Marcela Pavia – Max E. Keller: Tonhalle Orchestra Zurich, David Zinman, Duo46, Trio Flair, Quadriga Fagott Ensemble, W. Bärtschi, L. Cella, E. Flückiger, VJ Gloor, M. Gould, G. Kanasevich, P. Kleemola

Musiche di Marcela Pavia e Max E. Keller

Nonostante le diverse origini, la musica di Marcela Pavia e Max E. Keller è caratterizzata da una chiarezza espressiva senza compromessi, che non rifugge da tagli duri e gesti aggressivi, ma allo stesso tempo lavora con timbri sottili e innovativi. Nessuna arbitrarietà non vincolante: si tratta di necessità interiore e di veridicità, spesso articolate in ripetizioni insistenti e indagatrici con variazioni in evoluzione. I tabù dell'avanguardia, come evitare il ritmo evidente, vengono messi in discussione o addirittura messi in discussione.

Marcello Pavia

Tranne Nayla Tutte le opere contenute in questo CD sono state create recentemente come opere commissionate dagli artisti che le hanno anche registrate. Il loro linguaggio musicale ha una cosa in comune: l'esplorazione del timbro in modi diversi. Alcune tessiture vengono utilizzate nel senso di suoni complessi e diverse manifestazioni di risonanza, risultando in una miscela di intervalli e campi spettrali. Ciò a sua volta dà origine a una varietà di significati poetici. Il suono genera forma sia a livello micro che macro.

A volte i suoni complessi creano un impulso regolare e possono essere utilizzati anche in un lavoro solista Nayla sorgono poiché il tempo e la polifonia lineare producono uno spettro unico, consentendo all'ascoltatore di percepire fenomenologicamente le onde e le bande di vibrazione. D'altra parte, la risonanza, che crea diversi livelli di percezione, rende udibile l'accordo o la discrepanza tra la risonanza (i toni che continuano a suonare e diventano così lo spettro) e il movimento lineare. Altre somiglianze caratteristiche riguardano l'importanza gestuale degli “oggetti sonori”, ma anche il loro significato come momento in tempo reale. Lo sviluppo formale è spesso a spirale, caratterizzato da un forte movimento ritmico, da figure sintattiche ossessive e da gruppi tonali ricorrenti.

Flair è dedicato al Trio Flair. È un acronimo derivato dalle consonanti dei tre cognomi degli artisti (Flückiger/Läderach/Rütsche). La parola ha molte connotazioni diverse, sia in inglese che in tedesco. Alcuni si adattano bene all'ensemble, come ad esempio: B. Talento naturale, talento, abilità, senso dello stile, aspetto o acutezza percettiva e giudizio. In generale, è la natura flessibile di questa parola che riflette l'anima del trio.

Nayla è un antico nome arabo dal suono particolare che richiama il nome di un'antica divinità che proviene da un luogo lontano. Queste e una miriade di altre immagini ombra derivano da questo potente simbolo ancestrale. Lisa Cella ha accettato la sfida di un pezzo indisciplinato che non concede una pausa all'esecutore e all'ascoltatore nessuna possibilità di sfuggire al vortice di note che gradualmente maturano in spettri.

Per un addio è basato sul terzo verso della poesia omonima di Gabriela Fantato. La composizione è dedicata a Esther Flückiger, che oltre al suo grande talento musicale sa anche di cosa parla la poesia.

I mittenti sono bifurcani (dedicato al Duo46) è anche metafora del rapporto dialettico tra due strumenti (violino e chitarra) così come degli stessi interpreti. La bellezza ultraterrena degli armonici di Matt Gould e la capacità quasi proverbiale di modulare di Beth Schneider danno vita ad un dialogo vivace come solo loro possono farlo.

