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LIBERTÉ ET RESPONSABILITÉ Comme Werner Heider en 2006, à l'occasion de la création de son œuvre orchestrale architecture à Munich musique viva, interrogé sur les idées métaphysiques ou symboliques qui se cachaient derrière le plan formel, il étonne son homologue par une réponse très claire : « Ma pièce est tout simplement une composition d'architecture musicale. Rien d'autre ne doit être gardé secret, et il n'y a pas de comparaisons extra-musicales. » Une déclaration qui, au-delà de l'occasion spécifique, désigne également un moment essentiel dans la musique de Heider. Car même si nombre de ses œuvres s'inspirent d'autres formes d'art, de sujets autobiographiques ou privés, et parfois même reflètent des événements historiques contemporains - à la fin du processus de création, il n'y a pas d'énoncé idéologique, pas de spéculation philosophique sur les tons, mais une pièce d'une musique autonome et absolue. Heider s'est engagé à "exiger de la musique pour des gens exigeants" et faire des concessions à tout type de goût du public lui est étranger. Et pourtant, avec son travail considérable, il a laissé sa marque sur la vie culturelle franconienne pendant des décennies en tant que pianiste, chef d'orchestre et directeur de longue date de «l'ensemble ars nova nürnberg». Pour de nombreuses personnes dans la région métropolitaine de Nuremberg, le nom Heider est devenu synonyme de musique nouvelle, et son sourire espiègle, ses yeux brillants et alertes, encadrés par une touffe de cheveux blancs, le visage de l'avant-garde. La musique a toujours été son élixir de vie. Né à Fürth en 1930, l'image d'un orchestre de café avec saxophone et batterie est l'un de ses premiers souvenirs d'enfance. Là où d'autres enfants rêvent d'un petit train, Werner, quatre ans, voulait une batterie pour Noël. Cette affinité pour le rythme lui est restée ; à ce jour, il note souvent une première partition rythmique d'une nouvelle composition. Après la guerre, Werner Heider forme un groupe, joue pour les troupes américaines et découvre Benny Goodman, Stan Kenton et Woody Herman ; il dira plus tard qu'il avait « un sens primaire du jazz ». Parallèlement, le jeune homme de 15 ans suit également des cours de composition classique auprès de Willy Spilling, qui devient plus tard chef du département de musique au BR Studio de Nuremberg, et étudie en 1951 le piano, la direction d'orchestre et la composition à Munich. Cependant, les impulsions excitantes ne sont pas venues du professeur plutôt conservateur Karl Höller, mais des visites aux cours d'été de Darmstadt. Là, Heider s'immerge profondément dans le monde de l'avant-garde d'après-guerre, sans jamais se laisser prendre par une école. Il a conservé son indépendance intellectuelle ; dans sa mine d'anecdotes, Mauricio Kagel et Bruno Maderna (qui dirigeait sa musique) côtoient Chet Baker et le Modern Jazz Quartet (pour qui il a composé). Il a également souffert de cette polyvalence, dit Heider ; un compositeur contemporain qui fréquente un club de jazz était alors considéré « comme un moine qui va au bordel ». La liberté a toujours été une priorité absolue pour Werner Heider. C'est ainsi qu'avec une bonne dose de persévérance, de force de persuasion et un réseau qui transcende les frontières étroites de la nouvelle musique, il réussit aussi l'exploit de mener une vie de compositeur indépendant, indépendant des contraintes institutionnelles. Il est rapidement reconnu pour cela, entre autres par une double bourse pour la Villa Massimo à Rome, les prix de la culture des villes de Nuremberg, Fürth et Erlangen (où il vit depuis 1958) ou le prix Wolfram von Eschenbach ; depuis 2019, il est également membre honoraire de l'Académie bavaroise des beaux-arts. Ses performances avec « l'ensemble ars nova nürnberg », qu'il a fondé en 1968 – bien avant l'existence de l'Ensemble Modern ou de l'Ensemble intercontemporain, sont devenues légendaires. Heider est resté ici sur le podium pendant près d'un demi-siècle, a créé d'innombrables œuvres de lui-même ainsi que d'autres, puis les a enregistrées pour la radio bavaroise - avec des gestes de direction très précis et précis qui vibraient également d'énergie, ce qui en dit long sur son pensée musicale. Car les compositions de Heider sont toujours caractérisées par des structures claires, même si elles s'appuient rarement sur des modèles formels traditionnels. En même temps, malgré toute l'abstraction, le moment communicatif est au premier plan ; sa musique, de la pièce soliste à l'œuvre orchestrale, a toujours un effet tridimensionnel et se caractérise par l'immédiateté gestuelle. C'est donc une expérience chaque fois que Heider parle d'une pièce en cours de création et commence ensuite à imiter ce geste musical – en fredonnant, en chuchotant, en chantant ou en traçant avec ses mains. Bien sûr, l'œuvre d'art totale de Werner Heider peut