Testo informativo:
DOMENICO SCARLATTI E LA MODERNITÀ DEL PORTO Domenico Scarlatti può certamente essere considerato un caso unico nella storia della musica sotto un aspetto: la suddivisione della sua intera opera in un primo periodo di composizioni vocali, opere e oratori (tutti composti in Italia) e un secondo periodo di opere per clavicembalo, composte dal 1738 circa, anno di pubblicazione del 30 Esercizi sulla penisola iberica. È noto che Scarlatti era al servizio di Maria Bárbara del Portogallo. Si può dire con certezza che dovette essere stato un vero virtuoso del clavicembalo già prima, perché la scrittura delle sue composizioni per clavicembalo (che vengono tutte chiamate sonate) testimonia il suo inconfondibile sentimento per le particolarità dello strumento. Qualcuno che ha scritto in modo così idiomatico per il clavicembalo deve averlo padroneggiato lui stesso come suonatore, sicuramente fin dalla giovane età. Sono stati conservati anche i commenti corrispondenti dei suoi contemporanei sul suo modo di suonare il clavicembalo. Tuttavia il fatto che abbia iniziato a comporre per questo strumento solo nella seconda fase della sua vita lascia un po' perplessi. Certamente Maria Bárbara potrebbe aver chiesto sempre più pezzi – e Scarlatti ha soddisfatto. Ciò può aver stimolato la sua fantasia verso nuove idee, ma resta strano il fatto che non abbia voluto rivolgersi al “suo” strumento in Italia. Secondo l'elenco Kirkpatrick, 555 sonate costituiscono l'eredità compositiva di Scarlatti per clavicembalo. Chiunque abbia mai dovuto scegliere uno, due o tre brani da questo enorme compendio conosce la difficoltà di dover scegliere l'uno o l'altro. La ricchezza di idee, la gioia di suonare, il virtuosismo, l'austero idioma spagnolo o il canto rendono difficile per il musicista prendere una decisione su determinati brani. Scarlatti ti lascia sempre desiderare di più! I quattro compositori del XX e XXI secolo che si uniscono a Domenico Scarlatti in questo programma non potrebbero essere più diversi tra loro: Richard Strauss come post-romantico, Isang Yun con la sua affascinante austerità tonale, Jukka Tiensuu come moderno antipodo di Scarlatti in le sue due qualità di clavicembalista e compositore allo stesso tempo e infine Minas Borboudakis, i cui ritmi energici sembrano fatti su misura per il clavicembalo. Per questi quattro compositori, le sonate di Scarlatti fungono da ponti tra loro, simili ai movimenti della Promenade nell'opera di Mussorgsky. immagini di una mostra. Le due sonate in Fa maggiore K 205 , 296 In questa combinazione si formano due elementi contrastanti, come fece Isang Yun nel suo pezzo composto nel 1966 Shao Yang Yin fornisce: "Shao Yang Yin, il titolo cinese della composizione, suggerisce di pensare ai grandi opposti complementari (›Yang Yin‹) degli insegnamenti taoisti. Tuttavia l'aggiunta 'Shao' (= piccolo, leggero) rende chiaro che i contrasti della vita quotidiana (stati d'animo, stati d'animo, passaggi del tempo) vengono trasferiti nel musical", afferma il compositore nella prefazione alla prima edizione. Come tante altre opere del XX secolo, questa è stata scritta su commissione per la mecenate e clavicembalista svizzera Antoinette Vischer. Prima di iniziare il suo lavoro, Yun scrisse a Vischer: "Non conosco […] abbastanza lo strumento" (vedi prefazione di Edith Picht-Axenfeld / Walter-Wolfgang Sparrer alla nuova edizione). Ciò sembra essere una buona cosa, perché Yun rinuncia completamente al trattamento dello strumento come uno strumento ritmicamente distintivo ma uniformemente fluido, che si trovava spesso nel 20° secolo. Ciò che sembra essere "contro" la natura dello strumento, vale a dire la mancanza di rigore ritmico, si rivela un affascinante colpo di fortuna: la musica si stacca dai suoi predecessori compositivi, soprattutto quelli del XX secolo, rinuncia a tutto " neobarocco" e vince ottenendo così l'indipendenza. Il lato galante di Richard Strauss si ritrova in molte delle sue opere: in RosenkavalierIn Don Chisciottenel burlesco e Don Juan, per citare solo alcuni esempi. Non sorprende quindi che nel 1923 ne abbia ricevuto uno Suite da ballo basata su brani per pianoforte di Couperin per orchestra, musica che certamente corrispondeva alla sua indole galante. Lo stesso François Couperin era forse il maestro di clavicembalo più rispettato in Francia all'epoca, in un'epoca in cui