Detlef Heusinger : Le rêve de Lulu

Detlef Heusinger · Le rêve de Lulu

De la guitare électrique à l'électronique live (et inversement)

Trois œuvres de Detlef Heusinger sont compilées sur ce CD, dans lequel la guitare électrique joue un rôle central. Quiconque soupçonne un engagement biographique derrière n'a pas tort. Mais cela ne veut pas dire grand-chose en soi, car quel enfant qui grandit dans les années 1970 n'était pas fasciné par Jimi Hendrix ? Des sons psychédéliques de la Stratocaster, des distorsions causées par les dispositifs d'effets et les amplificateurs saturés, les nombreuses nouvelles techniques de jeu, les improvisations débordantes et entraînantes ? Heusinger s'était déjà formé à la guitare classique avant de passer à la guitare électrique à l'âge de 14 ans et, inspiré par des groupes tels que Led Zeppelin ou Pink Floyd, a expérimenté ses propres performances scéniques avec cet instrument dans diverses formations. Mais étudier avec Henze ou Nono et le canon avant-gardiste de l'interdit laissent en réalité peu de place à la guitare électrique. Les activités de compositeur, de chef d'orchestre et plus tard de chef du studio expérimental SWR ne permettent pas non plus d'autres obsessions.

A commencer par le concert de guitare 2e anniversaire de Zabriskie Point (2005), cependant, Heusinger est revenu à son ancien amour. Cependant, avec une perspective complètement différente : la guitare électrique est placée dans le contexte historique de la musique électronique et donc réinventée comme un instrument, pour ainsi dire. En tant qu'instrument solo, elle évoque une version moderne de la presque intemporelle Lulu, dans le concert solo, elle agit dans un genre qui semble depuis longtemps dépassé, dans la distribution de musique de chambre, elle est une médiatrice de toute l'histoire de la musique électronique depuis le theremin À nos jours. Et une pointe de nostalgie est heureusement de nouveau permise dans la musique contemporaine.

4 carrefour

La musique est un "art de la transition bien au-delà de la compréhension wagnérienne", écrit le philosophe de la musique Christian Grüny. L'électronique (vivante) moderne pourrait être utilisée comme preuve pour cette thèse. Car si Richard Wagner a développé l'art de la transition dans la mélodie et l'harmonie, il peut aujourd'hui être mis en relation avec le son lui-même. Les sons musicaux peuvent être vus au microscope, analysés, décomposés en tous les composants acoustiques et réassemblés à partir d'eux. Le 4 carrefour mettre un tel Morphing au cœur de l'action : Il s'agit de la transformation et de la transition des sons jusqu'à la fusion complète des instruments traditionnels et électroniques. Où, par exemple, le violoncelle joué en harmoniques ou la guitare électrique interprétée avec l'archet électronique se fondent dans le thérémine peuvent difficilement être déterminés à l'écoute. Les instruments à percussion tels que le waterphone ou le flexatone avec leurs résonances durables, parfois inharmonieuses, soutiennent les processus de fusion tonale. La guitare électrique comme trait d'union entre le monde instrumental et électronique reste la plus facilement identifiable sans se mettre en avant.

Ils sont formels 4 carrefour déséquilibré : le premier mouvement est clairement le plus long, dans lequel deux sections en transe avec des glissandi au violoncelle, des flexions à la guitare et des accords d'orgue au synthétiseur encadrent une section médiane mouvante dominée par des mouvements rapides du clavier. Le deuxième mouvement se concentre entièrement sur les sons mystiques du thérémine ; le très court troisième mouvement laisse déambuler des figures mouvantes parmi les instruments : du glockenspiel à la guitare et, exceptionnellement, normalement, c'est-à-dire arco joué du violoncelle.

L'intermède qui suit consiste en des sons synthétisés de l'orgue Hammond et du Novachord joués par le compositeur - un hommage aux jours pionniers de la musique électronique dans les années 1940 et un hommage à l'inventeur des deux instruments, Laurens Hammond !

La matière de l'intermède se retrouve également dans le dernier mouvement qui, après une introduction dont les couleurs dérangeantes pourraient provenir de David Lynch, débouche sur un final rythmé : sur une pulsation toujours rapide, guitare électrique, violoncelle et thérémine se développent de façon séduisante. lignes mélodiques mélancoliques.

