Testo informativo:
25 ANNI COLLEGIUM NOVUM ZURIGO Il Collegium Novum di Zurigo è stato fondato nel 1993. In un processo graduale, l'ensemble si è formato attorno a un nucleo di pochi musicisti. La CNZ riuscì presto ad affermarsi con una propria serie di concerti, ricevette il sostegno della città di Zurigo e ottenne anche riconoscimenti internazionali. Il suo profilo artistico è stato plasmato dai rispettivi direttori artistici, ai quali è stata trasferita la responsabilità del programma: Armin Brunner (1995-1997), Michael Haefliger (1997-1999), Patrick Müller (1999-2004), Christian Fausch (2005-2010 ), Jens Schubbe (dal 2010). Nonostante tutte le sue accentuazioni, una costante è rimasta per tutto il quarto di secolo della sua esistenza. Il CNZ si è sempre visto come un ensemble che intende la musica contemporanea come il risultato di sviluppi storici e vede il suo compito nel presentare la musica attuale da un lato, e dall'altro mettere costantemente in discussione la musica degli ultimi decenni. Le registrazioni raccolte in questo CD sono registrazioni di concerti e documentazioni esecutive degli anni dal 2013, che sono rappresentative dell'identità programmatica dell'ensemble, con l'accento sulle anteprime e prime esecuzioni in questa selezione. Vinko Globekar: L'esilio #2 La musica di Vinko Globokar è sempre mondana, reagisce alla realtà, si posiziona. La sua musica è spesso estremamente gestuale, fonde azioni strumentali, vocali e sceniche e riduce i confini di genere. Ciò si riflette anche nelle tre composizioni sul tema »Exile«, che Globokar presenta dal 2012: L'esilio #1 è un lavoro per voce e cinque strumentisti. L'esilio #2 si basa su questo concetto, ma include un insieme più ampio. L'esilio #3 è concepito come un oratorio di grande formato. il L'esilio #2 il testo sottostante è assemblato da 37 frammenti di testo, il globokar della raccolta Cent poèmes sur l'exil e che sono stati in parte tradotti dal francese (a cui sono stati per lo più tradotti) in altre sei lingue: sloveno, tedesco, spagnolo, inglese, russo, italiano. Esperienze, immagini, situazioni ed emozioni che caratterizzano l'esilio riaffiorano nelle singole frasi. Tuttavia, non sono presentati, ma esposti in un modo che costringe l'ascoltatore nel ruolo dell'esule: soprattutto, attraverso la trasformazione dei testi in lingue diverse, l'ascoltatore si confronta con un miscuglio babilonese di lingue, come potrebbe appaiono allo straniero che deve orientarsi in un paese sconosciuto. La parte solista è inizialmente seguita da singole parti strumentali, ognuna delle quali si articola in un proprio linguaggio. A poco a poco la trama si fa più densa, le singole voci si fondono in cori. Allo stesso tempo, il confine tra suono strumentale e vocale diventa più permeabile e sempre più performativi, gli elementi teatrali si mescolano a ciò che sta accadendo. Le forme estreme di articolazione evocano confusione, paura, insicurezza e disperazione. Ma ci sono anche momenti di chiarezza, di salvezza, piccoli dialoghi che possono essere i primi passi verso la comprensione in una nuova lingua. Jens Schubbe Sascha Janko Dragicevic: Eruzione cutanea In Eruzione cutanea per grandi ensemble e live electronics, mi sono occupato dell'emergere e della decostruzione di contesti formali attraverso la giustapposizione diretta di periodicità e aperiodicità. La reciproca stranezza di questi due poli è rafforzata dal fatto che non si fondono l'uno con l'altro attraverso transizioni fluide, ma sono montati saldamente e direttamente l'uno sull'altro. Questo tipo di stranezza nella concezione della formazione della forma evoca fin dall'inizio una certa inconciliabilità, che può anche essere percepita come contorni duri e nitidezza. La massima aperiodicità è rappresentata in questo pezzo da un suono idealizzato di "rumore bianco". Questo suono viene ripetutamente prodotto dallo strumento »Rauschrad«, che è stato appositamente sviluppato e costruito da Stefan Roszak per questo pezzo. L'insieme risponde con periodi permutanti, chiaramente definiti. Questi sono costruiti da cellule motiviche minuscole e molto semplici. I live electronics intervengono, per così dire, nelle vicende musicali enfatizzando i singoli strumenti in variazioni relativamente brevi e manipolandoli attraverso processi di alienazione. Questo accesso dall'esterno sembra avere un effetto corrosivo sulla formazione dei contesti formali. Ma consente anche un'altra forma di percezione del tessuto musicale, simile a un puzzle di immagini, attraverso un costante cambiamento della prospettiva di ascolto. Alla fine