William Blank (*1957)
Testo informativo:
OPERE DI WILLIAM BLANK
È nella natura del nuovo che sfugge più o meno alle categorie stabilite. Tuttavia, sono un buon punto di partenza se vuoi avvicinarti a qualcosa di nuovo. Ha quindi senso considerare le opere del compositore svizzero William Blank, che sono state registrate qui per la prima volta tra il 2008 e il 2019, da una prospettiva di musica da camera. Sebbene non esista una definizione generalmente vincolante di musica da camera, si possono identificare alcune costanti che sono state valide dal Rinascimento ai giorni nostri: intimità, privacy, vivace interazione di strumenti solisti, armonia concentrata, ecc. Tutto questo è così universale che si trova anche da qualche parte si applica alle quattro opere su questo CD. Ma quali sono le loro particolarità?
Sebbene le formazioni da quattro a otto partecipanti siano concepite come ensemble di solisti, rivelano la pretesa compositiva di superare se stessi in termini di suono. Questa musica trasuda una generosità quasi orchestrale. Anche le configurazioni strumentali e spaziali sono troppo anticonvenzionali per essere collocate nelle vicinanze della suprema disciplina cameristica del quartetto d'archi, di cui si serviva anche William Blank. Invece di cercare l'uniformità tonale, il compositore sottolinea sempre l'individualità dei singoli strumenti. Gli ego solitari possono dispiegarsi completamente, eppure gli ampi archi rimangono intatti. La tensione espressiva della musica risulta da questa presunta contraddizione.
L'approccio compositivo è completamente diverso in ogni opera, indipendentemente dalle caratteristiche di fondo ricorrenti: in Refrain II, Blank riprende una strumentazione interamente bouleziana, la riconfigura e prende le distanze dal "modello", pur rimanendo fedele al proprio modo di scrivere. (Il modo migliore per rendere omaggio a un "predecessore" è farlo in modo diverso.) In Flow, un pezzo per quintetto, Blank esplora il ricco potenziale di una semplice figura di movimento. È molto probabile che l'intimità della musica da camera emerga nella seconda parte di OPHRYS. Il suono del flauto, rivela il compositore, gli ricorda un'orchidea che si apre, che, nonostante la sua delicata struttura, caratterizza la stanza con la sua forte presenza e intensità visiva. (a)round deve la sua disposizione alla copertura circolare di una torre silo sulle rive del Reno a Basilea, in cui ebbe luogo la prima.
La musica da camera ha da tempo cessato di essere destinata solo al salotto borghese, e la musica da camera è sbocciata nel genere sperimentale definitivo della musica classica contemporanea. Lei è, si può giustamente affermare, il fulcro della biografia di William Blank, che ha iniziato la sua carriera come percussionista e, oltre al suo lavoro orchestrale, ha suonato in varie formazioni originali. In un certo senso, la musica da camera è al centro dei suoi decenni di insegnamento all'Accademia di musica di Losanna. E quando dà un contributo compositivo a questo genere, è soprattutto per amici musicisti di lunga data. Per lui la musica da camera non ha solo una dimensione estetica, ma testimonia anche una pretesa etica. È lo sforzo costante di dare forma all'interazione umana.
Giovanni Kapp
Flow
per oboe, tromba, arpa, violino e violoncello (2008)
Dedicato a Jan Vogler
Commissionato dal Festival di Moritzburg, sostenuto dal Festival musicale di Dresda
L'opera deve il suo titolo al fatto che i numerosi episodi musicali confluiscono l'uno nell'altro senza soluzione di continuità e si articolano in modo fluido e scorrevole. Le cinque voci estremamente indipendenti sono trattate in modo estremamente flessibile; "fluiscono" piuttosto che scontrarsi, come linee che si uniscono e divergono prima di culminare in una ricca polifonia nella parte finale dell'opera. L'idea formale alla base della composizione è più quella di una continua metamorfosi - in termini di tessiture, timbri e densità espressive - che quella di un discorso concertante. Alcune voci, tuttavia, risaltano più di altre o si presentano come cadenze con brevi assoli che fungono da transizioni tra le sezioni.
OFRIS
per flauto e piccolo ensemble (2019)
Dedicato a Boris Previšić
Commissionato dai solisti pre-art, con il sostegno della Fondation SUISA
OPHRYS è concepito come un piccolo concerto e si compone di due movimenti che si fondono l'uno nell'altro. Mentre la prima - di carattere piuttosto violento - è destinata al flauto contralto, tecnicamente spinto ai suoi limiti estremi, la seconda - di carattere alternativamente sognante e cupo - è dedicata all'ottavino e al flauto normale. All'interno dell'ensemble, il sassofono, la fisarmonica e il contrabbasso sono trattati insieme come una sorta di ripieno, mentre il flauto solo entra in un dialogo con l'oboe o il violoncello che potrebbe essere descritto come un concertino. Questa struttura evoca occasionalmente il principio barocco della dialettica del concerto grosso. Tuttavia, i contrasti non sono molto pronunciati e il confine tra strumento solista ed ensemble rimane permeabile. "Ophrys" è il termine generico per diverse specie di orchidee selvatiche.
