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MUSIQUE RITROVATA Gianluca Verlingieri a le titre de son CD Musique Ritrovata choisi. Il a placé sa musique de chambre des quinze dernières années sous cette devise, comme une musique retrouvée d'autres époques, redécouverte et recomposée dans le langage musical de notre temps. Selon lui, il a ainsi expérimenté une nouvelle interprétation interprétative avec des moyens créatifs, avec un médium décisif de notre temps : l'électronique, qu'il comprend comme la transformation d'une musique renaissante, retrouvée jusqu'à aujourd'hui. Verlingieri fait référence au travail programmatique de Ligeti Musique Ricercata. Cela renvoie à Ligeti en tant que chercheur sonore dans le contexte d'un langage formel traditionnel, ce que l'on peut voir dans ses œuvres importantes. aventures ainsi que Nouvelles aventures. Suivre cette image de soi signifie apprendre à comprendre la manière de composer de Verlingieri. L'approche individuelle de Verlingieri diffère de celle de Ligeti simplement en ce que la structure de sa musique non électronique est basée sur des algorithmes électroniques ; mais de manière très similaire, c'est-à-dire discursivement et donc dialectiquement, ils travaillent tous les deux sur la musique existante. Grâce à sa compréhension de la musique électronique, Verlingieri est devenu l'un des experts les plus éminents du son spatial, mais il est encore plus spécial : l'espace est aussi un espace géographique, ethnologique et est structurellement mesuré comme tel dans un sens allégorique. De là surgissent des formes structurelles très complexes de la pièce jusqu'aux sculptures sonores spatiales électroniques. Et parce qu'ils sont basés sur une structure composée, ils ne sont pas arbitraires comme l'art conceptuel, ni ne suivent un principe modulaire. Bien sûr, ces structures ne sont pas consciemment perceptibles comme une sorte d'esquisse architecturale intérieure de la construction de cette musique, mais couvert sous l'enveloppe électronique du son, qu'ils maintiennent formellement, le plus souvent inaperçus de l'auditeur, au sens d'une architecture de composition électronique. Ce secret partage la musique de Verlingieri avec beaucoup d'autres musiques densément structurées dans la tradition (voir, par exemple, dans J. S. Bach's Variations Goldberg) comme à l'époque moderne. La composition sculpturale dans l'espace est, bien sûr, multidimensionnelle. Verlingieri est un virtuose, presque un jongleur de présence changeante d'acuité visuelle et auditive, tantôt très claire, tantôt diffuse avec de nombreuses nuances intermédiaires. Pour ce faire, il utilise magistralement les paramètres de la dynamique, ceux du timbre et ceux des couches et superpositions sonores – ces dernières étant plutôt d'origine électronique – dans lesquelles il dispose d'une palette musicale extrêmement large. Il utilise également ces ressources de manière structurelle. Sa composition dans le domaine électronique et dans une structure correspondante très complexe qui non seulement meuble la pièce mais la façonne également, détermine également l'œuvre de musique de chambre instrumentale, qui, cependant, est généralement également liée haptiquement au support électronique. Dans l'œuvre de musique de chambre, sa structure repose également sur l'axiomatique algorithmique. De ce fait, sa composition repose sur une conscience « électronique ». Ingénieur électronicien, il est en fait un "compositeur instrumental" qui utilise des techniques de composition ancrées dans la tradition et les développe davantage dans la lignée de notre temps. Dans l'œuvre de Verlingieri, les éléments structurels sont toujours condensés dans une forme musicale, qui correspond souvent au modèle traditionnel ou à celui de la musique choisie d'autres cultures dans « Music about Music ». Et la compression en une seule forme est garantie même dans les passages semi-improvisés, qui apparaissent encore et encore dans ses œuvres. Verlingieri évite strictement d'adapter le modèle musical, il le traite toujours de manière discursive et s'engage avec sensibilité dans les idiomes, encore plus dans l'axiomatique musicale, de "l'autre" culture choisie pour la composition. Une variante importante de ce discours est le grand art de la variation, que Verlingieri, comme Morton Feldman, maîtrise avec virtuosité, qui constitue la « brique minimaliste » de sa musique. Il comprime immensément la structure interne de sa composition, qui est déjà très dense en