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POULENC-MCPHEE-ADAMS Gamelan, minimal, parodie Tout comme Gregor Piatigorski l'a décrit dans son audacieuse autobiographie "Mon violoncelle et moi", il figure également dans l'histoire de la musique : en tant que mondain dandy, en tant que coquin du célèbre "Groupe des Six", en tant qu'auteur de bagatelles amusantes, qui apparaît aussi dans ses œuvres symphoniques habillées qu'il s'est davantage intéressé à Maurice Chevalier et Edith Piaf qu'à la dialectique des mouvements sonates. Plus tard, il n'a pas détesté entendre les mots d'un journaliste musical français qu'il était "mi-gamin" et "mi-moine", mi-voyou, mi-moine, ce qui était certainement vrai de la seconde moitié de sa carrière après son retour à le sein de l'Église Mère. La raison en était la mort accidentelle d'un ami et la peur de plus en plus pathologique de la vie et de la mort de Poulenc, qu'il a abordée en détail dans son opéra tardif Dialogue des carmélites. Le Double Concerto en ré mineur de 1932 n'est pas dérangé par un tel assombrissement des idéaux de gaieté propagés par les mécènes de la »Six«, Erik Satie et Jean Cocteau Profile fut respectueusement moqué de "Tante Dante". Née Winnaretta Singer près de New York, l'aristocrate était la fille et l'héritière de l'inventeur de la machine à coudre, Isaac Singer, et a sagement investi ses millions dans l'art, principalement la musique. Avec le Concerto en ré mineur qui lui est dédié (et créé dans son palais vénitien), Poulenc lance un syncrétisme stylistique qui sévit même selon ses standards – on y rencontre des réminiscences de Mozart et du music-hall, de Stravinsky et du paso doble espagnol, des anecdotes ironiques et néo- ornements baroques. Surtout, Poulenc était fier des influences que son souvenir de l'exposition coloniale de Paris de l'année précédente avait dictées à sa plume : la musique gamelan des orchestres balinais, telle qu'elle résonne le plus clairement dans la coda ravie du premier mouvement. Ses caractéristiques les plus importantes – des figures de répétition autour d'un ré mineur dissonant en alternance avec les tons Mib et Sib – se retrouvent aussi au début de ce premier mouvement et à la fin du dernier mouvement. Les compositeurs français entre Debussy et Messiaen étaient fascinés par la technique sonore et compositionnelle du gamelan avec ses métallophones, gongs, xylophones et tambours, adaptaient ou imitaient les instruments et écoutaient les systèmes microtonaux tempérés. Du fait des expositions mondiales et coloniales importées en France, ils ont pu rester dans le pays afin de laisser opérer sur eux la magie sonore de ces ensembles. D'autres musiciens occidentaux ont appris le gamelan "sur place". Le doyen de ces exotiques était le musicien, peintre et bohème allemand Walter Spies, qui a apporté une contribution significative au mythe de «l'île heureuse» de Bali et est une légende en Indonésie, mais est à peine connu dans son pays d'origine. Il aimait être l'hôte de sa retraite insulaire pittoresque, où il a reçu la visite de Charlie Chaplin, Barbara Hutton et Vicki Baum - ou de compositeurs comme le Canadien Colin McPhee, qui a passé de nombreuses années dans la région de Spies dans les années XNUMX et a joué du gamelan à quatre mains. transcriptions avec lui. (Plus tard, McPhee a présenté Benjamin Britten à la musique du pays, qui a utilisé le schéma de couleurs balinais avec des connotations homoérotiques jusqu'à son dernier opéra Death in Venice.) McPhee a donné son adaptation de gamelan symphonique Tabuh-Tabuhan de 1936. "Tabuh" est le terme indonésien désignant le marteau utilisé pour frapper les instruments, et le sous-titre de la pièce fait référence à son caractère percussif ainsi qu'au fait que les pianos doivent être considérés comme des instruments d'orchestre de premier plan et ici encore - avec le célesta, le xylophone, le marimba, le glockenspiel et la harpe - dans le cadre du concertino "balinais". Les mouvements extérieurs sont caractérisés par des "motifs" superposés et imbriqués les uns dans les autres de manière de plus en plus complexe, les motifs ostinato (comme la gamme pentatonique tournante des instruments à vent sur le rythme du piano de 2+3+ 3 doubles croches dès le début), où il devient également immédiatement clair quelles "intersections" interculturelles considérables du gamelan, du folklore latino-américain et du jazz peuvent être trouvées ici. Le mouvement du milieu est basé sur la transcription d'une mélodie originale de flûte de bambou. Lorsque, dans les années XNUMX, les compositeurs américains font leurs adieux aux exercices cérébraux historico-philosophiques de l'avant-garde européenne et proclament le culte d'une nouvelle simplicité, ils le font aussi en référence aux rituels de percussions africaines, au gamelan indonésien, au pop art et à la pop musique. Ils ont appelé le résultat "musique minimale", dont la caractéristique la plus importante, comme le gamelan, sont des "motifs" répétitifs sur une impulsion constante ("rythme régulier"), qui se transforment en d'autres états musicaux agrégés en augmentant et initialement presque imperceptibles. deviennent des perturbations, des irrégularités et des déphasages. Avec la réintronisation