Scarlatti godeva di una reputazione simile nel sud dell'Europa. IL Sonata K 114 è caratterizzato da una particolare stravaganza e gioia dell'innovazione ed è sicuramente una delle opere più audaci di Scarlatti. La Suite di Strauss non era originariamente intesa come pezzo solista per clavicembalo: le tre danze, Passepied, Gigue e Tempo di Gavotta, sono composte da violino, violoncello e clavicembalo come musica di scena per l'opera. Capriccio destinato. La clavicembalista della prima viennese dell'opera, Isolde Ahlgrimm, raccomandò a Strauss di eseguire queste tre danze nella sua serie "Concerti per intenditori e amanti". Ahlgrimm disse al compositore che non suonava musica da camera, al che lui rispose che poteva suonare la suite da sola. Quando lei commentò che non aveva un vero finale, Strauss le assicurò che ne avrebbe scritto uno (vedi Dr. Rudolf Scholz, prefazione all'edizione, Schott Verlag). Dobbiamo la trascrizione per clavicembalo solista delle danze a Isolde Ahlgrimm, mentre la cadenza finale è stata originariamente composta per questa versione da Richard Strauss. Nei suoi studi, Jukka Tiensuu unisce l'arguzia e una profonda conoscenza del clavicembalo dello strumento. Quest'ultimo non sorprende, poiché lo stesso Tiensuu è un favoloso clavicembalista che padroneggia le opere letterarie più difficili (Xenakis, Sciarrino) inimitabili. Negli Studi rinuncia ai diversi stati d'animo dei registri, come fa nei suoi Fantango prescrive. Similmente agli studi di Chopin, ciascuno dei brani affronta un problema tecnico specifico. La somiglianza dei titoli e l’ordine veloce-lento-veloce creano il quadro drammaturgico. La locomotiva dentro provare si precipita verso la meta incontrollato e tuttavia un po’ patetico riguardo al proprio “destino”. Una brusca frenata lo ferma appena prima che possa oltrepassare il bersaglio. grano (Körner) è, difficilmente lo sentirete, il più complesso dei tre brani. È una struttura composta da più segmenti ritmicamente molto diversi. Le singole ripetizioni di toni o le combinazioni di toni suonano sempre nello stesso motivo ritmico. Le esigenze poste al musicista in termini di controllo vocale indipendente non hanno eguali. scolare Si tratta, infine, di uno studio da tour de force che Scarlatti avrebbe sicuramente apprezzato. Cascate tonali estremamente veloci, interrotte da brevi passaggi tonali e accordali ripetitivi, si accumulano in agglomerati di suoni o sfrecciano attraverso l'intera tastiera. Che sollievo per il giocatore quando dopo poco meno di due minuti i tre profondi H' può essere raggiunto! Quelli che precedono gli studi di Tiensuu Sonate K 516 , 517 sono un tipico esempio dell'accoppiamento scarlattiano di due pezzi della stessa tonalità nell'ordine lento-veloce. Come tutti i brani dell'opera tarda, sono caratterizzati da un'estrema riduzione e concentrazione dei mezzi. È mantenuto completamente diverso Sonata in do minore K 115. Non solo i rigogliosi accordi dissonanti sono caratteristici di questo periodo creativo, ma l'idioma spagnolo è particolarmente evidente. Pertanto era logico avere un pezzo del genere Omaggio a Picasso, che Minas Borboudakis scrisse per me nel 2003. Borboudakis si è ispirato al dipinto “Guernica” per il suo pezzo. La città basca di Guernica fu completamente distrutta dalle forze aeree tedesche e italiane nel 1937. Picasso ha quindi creato un quadro complesso ed enorme. Il fatto che in esso appaia il toro o Minotauro, caro al pittore, probabilmente non è irrilevante per Borboudakis: il compositore, originario dell'isola di Creta, incorpora spesso nelle sue opere idee dell'antica Grecia e l'eredità della cultura minoica . Il Minotauro, una creatura metà toro e metà umana, rappresenta la crudeltà, eppure non è responsabile della sua creazione. È brutalità, creata dagli esseri umani e, secondo la leggenda, potrebbe essere risolta solo da mani umane. Anche in questo caso la musica di Borboudakis è brutale e inflessibile. La severità del ritmo è scritta appositamente per lo strumento. La musica vaga senza sosta, intrappolata nella sua disperazione. I brevi momenti lirici della sezione centrale non mirano a creare bellezza, sono caratterizzati dalla paura. Alla fine del brano, il clavicembalo, amplificato elettronicamente, dovrebbe aumentare il volume fino all'assurdo. Andreas Skouras Programma:
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