c'è una transizione graduale dalla periodicità all'aperiodicità all'interno di un'azione sonora delle "ruote del rumore", innescata da un impulso violento che termina in "rumore bianco". Sascha Janko Dragicevic Martin Giaggi: Uxul Uxul è la parte conclusiva di un ciclo di opere con calchi diversi che trattano delle prime civiltà: di quel momento storico in cui emersero le prime città, forme organizzate di società con strutture gerarchiche, politica, economia, religione e si formarono i primi stati. Ciò è avvenuto indipendentemente in sei luoghi: Egitto, Mesopotamia, Indo, Cina, America centrale e Ande. In tutte queste opere, il materiale di base è dato dalla musica più antica ancora viva nelle rispettive regioni. Quindi non si tratta di una mistica rianimazione della musica, ma di uno sguardo alle vecchie tradizioni, che spesso continuano ad esistere nel nostro tempo e talvolta si discostano molto da ciò che è generalmente noto con il termine "world music". L'ultima parte di questo ciclo sciolto riguarda l'America centrale. La prima cultura trovata lì è quella degli Olmechi, che visse dal 1500 al 400 aC circa. lungo la costa del Golfo del Messico. I loro lasciti culturali più noti sono diverse teste colossali. Per il resto si sa poco, e dato che tutti i siti olmechi hanno nomi spagnoli, ho deciso di dare al pezzo il nome di un antico sito maya. Uxul è un antico insediamento Maya nella regione di Campeche in Messico. Uxul significa "alla fine", fornendo così un titolo appropriato per il pezzo finale del ciclo. Durante gli scavi archeologici in America centrale sono stati portati alla luce una varietà di strumenti, molti dei quali in ottime condizioni. Si tratta principalmente di un'ampia varietà di flauti, strumenti simili a trombe e strumenti a percussione. Il materiale armonico del pezzo si basa sui toni che questi strumenti potrebbero apparentemente produrre. Inoltre, alla batteria u. utilizzava strumenti originari dell'America centrale, come il tamburo a fessura e il güiro. Inoltre, i bonghi ricordano il suono dei gusci di tartaruga, che venivano usati come percussioni. Probabilmente la cultura musicale più originale dell'America centrale è stata conservata dai Maya in quella che oggi è la zona di confine tra Messico e Guatemala. È stato solo qui che ho trovato la musica quasi del tutto incontaminata dalle influenze spagnole e occidentali - una rarità in un'America in cui le tradizioni native sono state sradicate dai colonialisti con maggior successo che altrove. La roba da Uxul è una piccola selezione di punti salienti personali della mia ricerca. Martin Jaggi Marco Nikodijevic: Gesualdo Dub / Stanza con personaggio cancellato Molte delle opere di Marko Nikodijevic fanno riferimento a musica esistente, a materiale straniero. Anche il titolo dice tutto: cvetić, kućica… / gondola la lugubre – Musica funebre per orchestra secondo Franz Liszt, Carillon / Autoritratto con Ligeti e Stravinskij (e c'è anche Messiaen), Tombeau di Claude Vivier , Gesualdo Dub. Uno degli aspetti affascinanti e misteriosi della sua musica è che in queste evocazioni dell'altro, ciò che è suo appare ancora più chiaramente. In molte delle opere di Nikodijevic - anche in Gesualdo Dub – singole parti o frasi sono designate come »stanze«. Queste "stanze" ci mettono di fronte a una, a volte a più, situazioni tonali che vengono cerchiate con insistenza. Moritz Eggert ha parlato giustamente di "immergersi in un momento di suono" che può dispiegare un effetto incredibile. In Gesualdo Dub / Stanza con personaggio cancellato questo ha avuto particolare successo. Il nucleo dell'opera è un pendolo semitono, la cui origine si trova all'inizio del madrigale di Gesualdo Moro, laccio, al mio duolo si ritrova, in quel movimento cromatico discendente così tipico del madrigale. A questa figura – la cifra del dolore e del lamento per eccellenza – sono attaccati materiali sonori come relitti, dapprima quasi impercettibili. Avvolgono la figura, assumono una vita propria, luccicano e vibrano, dispiegano un'aura, creano spazi sonori. Se l'inizio assomiglia a una graduale dissolvenza in apertura, ci ritroviamo in una "stanza buia". La musica di una terza stanza sembra allucinata, i cui contorni si confondono come se la percepissimo sotto l'acqua impetuosa. "Dolce profumo dai tempi delle fiabe" riempie la quarta stanza con i suoi suoni di fanfara e il pianto di glissandi del gabbiano, prima che la morbidezza permanente sia attraversata da campane abbaglianti estatiche nella sezione finale. Jens Schubbe Programma:
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