être ressentie plus directement lorsqu'il s'assied au piano et joue sa musique. Même dans la vieillesse, il donne des récitals, où non seulement il interprète ses compositions, mais improvise également des pièces individuelles et entrecoupe des commentaires pleins d'esprit. L'enregistrement de la pièce pour piano montagnes pointues provient d'un tel concert, enregistré en 2012 au Kulturforum Fürth. La composition a été créée à un endroit beaucoup plus spectaculaire : sur le Zuspitze, en 1997 à l'occasion d'une exposition dans la maison du sommet avec les images de montagne accidentées et dramatiques du peintre de Nuremberg Werner Knaupp. La musique de Heider capture la nature élémentaire des peintures, superpose d'énormes blocs d'accords, traduit les sommets des montagnes en lignes déchiquetées et, utilisant tout le clavier, crée un large panorama entre des profondeurs ombragées et des hauteurs glacées. L'auditeur oublie complètement que cette pièce, qui semble si rhapsodique, est strictement organisée - du matériau de départ rythmique-intervalle à la grande forme de douze "blocs de montagne" et de onze "niveaux" interposés. Sans un tel plan formel, dit Werner Heider, il ne commence jamais à composer : "En fait, je pourrais appeler beaucoup de mes pièces 'Architecture' !" architecture il l'a réellement fait – et n'a pas utilisé le terme »symphonie«, par exemple, bien que la pièce comporte quatre mouvements d'une manière très classique. Le premier mouvement (»Project«) construit de manière rythmique et saisissante du dessin en une partie à la composition complexe en sept parties, analogue à un projet d'architecte. Le deuxième mouvement lent (« Statik ») dégage quant à lui une atmosphère de calme tendu ; Selon Heider, il est « en équilibre statique ». Le troisième mouvement ("Construction") correspond à l'enveloppe d'un bâtiment : il repose entièrement sur le paramètre du rythme. Les petites figures rythmiques des cordes et des instruments à vent se condensent peu à peu en polyrythmies complexes ; à la fin, trois tambours fracassants se frayent un chemin jusqu'au premier plan. Le dernier mouvement (»Interna«), en revanche, est étonnamment de la musique de chambre. Heider agit ici en tant qu'architecte d'intérieur, qui anime le bâtiment orchestral avec douze salles de même taille mais conçues différemment : cinq solistes, trois duos, deux trios et deux quatuors. Le grand orchestre ne reste qu'en arrière-plan comme accompagnement, et le tendre geste final s'éloigne nettement une fois de plus du caractère final triomphant d'une symphonie. En musique de chambre aussi, la sympathie de Heider allait à l'individu pendant des décennies : en plus de la musique pour piano, il écrivit plus de 30 œuvres solistes pour pratiquement tous les instruments courants ; ils sont souvent destinés à d'autres musiciens. D'un autre côté, Heider évitait le plus souvent les grands ensembles de musique de chambre « classique ». Dans ce contexte, il est d'autant plus frappant qu'il s'est tourné vers ces genres traditionnels dans ses œuvres tardives - la plupart du temps sans commande extérieure, suivant simplement une impulsion intérieure. En 2012, un très personnel a émergé Lamento passionné pour quatuor à cordes (après le premier quatuor de 1978), 2015 un quintette pour clarinettes, 2017 un trio à cordes, 2018 un trio avec piano et 2019 le troisième quatuor à cordes. Les deux Six propriétés pour le trio à cordes, ce sont des miniatures transparentes et réfléchies dans la tradition de la pièce de caractère. Chaque mouvement se concentre sur une caractéristique différente, du "calmo" respirant tranquillement aux accords rugueux du "collegio" et du "capriccioso" techniquement un peu plus expérimental à la fin résolue. L' »Adagio e arioso« central occupe une place particulière avec le chant mélancolique du violon : il s'agit d'une nécrologie musicale pour la femme de Heider, Lydia, décédée en 2012. Un ton pensif-mélancolique domine également ce Quintette de Clarinette, bien que, par exemple, l'introduction "Capriccio" soit à plusieurs reprises assouplie par des sections "giocoso". Dès le départ, la composition prend la forme d'un dialogue savamment emboîté entre la clarinette, traitée comme un instrument soliste (auquel sont également affectées deux petites cadences) et le quatuor à cordes. Après l'élégiaque « Notturno » (avec un « Andante sostenuto à la Chopin »), le troisième mouvement dynamique évoque à nouveau la puissance du rythme. Cependant, le fait que l'œuvre se termine par une « fin » calme et ténébreuse provoque presque une comparaison avec les quintettes automnales de Mozart et Brahms. Un critère que Heider s'est fixé tout au long de sa vie : "Chaque pièce doit être créée avec la plus grande responsabilité", confessait-il dès 1986. "En fait, je compose pour l'éternité !" Thorsten Preuss Programme:
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