Astenersi II
per arpa amplificata, pianoforte e due percussionisti (2015)
Omaggio a Pierre Boulez
Commissionato dal Collegium Novum Zurigo, sostenuto dalla fondazione culturale svizzera Pro Helvetia
In questo pezzo faccio riferimento a sur Incises di Pierre Boulez, un'opera mastodontica per nove strumentisti (tre pianoforti, tre arpe e tre parti di percussioni). La definizione sonora di questa singolare unione strumentale sembra essere fissata una volta per tutte dalla scrittura geniale di Boulez - in particolare il modo in cui affronta il fenomeno delle risonanze, così come il virtuosismo fenomenale e quasi insuperabile, dovuto non da ultimo alla precisa i timbri strutturati proiettano un'energia enorme e uniforme. Uno sguardo più attento rivela che il punto di vista di Boulez è dominato da una gerarchia che pone alla pari i tre pianoforti come protagonisti principali, seguiti dagli strumenti a percussione, che fanno da tramite, e infine dalle arpe, a cui spetta il ruolo di arricchire il timbri e, attraverso la loro funzione verticale di gioco degli accordi, di rendere più vive le trame e di arricchirle sorprendentemente ancora e ancora.
Nella mia composizione ho scelto l'esatto capovolgimento di questa gerarchia e ho posizionato l'arpa al centro dell'ensemble. Il pianoforte funge da anello di congiunzione e gli strumenti a percussione da amplificatori naturali delle complesse armonie che emergono dalle loro risonanze combinate. Simile a sur Incises, che si basa su elementi di Incises per pianoforte, Refrain II prende materiale dal mio pezzo Refrain per arpa, ma lo condensa e lo fa passare attraverso il filtro delle percussioni, che di conseguenza viene trattato come un 'risonatore distorcente'. Al materiale tonale temperato di pianoforte, arpa, vibrafono e marimba aggiungo numerosi suoni che sono più o meno lontani da un'intonazione chiara e hanno un ampio spettro acustico: otto blocchi di templi giapponesi, due bassi gong di Bali, un gong tailandese, due ottave di crotales, una serie di campanelli, tre campanacci bassi, un campanello a piatto e un tam-tam.
L'idea del "ritornello" è da intendersi qui in senso più ampio, alla maniera di un rituale in cui gli elementi motivici sono riconoscibili solo nei gesti strumentali ricorrenti che interagiscono costantemente tra i quattro strumenti. Infine, la nota si bemolle (come "boulez") gioca un ruolo significativo nel lavoro.
(in giro
per sassofono contralto e 7 strumenti (2017)
»Musica nella Torre del Silo«
Commissionato dal Collegium Novum Zurich, sostenuto dalla Fondation Nicati-de Luze
Scrivere suoni e immaginarli nello spazio a volte significa avere a che fare con un luogo che in realtà non è affatto una sala da concerto: un luogo abusato altrimenti adibito ad altri scopi e che quindi offre all'immaginazione spazi acustici e condizioni spaziali ancora intatte. L'opera, originariamente composta per un luogo così speciale - la circolare Silo Tower di Basilea - si basa quindi su una disposizione a due cerchi concentrici: il pubblico si dispone attorno al primo cerchio, formato da sei strumenti a fiato e dal doppio basso e nel mezzo del quale si trova il sassofono. Il sassofono cambia direzione nelle cinque sezioni del brano, dialogando continuamente con alcuni degli altri strumenti dell'ensemble: Calmo (con il flauto), Moderato (con la tromba), Immobile (con il corno), Vivace (con il clarinetto) e Moderato / Vivace / Calmo (con tutti gli strumenti e infine, più nascosto, con l'oboe).
A seconda di dove ti siedi, puoi interagire con i suoni in modi diversi; questo in un equilibrio tonale in continua evoluzione, caratterizzato dalle possibilità dinamiche e tonali del sassofono e da polifonie ricorrenti che riempiono lo spazio acustico in modo conciso e penetrante.
William Bianco
Traduzione dal francese: Matthias Arter
Programma:
[01] Flow (2008) per oboe, tromba, arpa, violino e violoncello 22:30
[02] OPHRYS (2019) per flauto e piccolo ensemble 16:15
Boris Previšić, flauto solo
[03] Refrain II (2015) per arpa amplificata, pianoforte e due percussionisti 19:19
[04] (a)round (2017) per sassofono contralto e 7 strumenti 16:12
Sascha Armbruster, sassofono solista
Tempo di gioco totale: 74:16
Collegium Novum Zurigo [01, 03, 04]
Susanne Peters, flauto
Matthias Arter, oboe
Ernesto Molinari, clarinetto
Sascha Armbruster, sassofono
Olivier Darbellay, corno
Jens Bracher, tromba
Stefano Menotti, trombone
Manon Pierrehumbert, arpa
Gilles Grimaître, pianoforte
Brian Archinal e Julien Mégroz, batteria
Rachel Cunz, violino
Martina Schucan, violoncello
Aleksander Gabrys, contrabbasso
solisti pre-art [02]
Boris Previšić, flauto
Matthias Arter, oboe
Sascha Armbruster, sassofono
Vladimir Blagojević, fisarmonica
Karolina Ohman, violoncello
Aleksander Gabrys, contrabbasso
Direttore William Blank
prime registrazioni