raison des opérations sonores spatiales, qui ne semblent que si légères. Verlingieri l'appelle une "virtuosité compositionnelle" (virtuose), qui ne peut jamais être assimilé à la "virtuosité de la performance". A première vue, cet aspect rend sa musique plus accessible que celle de certains de ses confrères aux provenances complexes. Verlingieri ne colonise jamais par adaptation, mais se comporte avec intégrité envers l'autre. Ce mode de composition conduit par conséquent à des résultats "stylistiques" ou esthétiques très différents, mais seulement en apparence. Ce qu'ils ont tous en commun, c'est leur façon de composer, l'approche structurelle et analytique et la manipulation respectueuse de la matière. A cet égard, il est très proche d'Horațiu Rădulescu dans le sens d'une véritable approche interculturelle et loin de l'eurocentrisme tant déploré. Dans le domaine de la composition avec "d'autres musiques" en dialogue, Verlingieri a un argument de vente unique qui n'a pas été atteint jusqu'à présent, et cela explique sa grande importance encore à découvrir en tant que compositeur. À propos des œuvres individuelles sur ce CD Élégos IV pour cor de basset solo (2005 / 2017), une lamentation grecque. Le lien entre les mots du texte sous-jacent, le sujet »Élegos« et la musique est créé par le cor de basset sous la forme d'une lamentation inquiétante. L'œuvre s'inspire du mythe de Méduse, le lien mortel des trois terribles sœurs, ces créatures aux cheveux de serpent. Le trio de pianos Fragments de Schubert (2006-2007) traite d'une forme historique et reflète son influence incontestable sur la composition d'aujourd'hui dans l'axiomatique musicale, la technique de composition et dans le contenu de son œuvre. Cette influence renvoie à la manière dont cette musique est interprétée, sa composante sociale à un changement des formes traditionnelles de concert, et la logique de sa réception comme celle d'une nouvelle composition au sens d'une « sociologie de la culture ». Dans cette perspective, le Trio avec piano de Verlingieri est conçu comme une sorte de suite de onze miniatures, inspirées de fragments et de gestes musicaux du Scherzo de Franz Schubert. Quintette à cordes en ut majeur, D 956. Verlingieri utilise également la technique du contrepoint hétérophonique – ainsi que dans la musique ancienne et très souvent chez Franz Schubert. Shift for accordéon solo (2008) s'appuie sur deux phénotypes musicaux diamétralement opposés. Pour des raisons de sonorité spatiale – qui sont très importantes pour Gianluca Verlingieri – ainsi que de construction de l'instrument, une telle conception musicale est presque inévitable. Des textures d'une ambiguïté harmonique issue de cette contradiction et une peinture sonore illusionniste correspondante s'affinent par un jeu subtil d'opérations électroniques. Cela inclut une spatialisation lucide correspondant à la bipolarité sonore spatiale de l'accordéon. Alchymies. Ricercari sur »Ave Maris Stella« pour vibraphone et piano (2009) est basé sur le célèbre chant grégorien du même nom ave maris stella. Deux correspondant à la musique d'aujourd'hui Rizrcari sont déterminés par la musique expérimentale de la fin de la Renaissance. Ces deux mouvements expriment les différences extrêmes de fusion et de dissociation de la matière musicale à travers deux instruments dialectiquement opposés : le piano et le vibraphone. IroniqueOnirico Sound drama for sound-enhanced trombone (2010) est une pièce ironiquement surréaliste sur la lune et sa distance par rapport à la terre. Ici aussi, deux contraires sont décisifs pour la musique dans le sens d'une bipolarité dialectique – comme c'est souvent le cas chez Gianluca Verlingieri. Quatre chansons pour un compositeur fou pour quatuor à cordes (2015) a été écrit comme cadeau pour le 81e anniversaire du compositeur Sir Peter Maxwell Davies (8 septembre 2015). Les courtes sections représentent quatre courts épisodes différents de la vie et de l'œuvre de Peter Maxwell Davies, "compositionnellement réinterprétés". Labyrinthe de la mémoire [Livre I] pour piano (2004–2005) est une courte collection d'études de composition pour piano que l'on peut presque appeler Minute Pieces. Ils sont influencés par la musique occidentale traditionnelle. Mais Verlingieri ne travaille pas seulement dessus de manière illustrative unidimensionnelle, il « contamine » également cette musique avec des influences extérieures telles que la musique folklorique africaine. Des configurations complexes d'approches