Marcela Pavia – Max E. Keller : Tonhalle Orchestra Zurich, David Zinman, Duo46, Trio Flair, Quadriga Bassoon Ensemble, W. Bärtschi, L. Cella, E. Flückiger, VJ Gloor, M. Gould, G. Kanasevich, P. Kleemola

Musique de Marcela Pavia et Max E. Keller

Malgré leurs origines différentes, la musique de Marcela Pavia et Max E. Keller se caractérise par une clarté d'expression sans compromis, qui ne craint pas les coupes dures et les gestes agressifs, mais travaille en même temps avec des timbres subtils et innovants. Pas d'arbitraire non contraignant : il s'agit d'une nécessité intérieure et d'une véracité, souvent articulées en répétitions insistantes et pénétrantes avec des variations évolutives. Les tabous de l'avant-garde, comme éviter un pouls perceptible, sont remis en question ou même transformés en sujet.

Marcela Pavie

Sauf Nayla toutes les œuvres de ce CD ont été créées récemment en tant qu'œuvres commandées par les interprètes qui les ont également enregistrées. Leur langage musical a un point commun : l'exploration du timbre de différentes manières. Certaines textures sont utilisées en termes de sons complexes et de diverses manifestations de résonance, résultant en un mélange d'intervalles et de champs spectraux. Cela donne à son tour une multitude de significations poétiques. Le son génère une forme à la fois au niveau micro et macro.

Parfois, des sons complexes créent une pulsation régulière, ils peuvent même dans un travail solo comme Nayla émergent alors que le tempo et la polyphonie linéaire créent un spectre unique, permettant à l'auditeur de percevoir les ondulations et les bandes de vibration de manière phénoménologique. D'autre part, la résonance, qui évoque différents niveaux de perception, rend audible l'accord ou le décalage entre la résonance (les tons qui continuent de sonner et deviennent ainsi le spectre) et le mouvement linéaire. D'autres similitudes caractéristiques concernent l'importance gestuelle des « objets sonores », mais aussi leur signification en tant qu'instant en temps réel. Le développement formel est souvent en spirale, caractérisé par un fort mouvement rythmique, des figures syntaxiques obsessionnelles et des groupes de tons récurrents.

Flair est dédié au trio Flair. C'est un acronyme dérivé des consonnes des noms de famille des trois interprètes (Flückiger/Läderach/Rütsche). Le mot permet de nombreuses connotations différentes, à la fois en anglais et en allemand. Certains vont bien avec l'ensemble, comme B. talent naturel, talent, capacité, style, apparence ou acuité perceptive et jugement. Plus généralement, c'est la souplesse du mot qui reflète l'âme du trio.

Nayla est un ancien nom arabe avec un son spécial qui évoque le nom d'une ancienne divinité venant d'un endroit lointain. De telles images et une pléthore d'autres ombres émanent de ce puissant symbole ancestral. Lisa Cella a relevé le défi d'une pièce têtue qui ne laisse aucun répit à l'interprète et ne laisse aucune chance à l'auditeur d'échapper au maelström de notes qui mûrissent peu à peu en spectres.

Par et en plus basé sur la troisième strophe du poème du même nom de Gabriela Fantato. La composition est dédiée à Esther Flückiger, qui – outre son grand talent musical – sait aussi de quoi parle le poème.

Les expéditeurs sont bifurcans (dédié au Duo46) est aussi une métaphore de la relation dialectique entre deux instruments (violon et guitare) ainsi que pour les interprètes eux-mêmes. La beauté surnaturelle des harmoniques de Matt Gould et la capacité presque proverbiale de Beth Schneider à moduler provoquent une dialogue animé comme elle seule en est capable.

La Banshee's Keen est la quatrième pièce d'un cycle dont l'idée poétique évoque les fées qui vivent dans les îles britanniques. Le traitement de la résonance de différentes manières est la caractéristique technique générale de l'œuvre dédiée à Patrik Kleemola. C'est un hommage à son talent musical et à son empathie.

