프로그램 :
SA CD 1 조지 프리데릭 하스 (* 1953) 독일 초연 트롬본 유닛 하노버 요하네스 보리스 보로프스키 (* 1979) SWR이 의뢰한 세계 초연 작품 SWR 심포니 오케스트라 바덴바덴과 프라이부르크 스테판 프린스 (* 1979) [03] 장면 1: 하이브리드 공간 #1 07:51 SWR이 의뢰한 세계 초연 작품 나다르 앙상블
SA CD 2 마크 안드레 (* 1964) SWR이 의뢰한 세계 초연 작품 조그 위드먼, 클라리넷 프란체스코 필리데이 (* 1973) SWR이 의뢰한 세계 초연 작품 SWR 심포니 오케스트라 바덴바덴과 프라이부르크 요아브 파소프스키 (* 1980) SWR이 의뢰한 세계 초연 작품 SWR 심포니 오케스트라 바덴바덴과 프라이부르크 |
언론 리뷰:
Un año más, regresamos al oráculo de las Donaueschinger Musiktage para conocer las últimas tendencias de la música artística europea, en una edición, la del 2015, editada en soporte fonográfico por NEOS de forma un poco más escueta de lo 습관적, en tan sólo dos SACDs, aunque sigan primando en ellos las señas de identidad que caracterizan al sello alemán en cuanto a calidad interpretativa y técnica. Abre la selección uno de los compositores austriacos más aclamados del momento, Georg Friedrich Haas (Graz, 1953), 8 트롬본을 위한 que nos presenta una formación tan 특유의 como la deparada por su octet for 2015 trombones (XNUMX), encargo de la Trombone Unit de Hannover, que afronta aquí una partitura fruto de los análisis de las cintas magneticas registradas por Giacinto Scelsi en su estudio. En ellas, Haas는 algo que confiesa lo dejó asombrado: la presencia de melodias cantables incluso en los más pequeños microintervalos를 발견합니다. Haas utiliza este octeto de trombones para construir todo un entramado en cuartos, sextos y octavos de tono: intervals que -afirma- requieren la más precisa entonación. Emplazados en cercanía, los ocho trombones crean una masa 강렬한 homophonica en la que los trazos melodicos se 생성 por reverberación de los microintervalos. En los pasajes más abigarrados y tumultuosos, los acordes generados (articulados en esa de-gradación microtonal) producen la sensación de estar contemplando una imagen muy curiosa: la de escuchar el acorde y su sombra al tiempo, cual si un movimiento musical se hubiese congelado en el espacio y lo visualizásemos en sus diversos estratos de desarrollo, como una estela. A pesar de no estar concebida como una textura polifónica, los intervalos resultantes de las ocho fuentes sonoras crean capas suficientes como para darnos la sensación, en momentos puntuales -aliados con la estrecha espacialización y el manejo de los reguladores de velocidad-, de una estructura que trasciende la homofonía para desplegarse en diversos estratos interactivos. La impronta del maestro italiano, por otro lado, es audible, legándose a vislumbrar un eco scelsiano de corte atávico, cual danza ceremonial procedente de tiempos y espacios remotos. No es, ni mucho menos, la pieza más ambiciosa de Georg Friedrich Haas, pero si algo muestra, es la capacidad del austriaco para adentrarse en las más refinadas partículas sonoras, aun con una plantilla que no pareciera ayudar en exceso, diversificando en ella timbres 그리고 색상. Tampoco la orquestal Sérac(2014-15), 독일인 Johannes Boris Borowski(Hof, 1979)의 작품으로, 나에게는 충격적인 마요르멘테가 있었습니다. Se trata de una partitura orquestal de casi 25 mins de duración, pero que da la sensación de una major 확장 임시, algo que Borowski parece 척, pues una de sus indagaciones en Sérac es la del comportamiento de Materiales Musicales wides en una cohabitación a largo 광장: cómo la relación se establece y profundiza por la convincia mantenida(aunque para una una discovery realmente consecuente tentríamos que irnos a unas duraciones más propias del último Feldman). 승천에 대한 언급으로 Sérac Tiene은 2008년 한때 montañeros al K2, muertos todos ellos in a cuello de botella entre dos séracs de un glaciar였습니다. 