UNIVERS TOUCHANT LE BOIS ERES
MACH – est le nom d'un cycle de pièces pour instruments solistes qu'Eres Holz a commencé en 2011 avec un solo de trompette virtuose et qui compte aujourd'hui neuf pièces ; depuis la pièce pour clarinette de 2016, de l'électronique en direct a été ajoutée. FAIRE! – en tant que demande ; MACH – aussi comme un petit hommage au physicien Ernst Mach. L'unité de mesure qui porte son nom est encore utilisée aujourd'hui pour indiquer la vitesse des avions supersoniques - une petite indication de la difficulté des pièces. MACH – comme il est dit dans la partition de la pièce pour orgue – est « une sorte d'invitation à faire quelque chose qui n'est pas anodin ».
Toutes les pièces du cycle s'appuient sur un répertoire de techniques virtuoses et de figures expressives spécifiques à l'instrument respectif, qui se sont développées au cours de l'histoire de la musique : pour la harpe, par exemple, il y a des basses profondes comme des cloches et des les arpèges, pour le violoncelle les doubles jeux signalant la plus grande intensité, avec l'accordéon un style de jeu à voix pleine qui prend le son de l'orgue comme mesure. L'électronique amplifie initialement le son - par exemple par des effets de réverbération et des décolorations discrètes - mais transforme ensuite de plus en plus la production sonore : vous pouvez toujours entendre les caractéristiques typiques de la parole sonore instrumentale, mais maintenant augmentées à l'extase - les instruments parlent dans des langues étrangères , pour ainsi dire. L'individu, emprisonné en lui-même, cherche à sortir de lui-même, à communiquer avec le monde par tous les moyens disponibles : comme le dit le compositeur, il s'agit « de communiquer, de rechercher l'empathie », de « vaincre la solitude », de sortir en "criant" si nécessaire.
Certes, ces pièces traitent de la "solitude de la vie" en tant que condition humaine : la connaissance, comme l'a dit Arthur Schnitzler, "que deux personnes doivent toujours, toujours rester étrangères l'une à l'autre, qu'on ne peut jamais vraiment se regarder , que vous ne pouvez jamais vraiment voir les uns les autres comprend vraiment.« Mais ce n'est certainement pas un hasard si cinq de ces pièces ont été créées pendant la pandémie corona 2020/21 avec ses restrictions de contact. La solitude est soudainement devenue une expérience quotidienne et un sujet de débat, et ces pièces ont donc aussi une qualité qui diagnostique les temps. L'homme, même isolé - qu'il soit imposé ou choisi par lui-même - reste un « animal social » par rapport à une contrepartie. En ce sens, la phrase du philosophe Byung-Chul Han, qu'Eres Holz reprend du morceau de harpe du MACH- Cycle ajouté : » La résonance n'est pas un écho de soi. Vous habitez la dimension de l'autre. Cela signifie harmonie.«
Au sein de la MACHcycle, la pièce d'orgue a un statut particulier. Il a été créé en 2016 en tant qu'œuvre commandée par Deutschlandfunk pour l'"orgue pour la nouvelle musique" de la Kunst-Station Sankt Peter à Cologne. Une expérience importante a coulé dans la composition : le chant choral, qu'Eres Holz avait activement pratiqué pendant de nombreuses années. Il a observé que les cadences en particulier, la dissolution d'une constellation d'intervalle dans une autre, avaient sur lui un effet physique immédiat. Certaines progressions harmoniques sont traditionnellement associées à certains affects : c'est-à-dire qu'elles encodent et abstraits des contenus émotionnels. Clauses et cadences ponctuent ce processus, complétant une progression harmonique, mais peut-être en ouvrant ou en permettant une nouvelle. C'est exactement là qu'intervient la composition d'Eres Holz : "Les affects, les moments expressifs qui créent ces intervalles de dissolution sont en quelque sorte le cœur de cette pièce."