L'électronique en direct contrôle le son via huit haut-parleurs placés en cercle autour du public, utilise des effets inverses, modifie la hauteur ainsi que l'amplitude et la vitesse du vibrato à des micro-intervalles et règle divers filtres. Grâce à la convolution (pliage), la guitare est dotée de la résonance naturelle du piano au cas par cas.

J'ai noté la 4 carrefour promenons-nous dans un musée de la génération sonore électronique, dont les expositions, chargées de souvenirs sentimentaux, sont toutes revivifiées par la guitare le temps de notre visite.

Le rêve de Lulu

En janvier 2019, la première de la nouvelle version de Detlef Heusinger du 3e acte du Lulu tenue par Alban Berg. Elle amène entre autres le thérémine et la guitare électrique sur scène et soutient une modernisation de l'œuvre aussi soignée que chatoyante et animée d'effets électroniques. Comme s'il s'agissait d'un condensat Le rêve de Lulu pour guitare électrique, qui reprend des motifs de l'opéra, les condense et les illumine à nouveau. Qui avec l'opéra ou le Suite Lulu familier reconnaîtra certaines choses : la combinaison typique de Berg de quartes avec des pas chromatiques (que le monde de la Tristan évoqué), la musique de cirque (dont le retour dans le finale de l'opéra a une fonction de formation de symétrie) - et comme point culminant lyrique, la mélodie pour luth de Wedekind du premier intermezzo du troisième acte. Le « Lulu reloaded », comme Heusinger appelle sa version opéra, s'enrichit ici de nouvelles harmonies. Berg a ouvert la voie du luth de Wedekind à la guitare électrique de Heusinger avec ses harmonies jazzy.

2e anniversaire de Zabriskie Point

Dans sa célèbre lettre ("Cher Antonioni") en 1980, Roland Barthes décrit les films de Michelangelo Antonioni comme "l'art des lacunes", dans lequel la vérité apparente n'est pas reflétée, mais plutôt le sens subtil sous la surface est exploré. Ces mots pourraient également décrire la tâche que Detlef Heusinger s'est fixée avec le concert de guitare électrique. Comme dans Antonionis Sauter l'agrandissement d'une photographie révèle des détails auparavant invisibles, dans cette musique les matériaux et les détails sont révélés par leur agrandissement (par exemple au moyen de étirement du temps) rendus audibles qui restent normalement sous la surface.

À propos du film mythique de Michelangelo Antonioni Zabriskie Point (1970) dit Heusinger qu'il est toujours pertinent en raison de sa critique sociale. En particulier, la célèbre scène d'explosion, dans laquelle l'imagination du protagoniste principal laisse la villa sur la falaise avec toutes ses expositions de la société de consommation américaine voler dans les airs au ralenti - dans l'original accompagné de la musique de Pink Floyd - inspiré le compositeur d'utiliser le titre de l'Œuvre pour renvoyer à Antonioni. La technique cinématographique se concrétise dans l'intermède qui (comme dans le 4 carrefour inséré avant le dernier mouvement) étire les sons de l'orgue Hammond et du Novachord à l'aide d'un vocodeur de phase et de filtres de manière à créer un ralenti musical. Elle examine au microscope les détails des sons, révélant des harmonies intérieures qui seraient autrement imperceptibles. Dans le même temps, la gamme développée par Roger N. Shepard est composée, dans laquelle l'illusion d'un son qui monte à l'infini est créée. Analogue à Maurits C. Eschers en haut en bas et comme dans la scène cinématographique d'Antonioni, le mouvement semble pris dans une boucle temporelle infinie...

Un genre prétendument anachronique est ici servi avec le concerto solo, et le choix de l'instrument soliste donne au commentaire sur l'air du temps musical une touche d'ironie à deux égards. Mais le concerto pour guitare électrique est aussi un plaidoyer pour un instrument polyvalent qui s'harmonise étonnamment bien avec l'orchestre. Comme une sorte de studio expérimental au format miniature, seul le Vox Tone Lab est utilisé ici, un classique parmi les dispositifs d'effets pour la musique de guitare. Les effets d'inversion, de phase et de rétroaction créent un son distinctif qui fait référence aux années 1970 sans être éclectique et tourné vers l'avenir.

Stéphane Iéna