보로프스키는 승천과 죽음의 프로그램과 도덕성에 대한 설명에 관심이 없으며, 인간이 최후의 심판의 꼭대기에 있는 이 죽음의 순간에 인과관계의 사슬에 추가됩니다. de Hielo que conierte lo That era reto y desafío en helada tumba: lineeas de exencia, port tanto, condenadas a entrecruzarse desde de de Differentes orígenes, no tanto por una suuesta 'casualidad' como por esas cadenas sucesivas de causalidades. A pesar de no resultar estrictamente programática, el movimiento continueo que pone en Marcha la partitura, su advance entrecortado pero de clara direccionalidad, nos remite a una ascensión trabada por dificultades y puntuales momentos de mayor interés Instrumental; aunque, en conjunto, resulta un trabajo algo anodino. El belga Stefan Prins(Kortrijk, 1979), uno de los enfants Terrivers de la música europea, vuelve a las Donaueschinger Musiktage de la mano de su ensemble de reference, el Nadar, con Mirror Box Extensions(2014-15), partitura para ensemble , 전자 및 비디오(que en esta edition NEOS ha omitido: una pena, pues pensábamos que, tras la inclusión del formato DVD en la edición de las Donaueschinger Musiktage 2014, se podría abrir una via más que pertinente para propuestas audiovisuales como las de Prins : 습관적인 alquimista de música e imágenes). Como su título indica, Mirror Box Extensions es una extensión temática y concept de la previa Mirror Box (Flesh+Prosthesis #3) (2014), en la que Stefan Prins indagaba en la extensión/sustitución del cuerpo humano con prótesis tecnológicas que creasen una Poetica 뮤지컬 trasunto de la fisicidad del cuerpo. Esa caja-en-espejo serviría aquí para aliviar la sensación de ausencia de un miembro amputado, creada la ilusion de su existencia por medio de reflejos musicales. Ahora bien, existe un contexto, un recuerdo, el marco en el cual esos movimientos se producían, con una sustancia física de fondo, no como una simple simetría provocada por el reflejo; De ahí que Mirror Box Extensions no sea simplemente una inversión desdoblada de temas, sino toda una arquitectura a modo de holograma musical para crear una realidad acoustica virtual, algo en lo que ensemble y electrónica colaboran para sintetizar las masas híbridas tan típicas en Prins, ya 새로운 이야기는 Fremdkörper #1(2008), Generation Kill(2012), o I'm your body(2014)의 미디어 중 하나입니다. Como en todas ellas: prolija exploración de técnicas extendidas, los típicos traqueteos prinsianos que tanto nos remiten a una ráfaga de metralleta como a una desaforada máquina de escribir eléctrica, desdoblamientos acústico-electronicos de sustancia híbrida práctica 화해할 수 없는 멘테 등; Todo ello con una sonoridad muy actual, aunque con una poetica dura y asfixiante. Además는 작곡가 Belga a la 'Ley mordaza' del Partido Popular를 remite로 작성했습니다. 구체적으로, 12년 2015월 XNUMX일 마드리드에서 축하 행사로, frente al Parliamento, acto que, según la nefanda Ley Orgánica de protección de la seguridad ciudadana('Ley para la autoprotección attrincherada del gobernante', deberíamos rebautizarla) , podría ser constitutivo de delito al carecer de autorización por parte de papá-Estado ("¡La calle es mía!", afirmaba other personaje de ingrato recuerdo en épocas que parece querer resucitar su prole politica). It por ello que Prins quiere que su música sirva, igualmente, de cuerpo hologramizado para que la ausencia de fisicidades concretas -legalmente imputables- sustituya la manifestación física por una proyección sonora contra un poder opresor de tales ínfulas totalitarias. Aunque dichos presupuestos nos coloquen en puertas de lo ya avanzado por la ciencia ficción: con manifestaciones de individuos-holograma resistiendo ante un poder saturnal (ilústrese al gusto, tanto con Rubens como Goya), 퀴즈 Sean Tales los tiempos hacia los que nos encaminamos. Ya en el segundo SACD, nos encontramos con el francés Mark Andre (파리, 1964), los compositores más solidos y sustanciales del siglo XXI: uno de esos 예술가들 as a los que podemos llamar maestros 사이의 조용한 텐고. "About"(2015)은 ello의 좋은 예입니다. 