinta, Horizon.

Topic (1967) es la primera de muchas otras obras orquestales de Höller y todavía está bajo la influencia de sus estudios con Bernd Alois Zimmermann y el impresionante estreno de su obra principal The Soldiers en la Ópera de Colonia en 1965. Las nueve secciones son de carácter diferente, la dinámica, el tempo y la instrumentación en parte son extremadamente diferentes y forman una unidad superior precisamente en su contraste. El talento soberano del entonces joven de 23 años para manejar el gran aparato sinfónico y crear arcos dramáticos de tensión es inconfundible. Zimmermann recuerda a fanfarrias, ataques a las trompetas y cierta apertura estilística con ecos ocasionales de música barroca y jazzística. Al mismo tiempo, a pesar de todo el salvajismo rebelde, que a veces llega a niveles catastróficos, es una música muy bien planificada. El título en inglés de la obra significa algo así como tema u objeto de discusión y enfatiza las ideas centrales que determinan toda la obra de Höller: construcción clara, discurso expresivo, contenido poético y la idea de la música como discurso sonoro. En lugar de rechazar unilateralmente la vanguardia serial de posguerra como otros compositores de su generación, Höller encontró una combinación individual de pensamiento estructural con invención espontánea e "impresión auditiva efectiva" teniendo en cuenta los hallazgos psicológicos de la percepción. Siempre se inspiró en impresiones no musicales, en ideas espaciales, pictóricas, literarias, filosóficas o científicas que abren amplios espacios de asociación y experiencia para el oyente.

Desde muy temprano, Höller se orientó hacia el ideal de la música como un organismo vivo, todos cuyos componentes están contenidos en cada célula así como en la estructura del todo, como en un código genético. Del mismo modo, en su composición de cinta de 4 canales Horizon (1971/72) quería crear un despliegue estilísticamente uniforme, como un proceso y, sobre todo, "un mundo sonoro propio y muy personal" sin un plan formal prefabricado y utilizando relativamente limitado , material generado y transformado puramente electrónicamente. Con la intersección de lo finito y lo infinito, el título de la obra describe la combinación pretendida de construcción matemática con expresión musical y la forma de la pieza como un "círculo imaginario que representa la clausura y la apertura al mismo tiempo". El subtítulo Música electrónica en forma de ensayo sobre los sentimientos logarítmicos, por otro lado, alude al »Ensayo sobre los sentimientos« que el personaje principal Ulrich pretende escribir en la novela de Robert Musil El hombre sin cualidades. También menciona el hecho psicofísico de que la capacidad de los órganos sensoriales humanos para diferenciar funciona de acuerdo con gradaciones logarítmicas, que también determinan la sincronización de la pieza.

A fines de la década de 1970, Höller se ocupó de los dramas musicales de Wagner, así como de los escritos psicoanalíticos de Carl Gustav Jung y la Dialéctica de la Ilustración escrita conjuntamente por Max Horkheimer y Theodor W. Adorno. Esta exploración le dio la idea de que la música tiene poderes miméticos y puede ayudar a expresar la naturaleza del tema. En la obra de conjunto Mythos (1979/80, rev. 1995) no apuntó a una tradición mitológica específica, sino al significado original del término en general como discurso o historia. De hecho, Höller llama a su pieza "poema sonoro", lo que describe bien el doble carácter de su música: por un lado, es una estructura construida racionalmente con una gran riqueza sonora y expresión directa, espontánea, impulsiva; por otro lado, es música que ha sido conformada lingüísticamente en forma micro y macro, métrica, versos y estrofas. Mythos se convirtió en innovador para Höller en la medida en que creó "experiencias arquetípicas" y "experiencias primarias" aquí por primera vez utilizando gestos de lenguaje musical perfilados, personajes de diseño sinfónico y topoi instrumentales, que, sin embargo, solo se encuentran aquí en una forma muy estilizada. : "La obra se basa en parte en imágenes poéticas familiares y personajes expresivos, como Ej.: Del viento, el agua y la ninfa Siringe, llamada de bocina y eco, gestos amenazantes, culminando en una especie de Marche Funèbre, nocturno plateado, dionisíaco round dance, night black himno, etc.« Höller utilizó un continuo entre instrumental y electrónica grabada ones Sonidos que en parte contrastan, en parte se fusionan sin problemas o se fusionan imperceptiblemente entre sí. La célula germinal constructiva de las estructuras armónicas, rítmicas y formales es una forma sonora en la que Höller se ha basado en casi todas sus composiciones desde su cuarteto de cuerda Antiphon (1976). En este caso, es una melodía de 34 notas, que comienza y termina en la misma nota mi bemol y pasa por las 17 notas cromáticas en dos mitades de XNUMX notas con frases diferentes. El resultado son complejos de acordes densos y cromáticamente coloreados más allá de las estructuras o agrupaciones tonales.

En Black Peninsula (1982), Höller dibuja un gran cuadro de paisajes sonoros oceánico-atmosféricos con tonos oscuros de color. Se orienta en las estructuras rítmicas del lenguaje, los gestos expresivos y las imágenes poéticas del poema Die Nacht (1911) del poeta expresionista Georg Heym. Sobre un punto de pedal en forma de racimo de electrónica y cuerdas bajas se encuentra el poema, susurrado por la voz de una mujer y modificado hasta el punto de ser incomprensible, completo con coros femeninos fantasmales y sonidos de campanas irreales como si fueran islas distantes. El material lingüístico del texto se musicaliza constantemente en un "poema sonoro" y solo se vuelve comprensible hacia el final. En una carta a Höller, Karlheinz Stockhausen, el dedicado de la obra, quedó impresionado por la "rica combinación de colores" y la "amplia cronología".

Rainer Nonnenmann