Programme:
SA CD 1 George Frideric Haas (* 1953) Première allemande Trombone Unit Hanovre Johannes Boris Borowski (* 1979) Première mondiale Œuvre commandée par SWR SWR Symphony Orchestra Baden-Baden et Freiburg Stefan Prins (* 1979) Scène 1 : Espaces hybrides #1 07:51 Première mondiale Œuvre commandée par SWR Ensemble Nadar
SA CD 2 Marc André (* 1964) Première mondiale Œuvre commandée par SWR Jorg Widman, clarinette Francesco Filidei (* 1973) Première mondiale Œuvre commandée par SWR SWR Symphony Orchestra Baden-Baden et Freiburg Yoav Pasovski (* 1980) Première mondiale Œuvre commandée par SWR SWR Symphony Orchestra Baden-Baden et Freiburg |
presse:
Un año más, regresamos al oráculo de las Donaueschinger Musiktage para conocer las últimas tendencias de la música artística europea, en una edición, la del 2015, editada en soporte fonográfico por NEOS de forma un poco más escueta de lo habitual, en tan sólo dos SACD, aunque sigan primando en ellos las señas de identidad que caracterizan al sello alemán en cuanto a calidad interpretativa y técnica. Abre la selección uno de los compositores austriacos más aclamados del momento, Georg Friedrich Haas (Graz, 1953), que nos presenta una formación tan particular como la deparada por su octet for 8 trombones (2015), encargo de la Trombone Unit de Hannover, qu'afronta aquí una partitura fruto de los análisis de las cintas magneticas registradas por Giacinto Scelsi en su estudio. En ellas, Haas découvre algo que confiesa lo dejó asombrado : la presencia de melodias cantables incluso en los más pequeños microintervalos. Habitual estudioso de las partículas de los espectros sonoros, Haas utiliza este octeto de trombones para construir todo un entramado en cuartos, sextos y octavos de tono : intervalles que -afirma- requieren la más precisa entonación. Emplazados en cercanía, los ocho trombones crean una masa intense homophonica en la que los trazos melodicos se Producen por reverberación de los microintervalos. En los pasajes más abigarrados y tumultuosos, los acordes generados (articulados en esa de-gradación microtonal) produit la sensation de estar contemplando una imagen muy curiosa : la de escuchar el acorde y su sombra al tiempo, cual si un movimiento musical se hubiese congelado en el espacio y lo visualizásemos en sus diversos estratos de desarrollo, como una estela. A pesar de no estar concebida como una textura polifónica, los intervalos resultantes de las ocho fuentes sonoras crean capas suficientes como para darnos la sensación, en momentos puntuales -aliados con la estrecha espacialización y el manejo de los reguladores de velocidad-, de una estructura que trasciende la homofonía para desplegarse en diversos estratos interactivos. La impronta del maestro italiano, por otro lado, es audible, legándose a vislumbrar un eco scelsiano de corte atávico, cual danza cérémoniel procedente de tiempos y espacios remotos. No es, ni mucho menos, la pieza más ambiciosa de Georg Friedrich Haas, pero si algo muestra, es la capacidad del austriaco para adentrarse en las más refinadas partículas sonoras, aun con una plantilla que no pareciera ayudar en exceso, diversificando en ella timbres et couleurs. Tampoco la orquestal Sérac (2014-15), de l'Allemand Johannes Boris Borowski (Hof, 1979), j'ai eu un maire influent. Il s'agit d'une partie d'orchestre de 25 minutes de durée, mais de la sensation d'une extension temporelle majeure, alors que Borowski semble prétendre, peut-être une de ses indagaciones à Sérac est le comportement des matériaux musicaux divers dans une longue cohabitation lieu : comment la relation s'établit et s'approfondit pour la vie commune (même pour une exploration réellement conséquente qui tend à nous donner une durée plus élevée du dernier Feldman). Sérac fait référence à l'ascension, en 2008, une fois montés au K2, muertos todos ellos dans un cuello de botella entre dos séracs d'un glacier. Borowski n'a aucun intérêt dans une description du programme et de la moralité de l'ascension