즉, 제 생각에는 이것이 현대 음악과 음악의 가장 파괴적인 작품인 클라리넷, 오케스트라, 전자 악기라는 뜻입니다. 실제로는 실제 상황이 매우 심각하고 극도로 취약하며 다른 사람들은 쓰나미 발생 시 다른 사람들의 요구 사항을 충족할 수 있습니다. «Sombras de desapariciones»는 Andre para que Visualicemos una música tan sutil, que el francés afirma sedetermin en los intersticios de lo que entendemos por composición: en sushuecos y pequeños trazos의 프로피오에 반복되는 이미지 중 하나입니다. 이 제목은 파리 성경과 비블리아(Biblia)와 연결되어 있는 민수기의 중세 시대에 대한 하나님의 기적과 남자 desde lo alto의 cuidad, paz y bentice nuestra 실존시아인 기적( según the 민수기 6장)… ...Mark Andre는 굴곡과 벤데시도 사이의 교차점 위쪽에 있습니다. 그것은 신과 인간 사이의 관계에서 결정합니다: temática recurrente en un compositor con tan arraigada fe Cristiana. El Hombre es Visto POR Ande Como Una Cribatura en Proceso de desaparición, lo que señala en él un estado de fragilidad en cuyos intersticios desarrolla sonoridades las Rugosidad Ruidistas las alturas que desarrollan Espacios que generan construction and soundorities of minima. 이러한 틈새 공간의 취약성은 결정의 경계, dejando paso a compases abiertos en el clarinete, algo que en esta version del estreno mundial se beneficia de los recurs técnicos, la creatividad y la sabiduría en la improvisación del clarinetista 및 독일 작곡가 외르크 비트만. 이 구절의 일부는 시스템 정보에 대한 분석이 불확실합니다. EXPERIMENTALSTUDIO des SWR para desdoblar los materials del clarinete y crear new intersticios aún más complejos, Dada la close de unos materials que parecen continueidad de un mismo trazo. 클라리넷과 전자 장치에 의해 만들어진 구조는 orquestal, lo que multiplica aún más los campos en reverberación, los intersticios y la fragilidad de un entramado de reflejos en que un solo cambio desestabilizaría la cadena de espejeos: de ahí que Mark Andre hable de “ about” como de una “comunión sónica”, participando cada miembro de la grey de un body (sonoro) que los hermana. Mark Andre espera que en los pasajes más desolados de su partitura, aquellos en los que el hombre apela a su creador(“vox clamantis in Deserto”, escribe en sus notas), se pueda Experimentar la experiencia Metafísica de la tierna presencia del Espíritu Santo … 여기서는 그렇지 않지만 이 este estreno en SACD의 판은 tanto가 아니지만 enjundia 시장과 calado de estas Donaueschinger의 페이지에 대해 "정보"라고 언급하는 어린이를 위한 것이 아닙니다. Musiktage 2015 (al menos, en Lo que NEOS has Recogido en disco Compacto). Al Italian Francesco Filidei(피사, 1973) parece que se le quedaba corto aquello tan Freudiano de matar al padre, pues se hadetermindo a matar al patriarca de la música(uno de ellos) en su orquestal Killing Bach(2015). Más, aún, si pensamos que el propio Filidei afirma que Bach es el creador de lo más perfecto que puede imaginar sobre la Tierra: una música que ataca inmisericordemente con todo tipo de sonoridades agresivas que pueden ir desde disparos de armas a golpeos wagnerianos, entre cuyos impactos resuena la insondable belleza del preludio de un Tristan und Isolde (1855-65) que, like Bach, cambió la faz del planeta musical. Todo ello diseminado a lo largo de una partitura entre lo comico y lo grotesco, que vuelve a enfrentar a Francesco Filidei con la historia: ese momento iniciático que parece profesión de vida en tantos artistas italianos, abrumados por el peso de un pasado tan a flor de play en su país. Filidei, además de compositor, es Organista, de ahí que, en la Reflection sobre su papel como creator, se haya propuesto