Amançay est le nom d'une fleur argentine qui pousse en Patagonie. La pièce rappelle les schémas rythmiques de la musique folk pour guitare, s'entrelaçant constamment avec les lignes de la clarinette. Dédié à Matt Gould, il est admirable de voir comment il relève le défi dialectique constant du clarinettiste Gleb Kanasevich avec une formidable sensibilité rythmique.

Marcela Pavie

Max E Keller

tenuto, battuto, brillant pour orchestre symphonique (2001)
Le rythme pulsé est un archétype de la musique que l'avant-garde a longtemps banni. Elle est devenue d'autant plus déterminante dans la musique populaire – la pulsation est aussi essentielle dans le « swing » du jazz. tenuto, battuto, brillant ne l'évite pas, mais le place au centre, contrairement au son soutenu. Le tenuto émerge dans les registres extrêmes, se déplace vers le milieu au fur et à mesure que l'œuvre progresse, mais recule toujours vers les régions périphériques. Le contre-principe pulsatoire s'articule en motifs rythmiques qui vont d'une « coloration » délicate et à peine audible de sons soutenus à un tutti au son plein, souvent en superpositions multiples. Les deux pôles sont conçus avec la plus grande différenciation structurelle et tonale, la combinaison d'instruments prenant également des chemins inhabituels. Un troisième élément de base sont des mouvements de course rapides et bruyants, qui descendent de manière inattendue comme un éclair (fulmine) à l'improviste, plongeant soudainement l'événement dans une lumière différente.

soliloque pour piano et électronique live (2006)
Aujourd'hui, une machine est de plus en plus utilisée comme interlocuteur de l'être humain, et c'est aussi le cas dans soliloque. Un petit appareil numérique est placé directement sur le piano à queue et est actionné par le pianiste lui-même, principalement avec deux pédales. Le dispositif modifie, déforme et répète ce que le pianiste joue sur le piano à queue, et le pianiste à son tour intervient dans cette transformation du son. L'interlocuteur informatisé du pianiste est programmé par le compositeur, il ne peut pas répondre librement et n'est donc qu'un partenaire d'apparence plutôt qu'un alter ego: Soliloque. La partie de piano se compose de quelques éléments de base simples, qui varient dans des constellations toujours nouvelles et qui sont mis en lumière changeante par l'électronique - une conversation circulaire et pourtant changeante sur les mêmes thèmes et questions.

Cinquième pour quatuor de bassons (2008)
Comment un quatuor peut-il porter le titre Cinquième (cinq) venir? Le formulaire se compose de cinq structures de base qui sont répétées cinq fois en séquence. La structure temporelle superposée à ce formulaire se compose de cinq durées différentes. Cependant, cela ne décrit que la grille extérieure de la musique. Les quatre bassons agissent le plus souvent comme un collectif, se renforcent, se multiplient jusqu'à des sons multiphoniques, se complètent, s'étendent, se superposent puissamment ; à un rythme impétueux, dans un élan nerveux, mais aussi avec beaucoup de calme. Et parce qu'ils travaillent ensemble si intensément, quelque chose de nouveau émerge, des quatre sur cinq.

Trio fluide pour violon, violoncelle et piano (2009)
Il y a trois éléments très différents qui coulent dans le sens le plus large : des sons soutenus, des mélodies étendues et une phrase souvent répétée de la musique des Ländler suisses. Tous ces éléments sont très variés et superposés. Les tenuti commencent à bouger, subissent des transformations rythmiques, deviennent bruyants. Les mélodies font des sauts exaltés, reçoivent de nouveaux timbres, s'atomisent en élans frénétiques. La figure triviale de Ländler devient trop longue, est pourvue d'accents obliques, est déformée dans l'atonal. Parfois, des contre-figures courtes, parfois violentes, apparaissent, à partir desquelles se forme la fin improvisée, qui mène à un autre monde.

Max E Keller