et de la mort, qui s'ajoute ensuite à une chaîne de causalités qui se déroulent dans ce moment de fatalité dans lequel l'être humain est au sommet du colapso de una pared. de Hielo qui a converté vers cette époque-là et s'est détaché dans la région de Tumba : des lignes d'existence, par conséquent, se sont concentrées sur l'entrecroisement de différentes origines, non seulement pour une supposée « occasionnelle » comme pour ces chaînes successives de causalités. Sans résultat strictement programmé, le mouvement continu qui est en marche la partie, son avance entrecoupée mais de manière claire dans la direction, nous remet à une ascension en raison de difficultés et de moments importants d'intérêt instrumental ; mais, en même temps, il en résulte un travail anodin. El belga Stefan Prins (Courtrai, 1979), uno de los enfants terribles de la música europea, vuelve a las Donaueschinger Musiktage de la mano de su ensemble de referencia, el Nadar, con Mirror Box Extensions (2014-15), partitura para ensemble , électronique et vidéo (que en esta edition NEOS ha omitido : una pena, pues pensábamos que, tras la inclusión del formato DVD en la edición de las Donaueschinger Musiktage 2014, se podría abrir una via más que pertinent para propuestas audiovisuales como las de Prins : alquimista habituelle de música e imágenes). Como su título indica, Mirror Box Extensions es una extensión temática y conceptual de la previa Mirror Box (Flesh+Prosthesis #3) (2014), en la que Stefan Prins indagaba en la extensión/sustitución del cuerpo humano con prótesis tecnológicas que creasen una poetica musical trasunto de la fisicidad del cuerpo. Esa caja-en-espejo serviría aquí para aliviar la sensation de ausencia de un miembro amputado, creada la illusion de su existencia por medio de reflejos musicales. Ahora bien, existe un contexto, un recuerdo, el marco en el cual esos movimientos se producían, con una sustancia física de fondo, no como una simple simetría provocada por el reflejo ; de ahí que Mirror Box Extensions no sea simplemente una inversión desdoblada de temas, sino toda una arquitectura a modo de holograma musical para crear una realidad acoustica virtual, algo en lo que ensemble y electrónica colaboran para sintetizar las masas híbridas tan típicas en Prins, ya conocidas en nuestro diario por medio de obras como Fremdkörper #1 (2008), Generation Kill (2012), o I'm your body (2014). Como en todas ellas : prolija exploración de técnicas extendidas, los típicos traqueteos prinsianos que tanto nos remiten a una ráfaga de metralleta como a una desaforada máquina de escribir eléctrica, desdoblamientos acústico-electrónicos de sustancia híbrida práctica mente irrecono cible, etc. ; Todo ello con una sonoridad muy actual, aunque con una poetica dura y asfixiante. En outre, dans ses notes, il remet le compositeur belge à la "Ley mordaza" du Partido Popular ; Concrètement, la manifestation en contre-partie célébrée à Madrid le 12 avril 2015 devant le Parlement, a fait que, selon la nefanda Ley Orgánica de protección de la seguridad ciudadana (« Ley para la autoprotección atrincherada del gobernante », nous devons la reconstruire) , pourrait être constitutif de délit au soin de l'autorisation par la partie du père-État ("¡La calle es mía!", confirmant un autre personnage d'ingrato recuerdo dans des époques qui semblent vouloir ressusciter le prole politique). Il por ello que Prins quiere que su música sirva, igualmente, de cuerpo hologramizado para que la ausencia de fisicidades concretas -legalmente imputables- sustituya la manifestación física por una proyección sonora contra un poder opresor de tales ínfulas totalitarias. Aunque dichos presupuestos nos coloquen en puertas de lo ya avanzado por la ciencia ficción : con manifestaciones de individuos-holograma resistiendo ante un poder saturnal (ilústrese al gusto, tanto con Rubens como Goya), quizás sean tales los tiempos hacia los que nos encaminamos. Au deuxième SACD, nous rencontrons le français Mark Andre (Paris, 1964), un homme entre les compositeurs les plus solides et les plus durables du siècle XXI : un de ces artistes et ceux que nous pouvons appeler des maestros. « About » (2015) est un bon exemple de l'ello, ce qui signifie qu'il s'agit d'un morceau de clarinette, d'orchestre et d'électronique, à mon avis, comme le plus destacado de esta edición en cuanto a unir modernidad esthétique y musicalidad. Nous sommes devant une œuvre pratiquement suspendue, extrêmement fragile, alors que les crescendi que dans d'autres parties seraient des élévations sonores conventionnelles s'approchent du volume d'un véritable tsunami. «Sombras de desapariciones» est l'une des images qui reviennent au propre d'André pour que nous visualisons une musique utile, que les francés affirment se décider dans les intersticios de ce que nous entendons par composition: en sus huecos y pequeños trazos. Le titre est extra pour le Livre des Nombres, qui est lié à la Bible parisienne avec la Biblia, pour le moyen âge du miracle de Dieu et la cuidad de l'homme desde lo alto, un miracle qui est paz y bendice nuestra existentencia ( selon le chapitre 6 du Livre des Nombres)… …Mark Andre se trouve dans la partie supérieure de l'intersection entre les virages et les bendecidos ; Il décide, dans la relation entre Dieu et l'être humain : temática récurrente en un compositor con tan arraigada fe Cristiana. El Hombre es Visto POR Ande Como Una Cribatura en Processo de desaparición, qui señala en el un état de fragilité en cuyos intersticios metafísicos desarrolla sonoridades la rugosidad ruidistas y las alturas que desarrollan Espaces qui génèrent des structures et des sonorités de minima. La fragilité de ces espaces interstitiels a les frontières du déterminé se quiebren, dejando paso a compases ouvert en el clarinete, même si dans cette version de l'estreno mundial se bénéficie des ressources techniques, de la créativité et de la sabiduría dans l'improvisation du clarinettiste et Compositeur allemand Jörg Widmann. Une partie de ces passages sont indéterminés et analysés par le système informatique du secteur expérimental du SWR pour développer les matériaux de la clarinette et créer de nouveaux interstices plus complexes, en raison de la proximité des matériaux qui témoignent de la continuité d'un même travail. " à propos de » comme une « communion sonore », participant à chaque miembre du gris d'un corps (sonoro) que los hermana. Mark Andre espérait que dans les étapes les plus désolantes de sa partition, et que l'homme s'appelait à son créateur (« vox clamantis in deserto », écrivez dans ses notes), il pourrait expérimenter l'expérience métaphysique de la tiers-présence de l'Esprit Saint. … Ce n'est pas le cas ici, mais l'édition de cet este estreno en SACD n'est pas in tanto, mais ce n'est pas pour les enfants qui y font référence comme « à propos » de la page du maire de l'enjundia et calado de estas Donaueschinger Musiktage 2015 (au moins, et Lo que NEOS a reconnu en disco compacto). Al italiano Francesco Filidei (Pise, 1973) parece que se le quedaba corto aquello tan freudiano de matar al padre, pues se ha decidido a matar al patriarca de la música (uno de ellos) en su orquestal Killing Bach (2015). Más, aún, si pensamos que el propio Filidei afirma que Bach es el creador de lo más perfecto que puede imaginar sobre la Tierra : una música que ataca inmisericordemente con todo tipo de sonoridades agresivas que pueden ir desde disparos de armas a golpeos wagnerianos, entre cuyos impactos resuena la belleza insondable del preludio de un Tristan und Isolde (1855-65) que, comme Bach, cambió la faz del planeta musical. Todo ello diseminado a lo largo de una partitura entre lo cómico y lo grotesco, que vuelve a enfrentar a Francesco Filidei con la historia : ese momento iniciático que parece profesión de vida en tantos artistas italianos, abrumados por el peso de un pasado tan a flor de jouer en su pays. Filidei, également compositeur, est organiste, ahí que, dans la réflexion