La Banshee è appassionata è il quarto pezzo di un ciclo la cui idea poetica evoca le fate che vivono nelle isole britanniche. Il trattamento della risonanza in modi diversi è la caratteristica tecnica generale dell'opera dedicata a Patrik Kleemola. È un tributo al suo talento musicale e alla sua empatia.

amancay è il nome di un fiore argentino che cresce in Patagonia. Il pezzo ricorda gli schemi ritmici della musica popolare per chitarra, che si intrecciano costantemente con le linee del clarinetto. Il pezzo è dedicato a Matt Gould, ed è ammirevole come affronta la costante sfida dialettica del clarinettista Gleb Kanasevich con enorme sensibilità ritmica.

Marcello Pavia

Max E Keller

tenuto, battuto, fulminante per orchestra sinfonica (2001)
Il ritmo pulsante è un archetipo musicale che le avanguardie hanno a lungo bandito. È diventato ancora più decisivo nella musica popolare: il ritmo è essenziale anche nello "swing" del jazz. tenuto, battuto, fulminante Non evitatelo, ma mettetelo al centro, in contrasto con il suono sostenuto. Il tenuto nasce nelle posizioni estreme, si sposta verso il centro nel corso dell'opera, ma si ritira sempre nelle regioni periferiche. Il contro-principio pulsante è articolato in schemi ritmici che vanno da una “colorazione” delicata, appena percettibile, dei suoni bugiardi al tutti dal suono pieno, spesso in più strati. Entrambi i poli sono progettati con la massima differenziazione strutturale e tonale, con la combinazione di strumenti che prende anche percorsi insoliti. Un terzo elemento fondamentale sono i movimenti di corsa rapidi e rumorosi che colpiscono all'improvviso come un fulmine (fulmine) all'improvviso, gettando l'evento sotto una luce diversa.

soliloquio per pianoforte e live electronics (2006)
Oggi la macchina diventa sempre più il partner di conversazione dell'uomo, anche in soliloquio. Un piccolo dispositivo digitale è posizionato direttamente sul pianoforte a coda e viene azionato dallo stesso pianista principalmente con due pedali. Il dispositivo cambia, deforma e ripete ciò che il pianista suona sul pianoforte a coda, e il pianista a sua volta interviene in questa trasformazione del suono. L'interlocutore computerizzato del pianista è programmato dal compositore; non può rispondere liberamente ed è quindi solo apparentemente un partner, più che altro un partner alter ego: Parlare di sé. La parte del pianoforte è composta da pochi e semplici elementi di base che si muovono in costellazioni in continua evoluzione e sono posti in luce mutevole dall'elettronica: una conversazione circolare ma mutevole sugli stessi argomenti e domande.

Cinque per quartetto di fagotti (2008)
Come può un quartetto ottenere il titolo? Cinque (cinque) vieni? Il modulo è costituito da cinque strutture di base, che vengono ripetute cinque volte in sequenza. La struttura temporale sovrapposta a questo modulo è composta da cinque diverse durate. Ma questo descrive solo la griglia esterna della musica. I quattro fagotti agiscono per lo più come un collettivo, rafforzandosi a vicenda, moltiplicandosi in suoni multifonici, completandosi a vicenda, espandendosi, sovrapponendosi potentemente; a ritmo sostenuto, con ritmo frenetico e nervoso, ma anche con grande calma. E poiché lavorano insieme così intensamente, viene creato qualcosa di nuovo, un quinto dei quattro.

Trio fluido per violino, violoncello e pianoforte (2009)
Ci sono tre elementi molto diversi che fluiscono nel senso più ampio: suoni sostenuti, melodie espansive e una frase spesso ripetuta della musica country svizzera. Tutti questi elementi sono molto vari e sovrapposti. I tenuti cominciano a muoversi, acquisiscono trasformazioni ritmiche e diventano rumorosi. Le melodie si trasformano in salti esaltati, acquisiscono nuovi timbri e si disperdono in corse frenetiche. La banale figura di Ländler gira troppo a lungo, riceve accenti obliqui e viene distorta in atonale. Di tanto in tanto compaiono controfigure brevi, a volte violente, da cui si forma la conclusione improvvisata, che conduce in un altro mondo.

Max E Keller