Toshio Hosokawa: Concerti per solista Vol. 2

Trasformazione e viaggi interiori

Attraverso Isang Yun, il suo primo insegnante di composizione in Germania, Toshio Hosokawa capì “cosa significa essere asiatico”. A quel tempo conobbe la nuova musica post-seriale, una musica di paesaggi sonori colorati, in cui Yun incorporò elementi stilistici dell'Asia orientale come suoni lunghi e sostenuti, vari tipi di glissando e pizzicato e innumerevoli ornamenti. Mentre Yun gli insegnava il funzionamento di Yin e Yang nella musica, apprendeva l'estetica del silenzio attraverso Tôru Takemitsu, che fu per lui un modello per anni e che conobbe anche personalmente all'inizio degli anni '1980, cosa essenziale per lo sviluppo di il suo stile personale divenne.

»Silenzio o vuoto – anche quella può essere un'ombra. Silenzio e suoni, ombre e luce: anche questo è yin e yang. Puoi interpretarlo in molti modi diversi... Takemitsu mi ha influenzato molto qui; Richiedeva suoni "forti come il silenzio". Un'altra influenza venne da Helmut Lachenmann: suoni rumorosi e alienati contribuirono a far sì che l'apparato orchestrale diventasse uno strumento per un proprio linguaggio musicale speciale, con Hosokawa che differenziava in particolare la sezione del pianoforte e la sviluppava ulteriormente. Hosokawa riesce ad avvicinare i timbri dei singoli strumenti e dei gruppi di strumenti in modo tale da creare un colore uniforme e omogeneo e i suoi tutti orchestrali spesso sviluppano un suono respiratorio simile a un organo.

Takemitsu ha anche promosso Hosokawa praticamente dandogli esibizioni ai festival di Tokyo 1982 (Music Today), Londra 1991 e Seattle 1992. La sua morte il 20 febbraio 1996 (solo pochi mesi dopo la morte di Isang Yun, avvenuta il 3 novembre 1995) causò una costernazione che portò a due composizioni commemorative: il Requiem fu scritto per il coro di bambini "Little Singers of Tokyo". Alberi cantanti (1996/97) e come opera commissionata per un concerto-ritratto alla Suntory Hall di Tokyo nel 1997 Concerto per violoncello – In memoria di Tôru Takemitsu (1997). Anche questa seconda composizione in memoriam, che Hosokawa scrisse per Takemitsu, appare come una sorta di requiem.

L'opera, presentata in anteprima il 6 ottobre 1997 da Julius Berger e la Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra diretta da Naohiro Totsuka, è composta da quattro parti, che forse suggeriscono una storia di vita. Toni lunghi che salgono gradualmente sono giustapposti ad un secondo livello di suoni terrosi e profondi; Un tutti catastrofico conclude la prima parte. Il violoncello domina anche la seconda parte, che incorpora vari effetti di pizzicato e gesti di caduta. La terza parte lenta appare collettivamente oscura, in cui emergono e dialogano con il violoncello i singoli suoni dell'orchestra, che simboleggia la natura e il mondo esterno. Sulla cadenza solista del violoncellista appare un'elevazione; l'ascesa ad un mondo superiore, lontano da questo mondo, è almeno accennata.

Come Voyage Hosokawa descrive una serie di concerti solistici in cui il solista, il sé lirico, non si confronta con un'orchestra, ma con la formazione più piccola di un ensemble strumentale. Voyage Qui significa “viaggio verso l'interno”, una meditazione respiratoria in cui la tecnica del “circolare il tempo”, dell'“andare e venire”, dell'espirare e dell'inspirare è essenziale per l'organizzazione compositiva del suono in movimento.

Viaggio VII per tromba e archi con percussioni (2005), un'opera commissionata dal Norddeutscher Rundfunk (per la serie di concerti 'das Neues werk'), è stata eseguita ad Amburgo il 17 luglio 2005 da un ensemble dell'Accademia dell'Orchestra dello Schleswig-Holstein Anteprima del festival musicale diretto da Toshio Hosokawa. Ha dedicato Viaggio VII il solista di questa prima, il trombettista Jeroen Berwaerts dal Belgio.

All’inizio, Hosokawa “dipinge” i rumori del vento, suscitando effetti armonici eterei dalle corde che scivolano lentamente. Hosokawa sviluppa abilmente la voce (inizialmente armoniosa) della tromba. Collega le frasi inizialmente più brevi in ​​formazioni melodiche più lunghe e più finemente intrecciate, culminando in un importante climax drammatico. Una coda porta il ritiro all'interno.

Metamorfosi per clarinetto e orchestra d'archi con percussioni (2000) è stato scritto per il Festival di Lucerna, che nel 2000 aveva come motto “Metamorphoses”. Sabine Meyer, a cui è dedicata l'opera, ha eseguito la prima esecuzione con la Chamber Orchestra of Europe sotto la direzione di Heinz Holliger. In questa composizione l'orchestra d'archi è integrata da un'orchestra di eco (sei violini, violoncello, contrabbasso) per ottenere effetti sonori acustici ambientali differenziati. (Nel concerto per violoncello, Hosokawa utilizza anche un gruppo di eco, un'eco degli ottoni). Anche questo pezzo segue una drammaturgia crescente e crea l'impressione di un dramma che si svolge senza parole. Il titolo Metamorfosi Hosokawa si riferisce alla giustapposizione e alla combinazione, alla crescita e alla rete di cellule musicali: registri alti e bassi, gesti ampi verso l'alto, pause, cantabile dolcemente ondeggiante, espansione oscillante nello spazio, unione con il suono orchestrale, cadenza solista e conclusione spaziale naturale .

Walter Wolfgang Sparrer