La progression harmonique a donc une fonction similaire à la ligne de basse et à la structure d'accords d'une passacaille baroque. Dans Eres Holz aussi, les épisodes changeants sont ainsi intégrés dans un flux musical constant. Ce processus est fondamentalement un analogue de la création : un processus incessant de devenir qui ne se termine que le jour de sa chute. La composition tend également "en effigie" vers ce final cathartique (scellé solennellement par la sonnerie de l'horloge du clocher de l'église, qui peut être commandée depuis la console d'orgue de la station d'art de Sankt Peter).
Une progression d'accords comme idée centrale d'un morceau : ce modèle a occupé Eres Holz. La question était la suivante : les modèles perceptifs de la musique tonale - tels que le ton fondamental, la tension et la résolution - peuvent-ils être transférés à une musique organisée de manière non tonale ? A cette fin, il avait traité de l'histoire de la polyphonie européenne depuis ses débuts (Pérotin) jusqu'au baroque, avec les règles de conduite de voix, par exemple, qui non seulement règlent le traitement des dissonances, mais déterminent aussi fondamentalement comment un accord doit être résolu en un autre. Pour Eres Holz, cela a obligé à formuler lui-même de telles règles, qui ne sont plus liées à des contextes modaux ou tonals, mais garantissent au contraire la cohérence de la musique dans des conditions-cadres nouvellement définies. Pour mettre en place de telles règles, il utilise également l'ordinateur : « J'essaie de prédire certains mécanismes ou certains types de processus musicaux » – comme il le décrivait dans une interview en 2016. « Comment cela sonnerait-il maintenant, si je pense ceci ou cela ? Comment cela sonnerait-il si je laissais cela continuer, avec certaines règles de résolution d'intervalle ? »
L'examen intensif de l'harmonie des paramètres - à savoir en tant que Harmonie, non comme le résultat de mouvements linéairement indépendants - est inhabituel dans la nouvelle musique. L'harmonie est essentielle comme cadre de référence pour le mélodique : « Je travaille harmonieusement pour que les mélodies aient aussi un 'sens'. Comme le fait Bach. Et c'est précisément pour cela que je m'autorise la liberté mélodique, car elle est harmoniquement bien fondée.«
La liberté mélodique : Cela signifie notamment l'inclusion de microtons, qui jouent un rôle très important dans sa musique. Le langage humain, mais aussi les pleurs, les rires et toutes les autres vocalisations affectives : rien de tout cela ne se passe dans la médiocrité réglée du système tempéré aux douze demi-tons pairs. Bien sûr, on peut au moins se rapprocher des sons humains avec les microtons : Pour Eres Holz, les microtons sont « comme un signe de l'imperfection de l'être humain – l'être humain en tant qu'être biologique, et non stérile, non « bien ». machine "trempée". Microtones comme expression de la douleur, mais aussi de la passion et de l'érotisme«.
Ce n'est qu'à cette condition que la musique peut se voir confier quelque chose de personnel : En deux morceaux, Eres Holz traite de la mort de sa mère des suites de la maladie d'Alzheimer et de sa mort en 2019 : C'est le quatuor à cordes Fissures sombres et composition d'ensemble Toucher les univers et les fins.
Le quatuor à cordes a été créé pour le festival Deutschlandfunk 2021 »Forum of New Music«, qui avait pour devise : »Voulons-nous vaincre la mort ?«. Le quatuor est quant à lui basé sur une progression d'accords : "Comme une sorte de boucle sans fin, et ça entraîne l'auditeur" - a déclaré le compositeur dans une interview avec Hanno Ehrler à l'occasion de la première diffusion en novembre 2021. En fait, l'élément harmonique domine longuement dans cette pièce qui, pour ainsi dire, entraîne le mélodique et dans le troisième mouvement l'écrase dans la machinerie destructrice d'accords cuirassés à deux jeux : Un triomphe de la mort. D'autre part, il y a des gestes mélodiques délicats mais aussi puissants, "parlants", dans lesquels la vie semble être temporairement restaurée. À intervalles irréguliers apparaissent des passages non développés aux harmoniques aigus, lointains, étranges et indisponibles : "Les harmoniques sont l'au-delà, la lumière, Dieu - si tu veux", dit le compositeur. Cependant, ils ne formulent aucune certitude, mais plutôt une question, une recherche tâtonnante et une anticipation.
