York Höller: Argomento - Orizzonte - Mito - Penisole nere

La musica come discorso sonoro
Un ritratto del poeta in suoni: York Höller

La prima di Topic dell'orchestra dell'Università di Musica di Colonia nella grande sala radiofonica della WDR di Colonia portò York Höller alla svolta nel 1967. Un rappresentante della casa editrice Schott ingaggiò quindi il giovane compositore e, su istigazione dell'editore musicale Otto Tomek, l'Orchestra Sinfonica WDR sotto la direzione di Michael Gielen suonò la versione rivista del pezzo nel 1970 all'Autunno di Varsavia, al Darmstadt Corsi estivi e di nuovo a Colonia. Attraverso queste rappresentazioni successive, Höller ha trovato importanti interpreti in Pierre Boulez, Daniel Barenboim e Hans Zender. È stato anche invitato da Karlheinz Stockhausen, capo del WDR Electronic Music Studio, a creare qui la sua prima e unica composizione su nastro pura, Horizont.

Topic (1967) è il primo di molti altri lavori orchestrali di Höller ed è ancora influenzato dai suoi studi con Bernd Alois Zimmermann e dall'impressionante prima della sua opera principale The Soldiers all'Opera di Colonia nel 1965. Le nove sezioni sono diverse per carattere, dinamica, tempo e strumentazione a volte estremamente diversi e formano un'unità generale, soprattutto nel loro contrasto. Il talento sicuro dell'allora 23enne nel gestire il grande apparato sinfonico e nel creare drammatici archi di suspense è inconfondibile. Gli attacchi fanfarosi delle trombe e una certa apertura stilistica con occasionali echi di musica barocca e jazz ricordano Zimmermann. Allo stesso tempo, nonostante tutta la sua indisciplinata selvatichezza, a volte persino catastrofica, è una musica molto pianificata. Il titolo inglese dell'opera significa qualcosa come tema o argomento di discussione e sottolinea le idee guida che determinano l'intera opera di Höller: costruzione chiara, indirizzo espressivo, contenuto poetico e l'idea della musica come discorso sonoro. Invece di respingere unilateralmente l’avanguardia seriale del dopoguerra come altri compositori della sua generazione, Höller ha trovato una combinazione individuale di pensiero strutturale con invenzione spontanea e “impressioni uditive efficaci” tenendo conto dei risultati della psicologia della percezione. È stato ripetutamente ispirato da impressioni non musicali, da idee spaziali, pittoriche, letterarie, filosofiche o scientifiche che aprono ampi spazi di associazione ed esperienza per l'ascoltatore.

Inizialmente Höller si orientò verso l'ideale della musica come organismo vivente, i cui componenti, come un codice genetico, sono contenuti in ogni cellula così come nella struttura dell'insieme. Allo stesso modo, nella sua composizione su nastro a 4 canali Horizont (1971/72) voleva creare uno svolgimento stilisticamente uniforme, simile a un processo e, soprattutto, "il suo mondo sonoro molto personale" senza un piano formale prefabbricato con relativamente limitato, materiale generato e trasformato esclusivamente elettronicamente. Con l'intersezione tra finito e infinito, il titolo dell'opera descrive la connessione voluta della costruzione matematica con l'espressione musicale o la forma del brano come un “cerchio immaginario che rappresenta chiusura e apertura allo stesso tempo”. Il sottotitolo Musica elettronica sotto forma di saggio sui sentimenti logaritmici allude invece al “saggio sui sentimenti” che il protagonista Ulrich intende scrivere nel romanzo L'uomo senza qualità di Robert Musil. Menziona anche la circostanza psicofisica secondo cui la capacità degli organi di senso umani di differenziarsi funziona secondo gradazioni logaritmiche, che determinano anche il ritmo del brano.

Alla fine degli anni '1970 Höller si occupò dei drammi musicali di Wagner, degli scritti psicoanalitici di Carl Gustav Jung e della Dialettica dell'Illuminismo, scritti congiuntamente da Max Horkheimer e Theodor W. Adorno. Questo confronto gli ha fatto capire che la musica ha poteri mimetici e può aiutare a esprimere la natura del soggetto. Nell'opera d'insieme Mythos (1979/80, rev. 1995) non mirava a una tradizione mitologica specifica, ma piuttosto al significato originale del termine in generale come discorso o storia. Höller infatti chiama il suo pezzo “poema sonoro”, il che descrive bene il duplice carattere della sua musica: da un lato è una struttura costruita razionalmente con grande ricchezza di suono ed espressione diretta, spontanea-impulsiva; d'altro canto è musica che è linguisticamente progettata in forma micro e macro, metrica, versi e strofe. Mythos divenne pionieristico per Höller in quanto creò per la prima volta "esperienze archetipiche" ed "esperienze primordiali" utilizzando gesti del linguaggio musicale profilati, caratteri gestaltsinfonici e topoi strumentali, che, tuttavia, si incontrano qui solo in una forma molto stilizzata: " L'opera è in parte basata su immagini poetiche familiari e basata su caratteri espressivi, come: B.: Del vento, dell'acqua e della ninfa Siringe, richiamo ed eco di corno, gesti minacciosi, che conducono ad una sorta di Marche Funèbre, Notturno argentato, Danza rotonda dionisiaca, Inno della notte nera, ecc. un continuum tra quelli strumentali ed elettronici riprodotti su nastro. Suoni che a volte contrastano, a volte si fondono senza soluzione di continuità o si fondono impercettibilmente l'uno nell'altro. Una forma sonora funge da nucleo costruttivo per le strutture armoniche, ritmiche e formali, che Höller ha utilizzato come base per quasi tutte le sue composizioni a partire dal suo quartetto d'archi Antiphon (1976). In questo caso si tratta di una melodia di 34 toni che inizia e finisce con la stessa nota MI e attraversa tutti i dodici toni cromatici in due metà di 17 toni diversamente formulate. Il risultato sono complessi di accordi densi e cromaticamente colorati oltre le strutture tonali o i cluster.

In Black Peninsulas (1982), Höller disegna un ampio quadro di paesaggi sonori oceanici-atmosferici utilizzando sfumature di colore scure. È guidato dalle strutture ritmiche linguistiche, dai gesti espressivi e dalle immagini poetiche del poema Die Nacht (1911) del poeta espressionista Georg Heym. All'inizio, sopra un pedale di elettronica e archi profondi, simile a un grappolo, si trova la poesia, sussurrata da una voce di donna e modificata fino al punto di incomprensibilità, completa di cori femminili spettrali e suoni irreali di campane come provenienti da isole lontane. Il materiale linguistico del testo è musicalizzato coerentemente in una “poesia sonora” ed è comprensibile solo verso la fine. In una lettera a Höller, il dedicatario dell’opera, Karlheinz Stockhausen, rimase colpito dal “design ricco di colori” e dal “design ampio del tempo”.

Rainer Nonnenmann