musicales si différentes s'entassent dans un labyrinthe fascinant. Millésime Passacaille pour orgue baroque (2019) est une adaptation de matériaux de diverses sources temporelles, culturelles et géographiques, comme ici dans le cas des modèles de Johann Sebastian Bach et Dietrich Buxtehude. Verlingieri appelle la procédure utilisée ici une "analyse compositionnelle-technique" de l'original. Bach vénérait Buxtehude et leurs contraires inspirèrent Verlingieri à créer une bipolarité basée sur deux sources musicales. J'ai noté la Fragments de Ghedini (2015) apparaissent après la Fragments de Schubert comme deuxième trio avec piano sur ce CD. La relation de Verlingieri avec Giorgio Federico Ghedini est très personnelle. Ghedini a passé son enfance dans la ville natale de Verlingieri, Cuneo. En 2015, Verlingieri a reçu le prix Ghedini. Il a réalisé ce travail hautement émotionnel en utilisant ce qu'il a appelé son processus "d'analyse / resynthèse compositionnelle-technique". À l'aide de divers paramètres algorithmiques, il superpose le matériau de Ghedini dans chaque variation, créant un cosmos musical extrêmement dense derrière lequel Ghedini disparaît de plus en plus. Ernest Helmuth Flammer Programme: Gianluca Verlingieri (* 1976) Élégos IV pour cor de basset seul (2005 / 2017) 05:27 Michele Marelli, cor de basset Fragments de Schubert pour violon, violoncelle et piano (2006–2007) 06:35 Trio Debussy Shift pour accordéon solo (2008) 09:08 Ghénadie Rotari, accordéon Alchymies. Ricercari sur "Ave Maris Stella" pour vibraphone et piano (2009) 05:50 Simone Bénéventi, vibraphone IroniqueOnirico Drame sonore pour trombone amélioré (2010) 06:39 Michèle Lomuto, Trombone ténor amélioré Quatre chansons pour un compositeur fou pour quatuor à cordes (2015) 05:45 Quatuor Lyskamm Labyrinthe de la mémoire [Livre I] pour piano (2004–2005) 04:59 Gianluca Cascioli, Piano Millésime Passacaille pour orgue baroque (2019) 07:08 Balint Karosi, orgue Fragments de Ghedini pour violon, violoncelle et piano (2015) 06:59 Trio Debussy Temps de jeu total : 59:31 Premiers enregistrements (sauf piste 03) presse:
L'idée motrice de ce recueil de pièces du compositeur italien Gianluca Verlingieri est celle « d'analyse et de resynthèse ». Si cette bouchée ne vous a pas fait courir vers les collines, laissez-moi tenter d'expliquer, du mieux que je peux, ce que cela signifie en termes de musique que vous entendrez sur cet enregistrement. Le compositeur cite la déclaration de son compatriote Berio selon laquelle la meilleure façon d'analyser un morceau de musique est de composer un autre morceau en réponse à celui-ci. Pensez à l'écriture de Moussorgski Tableaux d'une exposition en réponse aux peintures de Hartmann mais au lieu que l'inspiration soit une peinture (ou un poème ou un paysage), c'est un autre morceau de musique. Un autre exemple pourrait être le finale de la symphonie « Jupiter » de Mozart : inimitablement Mozart, mais clairement une réponse à l'exposition à la musique de Haendel et de Bach. Le titre de ce CD, Musique Ritrovata, est tiré de Ligeti et fournit un indice important sur le style de Verlingieri. Cela signifie une musique retrouvée ou redécouverte ou, comme le suggère le compositeur de manière ludique, réinventée. La musique du passé, souvent sous une forme extrêmement fracturée ou ayant subi un certain processus de développement, hante chaque pièce. Tantôt les compositeurs influents sont nommés, comme dans les pièces dérivées de Schubert et Ghedini, tantôt ils m'ont frappé comme des bribes de mélodie ou d'harmonie à moitié oubliées. Si tout cela semble plutôt intimidant, la voix musicale de Verlingieri est à la fois enjouée et affectueuse. Son amour pour la musique qui se cache quelque part derrière ces partitions rayonne de chaque mesure. Ma réponse personnelle à cette collection de pièces a été qu'il s'agit un peu d'un sac mélangé avec le bon extrêmement bon, mais certaines d'entre elles m'ont laissé plutôt perplexe. Il y a une certaine ironie dans le fait que les pièces qui m'ont le plus impressionné étaient pour les ensembles les plus conventionnels - les deux œuvres pour trio avec piano et une pour quatuor à cordes. Je ne pense pas que ce soit parce que j'ai un problème avec les combinaisons d'instruments peu orthodoxes - l'un des autres morceaux remarquables, Alchymies, est pour le duo étrange mais étonnamment délicieux du piano et du vibraphone – c'est juste que j'ai trouvé que l'idée « d'analyse et de resynthèse » prenait vie de la manière