Un an après le quatuor à cordes, la composition de l'ensemble change Toucher les univers et les fins reprend le sujet de la mort et de la perte : contrairement au quatuor à cordes qui, en tant que musique de chambre aux contours classiques, se passe largement de techniques de jeu étendues, il saisit Toucher les univers et les fins vers toutes les valeurs chromatiques imaginables et les bruits que l'on peut exiger d'un ensemble de sept musiciens : une musique qui atteint des dimensions symphoniques.
Cela commence comme un morceau de souvenir, de remémoration : des accords de piano calmes, dans lesquels résonnent des réminiscences tonales - "La beauté, le miracle de la naissance", note le compositeur. Mais en même temps aussi de la mélancolie, un rythme suggéré de marche funèbre, un début qui connaît la fin. C'est l'alto, jouant de longues étendues en microtons, qui anime cet événement avec des figures mélodiques erratiques ; il entraîne le violoncelle, et plus tard les autres instruments également : le mouvement d'ensemble devient rapide, voire mouvementé au fur et à mesure de sa progression, et si dense que le compositeur doit utiliser les symboles introduits par Schönberg pour marquer les voix principales et secondaires : C'est "la résistance longue, désespérée, quotidienne à la mort qui avance sans cesse" (Marcel Proust). Au bout du
Effondrement : Le son instrumental, signe de l'individu parlant, exprimant, se dissout dans le bruit des sons générés sur et avec les instruments. Dans le piano, des impulsions sonores générées électroniquement sont envoyées directement aux cordes du piano au moyen d'un soi-disant "transducteur". C'est une traversée acoustique et musicale des frontières, dans une autre dimension. À la toute fin, le retour du commencement - une nouvelle vie, toujours morte.
La composition apparaît comme une suite à ces pièces qui ouvrent des dimensions existentielles La femme à partir de 2020 – un impromptu grotesque. Une pièce basée sur un texte du poète roumain Constantin Virgil Bănescu : Ici c'est la peur de Vie, qui incite l'homme à créer un compagnon, "la chair de sa chair" - littéralement, puisqu'il la sabre de son propre corps à cette fin : Un compagnon qui, dans l'interprétation littérale du récit biblique de la création, est "égal à lui " devrait être. Bien sûr va diese Compagnon pour ne pas être un être humain, mais un horrible homoncule, une chair morte qui ne demande rien ... Ceci est mis en œuvre avec des voix déclamées syllabiquement, qui ont littéralement des staccatos aigus de flûte à bec, des effets de glissando et des accents de contrebasse percussifs en scène est réglé.
L'harmonie comme cadre de référence nécessaire pour le mélodique : Cette hypothèse de base dans la musique d'Eres Holz représente la composition du quintette tête de chacal (2016) encore une fois de la manière la plus excitante. L'harmonie et la mélodie sont articulées comme des opposés (« agité, mystérieux » contre « rythmique, dansant »). Leur rencontre éventuelle dans la section finale ne mène pas à la synthèse, mais neutralise toute énergie, et une coda d'épuisement (notes éparses, "calme mais perturbée") clôt le morceau. Le titre fait référence à l'ancien dieu égyptien de la mort, Anubis, qui était représenté avec une tête de chacal. "L'austérité de l'art égyptien antique" a inspiré son travail, note le compositeur. »Grâce à la formation très claire des phrases, d'une manière presque 'tranchante', la musique sonne archaïque et mystique. L'inlassable trémolo des cordes envoûte en quelque sorte..."
Ingo Dorfmüller
Pour Eres Holz, les microtons se présentent « comme un signe de l'imperfection de l'homme – l'homme en tant qu'être biologique, et non une machine stérile, non « bien trempée ». Microtones comme expression de la douleur, mais aussi de la passion et de l'érotisme«.