una 'confrontación' Musical en cinco Piezas orquestales con cinco compositores históricos para indagar quién es él por medio de su mirada al otro , desvelando, así, propia의 목소리가 존재할 수 있음(또는 거장의 마음을 가진 medirse, que decía 다른 escrutador de la historia, Luigi Nono와 같은). Fiori di Fiori(2012) fue la primera pieza de este ciclo, Girolamo Frescobaldi와 같은 totem de la música italiana에 헌정(y 맞서다). En Killing Bach, Filidei가 renovar el sentido sagrado de la musica a través de su violencia 고유, de sus pulsiones를 가장합니다. Hubiese podido가 음악 'bella'를 쓰는 회사, 그러나 그는 partitura perturbadora que puede parecer divertida를 선택했지만 que no lo es, pues pone el dedo en la llaga de una situación politica que se está volviendo peligrosa para todos, 문화와 음악의 세계에만 국한되지 않습니다. Hace unos días, escuchábamos en Madrid al cineasta lituano Jonas Mekas expresarse en terminos semejantes: él, que conoció el 공포 de la Segunda Guerra Mundial y la deportación, y que afirmaba que se está produciendo una deshumanización de dimensiones planetarias realmente preocupante. Por último, el Israelí Yoav Pasovsky (Haifa, 1980) nos presenta, también en estreno, otra pieza orquestal: Pulsus alternans (2015). Se trata de una partitura que nos recuerda, de algún modo, al mejor Steve Reich, pues se adentra en el estudio de los procesos musicales de convergencia y divergencia, a través de una abigarrada red de motivos armónicos que emergen y se disuelven buscando puntos de Encuentro entre dos grupos orquestales, cada uno de ellos con un director (Aquí, Péter Eötvös y Gregor Mayrhofer) y tempi dispares. Aunque bastante convencional en cuanto a sonoridades, el resultado final es de una gran potencia expresiva y atractivo, oscilando entre repeticiones claramente 식별 가능 como procesos mecánicos y unas sonoridades que Pasovsky dice continuas: masas textureles móviles que abarcan a ambos grupos orquestales , un halo에 의해 subyugantes Su misterica belleza a algunos pasajes de esa película tan hermosa que es Der Himmel über Berlin (1987), de Wim Wenders, with banda sonora original de Jürgen Knieper의 Magical magic. Como en el caso de las obras priorentes, nos encontramos con primeras grabaciones mundiales, siendo todas ellas estrenos absolutos excepto el octeto de Georg Friedrich Haas. El nivel 해석 es mayúsculo, por lo que el impacto de los sucesivos alumbramientos está 보장, tanto en lo humourístico como en lo más moderno y/o refinado, pues aunque algunas de las partituras no nos hayan causado una especial impresión, cierto it que la maestría de sus autores en el manejo de los medios instrumentales es más que evidencee. Las tomas de sonido, como it 습관적 en las Donaueschinger Musiktage, corren a cargo de la SWR, siendo la excelencia de las mismas la ya conocida tanto en los registros de la radio alemana como en las ediciones del sello NEOS. Al acortarse 상당한 esta edición de las jornadas a tan solo dos SACDs, el libreto es menos generoso que en la edición de 2014 (entonces, 126 páginas; ahora, 43); pero, de nuevo, aporta ensayos muy sustanciosos a cargo de los compositores. 사진 de cada uno de ellos completan una edición que no por escueta deja de ser intensa y repleta de invitaciones a conocer las rutas de la música actual más viva; además, con el mérito de una heterogeneidad de lo más variopinto. (기사 찾기 여기에서 지금 확인해 보세요.)
02/2017 “놀라운 음악 [...]: Georg Friedrich Haas의 8개의 트롬본을 위한 옥텟은 Scelsi를 따라 미세한 음조 멜로디의 다양한 가능성을 탐구하고 그 과정에서 엄청난 진동을 개발합니다. 요하네스 보리스 보로프스키스 세라크, 화려하게 표현되는 음향 탐험, 그리고 그 반대: 약, Jörg Widmann과 그의 전자 그림자가 음파 격차의 아우라를 탐구하는 일종의 사라지기 직전의 클라리넷 협주곡입니다.”(Dirk Wieschollek) |