sur son papier comme créateur, il a proposé une « confrontation » musicale en cinq pièces orchestres avec cinq compositeurs historiques pour un homme qui est à mi-chemin de sa mire avec l'autre. , desvelando, así, l'existence possible d'une voix de propia (ou le médirse avec le cœur des maestros, que decía autre escrutador de l'historia, comme Luigi Nono). Fiori di Fiori (2012) fue la primera pieza de este ciclo, dédiée (y confrontada) à un totem de la música italiana, comme Girolamo Frescobaldi. En Killing Bach, Filidei prétend renouveler le sentiment sacré de la musique à través de sa violence inhérente, de sus pulsions. Une entreprise qui pourrait écrire une musique « belle », mais qui a opté pour une partition perturbatrice qui pourrait paraître divertissante, mais qui ne l'est pas, peut le faire dans la course d'une situation politique qui est dangereuse pour tous, pas de solo pour le monde de la culture et de la musique. Hace unos días, escuchábamos en Madrid al cineasta lituano Jonas Mekas expresarse en terminos semejantes: él, que conoció el horror de la Segunda Guerra Mundial y la deportación, y qu'afirmaba que se está produciendo una deshumanización de dimensiones planetarias realmente preocupante. Por último, el Israelí Yoav Pasovsky (Haïfa, 1980) nos presenta, también en estreno, otra pieza orquestal : Pulsus alternans (2015). Se trata de una partitura que nos recuerda, de algún modo, al mejor Steve Reich, pues se adentra en el estudio de los procesos musicales de convergencia y divergencia, a través de una abigarrada red de motivos armónicos que emergen y se disuelven buscando puntos de Encuentro entre dos grupos orquestales, cada uno de ellos con un director (aquí, Péter Eötvös y Gregor Mayrhofer) y tempi dispares. Aunque bastante convencional en cuanto a sonoridades, el resultado final es de una gran potencia expresiva y atractivo, oscilando entre repeticiones claramente discernibles como procesos mecánicos y unas sonoridades que Pasovsky dice continuas : masas texturales móviles que abarcan a ambos grupos orquestales , subyugantes por un halo Magical magic in su misterica belleza a algunos pasajes de esa película tan hermosa que es Der Himmel über Berlin (1987), de Wim Wenders, avec la bande sonore originale de Jürgen Knieper. Como en el caso de las obras precedentes, nos encontramos con primeras grabaciones mundiales, siendo todas ellas estrenos absolutos excepto el octeto de Georg Friedrich Haas. El nivel interpretativo es mayúsculo, por lo que el impacto de los sucesivos alumbramientos está garanti, tanto en lo humorístico como en lo más moderno y/o refinado, pues aunque algunas de las partituras no nos hayan causado una especial impresión, cierto it que la maestría de sus autores en el manejo de los medios instrumentales es más que evidente. Las tomas de sonido, como it usual en las Donaueschinger Musiktage, corren a cargo de la SWR, siendo la excelencia de las mismas la ya conocida tanto en los registros de la radio alemana como en las ediciones del sello NEOS. Al acortarse considerablemente esta edición de las jornadas a tan solo dos SACDs, el libreto es menos generoso que en la edición de 2014 (entonces, 126 pages; ahora, 43); pero, de nuevo, aporta ensayos muy sustanciosos a cargo de los compositores. Photographies de cada uno de ellos completean una edición que no por escueta deja de ser intensa y repleta de invitaciones a conocer las rutas de la música actual más viva; además, con el mérito de una heterogeneidad de lo más variopinto. (trouver l'article ici)
02/2017 « Musique remarquable [...] : L'octuor pour huit trombones de Georg Friedrich Haas, qui, à la suite de Scelsi, explore diverses possibilités de mélodies microtonales et développe ainsi d'énormes vibrations ; Johannes Boris Borowskis Sérac, une expédition sonore somptueusement expressive, et son contraire : sur, sorte de concerto pour clarinette en voie de disparition, où Jörg Widmann et ses ombres électroniques explorent l'aura des lacunes sonores. |
