York Höller : Thème - Horizon - Mythe - Péninsules noires

La musique comme parole sonore
Un portrait du poète en musique : York Höller

La percée de York Höller a eu lieu en 1967 avec la création de Topic par l'orchestre de l'Académie de musique de Cologne dans la grande salle de diffusion du WDR à Cologne. Un représentant de la maison d'édition Schott signa alors le jeune compositeur, et à l'instigation de l'éditeur musical Otto Tomek, le WDR Symphony Orchestra, dirigé par Michael Gielen, joua la version révisée de la pièce en 1970 à l'Automne de Varsovie, le Darmstadt Cours d'été et encore à Cologne. Grâce à ces performances ultérieures, Höller a trouvé d'importants interprètes en Pierre Boulez, Daniel Barenboim et Hans Zender. De plus, il a été invité par Karlheinz Stockhausen, responsable du studio de musique électronique du WDR, à réaliser sa première et unique composition pure sur bande, Horizon.

Topic (1967) est la première de nombreuses autres œuvres orchestrales de Höller et est toujours sous l'influence de ses études avec Bernd Alois Zimmermann et de l'impressionnante première de son œuvre principale Les Soldats à l'Opéra de Cologne en 1965. Les neuf sections sont de caractère différent, la dynamique, le tempo et l'instrumentation sont en partie extrêmement différents et forment une unité supérieure précisément dans leur contraste. Le talent souverain du jeune homme alors âgé de 23 ans pour manier le grand appareil symphonique et créer des arcs de tension dramatiques est indubitable. Zimmermann rappelle les attaques de fanfare aux trompettes et une certaine ouverture stylistique avec des échos occasionnels de musique baroque et jazz. En même temps, malgré toute la sauvagerie indisciplinée, atteignant parfois des niveaux catastrophiques, c'est une musique très bien planifiée. Le titre anglais de l'œuvre signifie quelque chose comme sujet ou objet de discussion et met l'accent sur les idées centrales qui déterminent l'ensemble de l'œuvre de Höller : construction claire, discours expressif, contenu poétique et l'idée de la musique comme discours sonore. Au lieu de rejeter unilatéralement l'avant-garde sérielle d'après-guerre comme d'autres compositeurs de sa génération, Höller a trouvé une combinaison individuelle de pensée structurelle avec invention spontanée et "impression auditive efficace" prenant en compte les découvertes psychologiques de la perception. Il s'est toujours inspiré d'impressions non musicales, d'idées spatiales, picturales, littéraires, philosophiques ou scientifiques qui ouvrent à l'auditeur de larges espaces d'association et d'expérience.

Très tôt, Höller s'est orienté vers l'idéal de la musique en tant qu'organisme vivant, dont toutes les composantes sont contenues dans chaque cellule ainsi que dans la structure de l'ensemble, comme dans un code génétique. De même, dans sa composition sur bande à 4 canaux Horizon (1971/72), il voulait créer un déroulement stylistiquement uniforme, semblable à un processus et, surtout, "son propre monde sonore très personnel" sans plan formel préfabriqué et en utilisant des , matériel généré et transformé purement électroniquement. À l'intersection du fini et de l'infini, le titre de l'œuvre décrit la combinaison voulue de la construction mathématique avec l'expression musicale et la forme de la pièce comme un "cercle imaginaire qui représente à la fois la fermeture et l'ouverture". Le sous-titre Musique électronique sous la forme d'un essai sur les sentiments logarithmiques, quant à lui, fait allusion à l'"Essai sur les sentiments" que le personnage principal Ulrich a l'intention d'écrire dans le roman de Robert Musil L'Homme sans qualités. Il mentionne également le fait psychophysique que la capacité des organes sensoriels humains à différencier les œuvres selon des gradations logarithmiques, qui déterminent également le timing de la pièce.

À la fin des années 1970, Höller traite des drames musicaux de Wagner ainsi que des écrits psychanalytiques de Carl Gustav Jung et de la Dialectique des Lumières écrite conjointement par Max Horkheimer et Theodor W. Adorno. Cette exploration lui a donné l'idée que la musique a des pouvoirs mimétiques et peut aider à exprimer la nature du sujet. Dans l'œuvre d'ensemble Mythos (1979/80, rév. 1995), il ne visait pas une tradition mythologique spécifique, mais le sens originel du terme en général en tant que discours ou récit. En fait, Höller appelle sa pièce "poème sonore", ce qui décrit bien le double caractère de sa musique : d'une part, c'est une structure rationnellement construite avec une grande richesse sonore et une expression directe, spontanée, impulsive ; d'autre part, c'est une musique qui a été façonnée linguistiquement sous forme micro et macro, mètre, couplets et strophes. Mythos est devenu révolutionnaire pour Höller dans la mesure où il a créé ici pour la première fois des «expériences archétypales» et des «expériences primitives» en utilisant des gestes de langage musical profilés, des personnages de conception symphoniques et des topoi instrumentaux, qui, cependant, ne se rencontrent ici que sous une forme très stylisée. : "Le travail est en partie basé sur des images poétiques familières et des personnages expressifs, tels que Ex. : Du vent, de l'eau et de la nymphe Syrinx, appel et écho du cor, gestes menaçants, aboutissant à une sorte de Marche Funèbre, nocturne argenté, ronde dionysiaque, hymne noir nocturne etc. des sons qui contrastent en partie, se fondent en partie de manière transparente ou se fondent imperceptiblement les uns dans les autres. La cellule germinale constructive des structures harmoniques, rythmiques et grandioses est une forme sonore que Höller a basée sur presque toutes ses compositions depuis son quatuor à cordes Antiphon (1976). Dans ce cas, il s'agit d'une mélodie de 34 notes, commençant et se terminant sur la même note mi bémol et passant par les 17 notes chromatiques en deux moitiés de XNUMX notes formulées différemment. Le résultat est des complexes d'accords denses et colorés chromatiquement au-delà des structures tonales ou des grappes.

Dans Black Peninsula (1982), Höller dessine un large tableau de paysages sonores océano-atmosphériques aux nuances de couleurs sombres. Il s'oriente sur les structures rythmiques du langage, les gestes expressifs et les images poétiques du poème Die Nacht (1911) du poète expressionniste Georg Heym. Au-dessus d'une pédale électronique et de cordes graves en forme de grappe se trouve le poème, chuchoté par une voix de femme et modifié jusqu'à l'incompréhensible, avec des chœurs féminins fantomatiques et des sons de cloche irréels comme s'ils provenaient d'îles lointaines. Le matériau langagier du texte est systématiquement musicalisé en un « poème sonore » et ne devient compréhensible que vers la fin. Dans une lettre à Höller, Karlheinz Stockhausen, le dédicataire de l'œuvre, a été impressionné par la "riche palette de couleurs" et la "chronologie étendue".

Rainer Nonnenmann