emphatique des tonalités majeures et mineures, ces processus produisent souvent – et en aucun cas involontairement – des effets psychédéliques. Grand Pianola Music de John Adams de 1982 illustre ces qualités minimalistes dans un son singulier : l'ensemble instrumental - composé des deux pianos à queue, quinze instruments à vent et trois percussionnistes - est rejoint par trois voix féminines chantant des vocalises. La formule avec laquelle Adams met la pièce en mouvement est un staccato de mi bémol - fa - la bémol - si bémol (selon l'ouverture des vents du concerto de McPhee - ou I Got Rhythm de Gershwin), un son qui devient progressivement plus vivant, se déploie, entrecoupé de notes soutenues, trébuche rythmiquement puis entre dans une agitation symphonique considérable. La fin du quart d'impulsion signale le début du mouvement lent, qui est annexé à la »Partie I« sans interruption. »Part II« traite – comme le titre le suggère – d'une unilatéralité monomaniaque (et hautement virtuose) avec les formules de cadence élémentaires I–V–I et se transforme très vite en un hymne en mi bémol majeur d'une splendeur décomplexée. Adams a donné un récit particulièrement vivant de l'inspiration derrière son Grand Pianola Music : Il rêvait que deux limousines allongées noires l'approchaient par derrière alors qu'il conduisait sur l'Interstate Highway 5, qui s'est transformée en le plus long Steinway du monde lors d'un dépassement, puis aurait tiré des salves. d'arpèges si bémol et mi bémol à 90 miles ph. Il y avait aussi l'idée qu'il parcoure les couloirs du Conservatoire de San Francisco au son de vingt pianos ou plus, "jouant Chopin, le Concerto de l'Empereur, Hanon, Rachmaninoff, le Maple Leaf Rag, et bien plus encore". Rainer Peters |
Programme:
Concertos III François Poulenc (1899-1963) Colin McPhee (1900-1964) John Adams (* 1947) Temps de jeu total : 71:02 GrauSchumacher Piano Duo |
presse:
09/2017
(…) Ce magnifique disque propose trois œuvres qui doivent directement ou indirectement quelque chose au gamelan balinais. Le Double Concerto en ré mineur de Poulenc (1932) déborde d'esprit et de feu, faisant référence à tout, de Mozart à l'espagnol deux étapes aux côtés d'une évocation scintillante du gamelan balinais, entendu par Poulenc à l'exposition coloniale de Paris de 1931. Le GrauSchumacher Piano Duo se produit avec beaucoup d'esprit et de charisme aux côtés du Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, ici sous une forme étincelante.(…)
Kate Wakeling
29.05.2017
«Le GrauSchumacher Piano Duo joue tout avec précision, de manière concise, atmosphérique et très présente», écrit Eckhard Weber. Lire la critique complète ici!
juin 2017
Un CD qui couvre un large arc de plus de 50 ans d'histoire de la musique. Car qu'est-ce qui a le pétillant d'esprit double-concert de Poulenc avec un multi-mouvement Toccata le célèbre Canadien Colin McPhee ou le Musique pour piano à queue par John Adams à faire? Plus que vous ne le pensez, car les trois œuvres s'approprient chacune des influences de la musique gamelan balinaise - une consonance qui étonne et fait réfléchir sur les distances temporelles, spatiales et stylistiques. Une fois de plus, le duo de pianos GrauSchumacher, avec son instinct subtil pour les concepts évidents, s'est penché sur les profondeurs infinies du répertoire. Le son est un peu sec, mais convient parfaitement aux partitions.
Michel Kubé
Juin 2017
Pour la troisième installation de leur série « Concerti », le GrauSchumacher Piano Duo réunit trois œuvres, les deux premières écrites en étroite proximité. Le Concerto en ré mineur (1932) de Poulenc est typique de la musique antérieure de son compositeur dans la mesure où il utilise des idiomes classiques et populaires, de sorte que leur alternance abrupte devient sa propre justification. Ce récit met l'accent sur le cadre néoclassique léger qui met l'accent sur les fréquents rebondissements, et si le pathos mozartien du Larghetto est sous-estimé, le motif gamelan à la fin de son prédécesseur semble indéniablement hypnotique.
Le gamelan balinais était au cœur de Colin McPhee lorsqu'il composa Tabuh-Tabllhan (1936). Cette toccata pour une « collection d'instruments à percussion » combine des textures et des harmonies indigènes avec une incisivité strvinskienne et une liberté rythmique jazzy mise en avant dans les mouvements extérieurs propulsifs. C’est ici que ce duo est entendu à son meilleur, tout en passant à côté d’une partie du mystère qui peut rendre le Nocturne central si envoûtant.
Des qualités interprétatives similaires se retrouvent dans Grand Pianola Music (1982), l'une des pièces qui ont assuré la réputation de John Adams et dont l'abandon de son esthétique minimaliste avec des éléments tirés de la pop et du gospel - sans parler de la figuration audible beethovenienne - s'est avéré influent et populaire. Persuasif dans ces longues durées cumulatives de la première partie, GrauSchumacher se sent un peu inerte dans l'éloquence limpide de son postlude ou l'immédiateté charismatique de ce qui vient ensuite. Pourtant, la conception ingénieuse de cette collection est indéniable, et ceux qui souhaitent entendre ces œuvres en dehors de leur contexte habituel d'enregistrement n'ont pas à hésiter.
Richard Maison Blanche