la plus vivante en tant qu'expérience musicale dans ces œuvres. Alors que je défie quiconque d'entendre quoi que ce soit de Dieu sauve la reine dans la seconde du Quatre chansons pour un compositeur fou (l'influence de Maxwell Davies Adieu à Stromness et, en particulier, son Un mariage et un lever de soleil dans les Orcades est plus audible plus tard dans le morceau), c'est un immense plaisir à écouter. La Fragments de Schubert sont probablement à la fois les plus importantes et les meilleures des pièces incluses. C'est dire si substantiel est le mot juste pour une musique aussi fragmentaire et allusive. L'esprit de Schubert plane en effet obliquement sur les débats sans jamais être directement cité ou, heureusement, émerger de manière kitsch, ce qu'il s'est particulièrement efforcé, selon une citation du compositeur, d'éviter. Une façon idéale d'écouter cette pièce serait entre les trios pour piano de Schubert (même si le Schubert qui a été re-synthétisé était un passage du Scherzo du Quintette à cordes). Il est plein de réfractions et de reflets stimulants sans perdre sa propre personnalité. C'est aussi un travail plus sérieux que le Quatre chansons pour un compositeur fou avec un air distinct de Winterreise à ce sujet. Le compositeur italien Giorgio Ghedini (1892-1965) se cache derrière le Fragments de Ghedini. Je ne connais pas sa musique donc je ne peux pas dire à quel point la pièce de Verlingieri ressemble ou non à sa musique, mais c'est une belle pièce. Apparemment, la musique de Ghedini est plus proche de la surface que dans les autres pièces. La structure est à thème et variations. Il est donc plus directement mélodique sans perdre ce sentiment de créativité espiègle qui anime ce CD. Une autre conséquence est que la pièce est ouvertement émotionnelle qui, avec les Fragments de Schubert, sert d'ancrage au programme. La pièce la plus récente Millésime, date de 2019. Il est décrit comme une passacaille pour orgue baroque. Dans le style, c'est plutôt comme un rêve de fièvre gothique dans lequel flottent des bribes de musique d'orgue dont on se souvient à moitié. Ces bribes se forment puis se décomposent en permanence d'une manière obsessionnelle qui fait écho à l'interminable redécoupage d'une mélodie qui est à la base d'une passacaille. Ce processus devient plus frénétique au fur et à mesure que la musique progresse, essayant constamment de trouver son chemin vers un grand point culminant baroque mais ne l'atteignant jamais tout à fait. J'ai été moins impressionné par les pièces solistes respectivement pour cor de basset et trombone augmenté (non, je n'ai aucune idée de ce que c'est non plus !). C'est probablement mon manque d'intérêt personnel pour de telles pièces qui ressemblent toujours à mes oreilles à des épreuves d'examen. Ces deux pièces sont écrites de manière experte mais j'avais l'impression d'avoir tout entendu avant et non dans le sens d'échos d'autres pièces ! D'autres pourraient ne pas partager mes préjugés et apprécier ces pièces plus que moi. je veux sauf Labyrinthes pour piano seul et Shift pour accordéon solo de cette légère critique des pièces solo. Ce dernier est plein de bonne humeur notamment en demandant au joueur de taper un rythme de danse sur les touches de l'instrument. Il parvient également à trouver une beauté étrange et raréfiée dans la stratosphère de la gamme de l'accordéon. La Laboratoires de la mémoire Ou labyrinthes de la mémoire, mentionnés dans le titre de l'excellent ensemble de pièces pour piano de Verlingieri, il décrit comme la mémoire musicale « collective » non seulement de la musique occidentale mais de toutes sortes d'influences allant de l'Afrique aux chansons folkloriques cosaques. Il en résulte une pièce qui porte la complexité de ses processus de composition avec légèreté et élégance. C'est magnifiquement écrit pour le piano. Comme pour toutes les autres compositions incluses dans ce portrait de compositeur, il est joué avec un soin et une dévotion réels et fait l'objet d'un enregistrement de premier ordre. L'art de Verlingieri n'est pas du genre à prendre d'assaut les cieux mais travaille de manière plus discrète et plus subtile. Faites-y attention et l'auditeur sera plus que récompensé. Ce sont le genre de pièces qui se glissent sous la peau. J'aimerais entendre ce que son oreille et son imagination trouveraient en écrivant pour l'orchestre et j'espère qu'il en aura l'occasion. En attendant, ce disque stimulant donnera une belle introduction à son art. David Mc Dade |
