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열린 속으로 – 현대 피아노 음악 현대 음악이 역사적으로 진화한 "개념과 감정의 세계"(니체)에서 근본적으로 해방되었기 때문에 작곡가들은 과거의 표준, 모델 및 경험에서 벗어나고자 열심히 노력하면서 열기. 엄선된 몇 가지 피아노 작품(드뷔시부터 XNUMX개의 미니어처 세계 초연까지)을 사용하여 작곡가들이 이 자기 소비적이고 지속적으로 갱신되는 근대성의 과정을 매우 개별적이고 다양한 방식으로 형성하고 우선 그들의 작품. 그들의 선택은 필연적으로 역사적으로 선택적일 뿐만 아니라 주관적입니다. 미학적, 스타일적으로 다양하고 개념적으로 이해할 수 없는 피아노 작품을 개념적으로 개방적이고 정교하게 제시하는 것은 동시에 현대 피아노 음악으로의 음악적으로 다양하고 대조적이며 이질적이고 감각적인 여정입니다. 결과적으로 제시된 작품은 현대성의 스냅 샷과 작곡가의 개별 창작 과정만을 반영할 수 있습니다. 이러한 음악적 경험을 통해 저는 또한 작곡의 양립할 수 없는 어려움에 대한 통찰력을 제공하고 여기에 제시된 각 작곡가가 어떻게 전통, 규칙 및 미적 개념에서 벗어나 자신의 개인적인 음악 경로를 끊임없이 찾고 "작곡"하는지 보여주고 싶습니다. 잠재된 불확실성과 미래에 대한 목적 없는 지향성. 그녀의 작품은 근대성의 이율배반을 개방으로 향하게 함으로써 극복하려는 시도를 증언한다. 1900년 이전부터 스스로를 전통과의 단절이라고 선언한 "근대성"(획기적 개념)과 함께, 분리 투쟁하는 세력에 의한 다양하고 동시에 이질적인 격변의 경험이 눈앞에 있습니다. 진보의 이데올로기에 집착하고 과학에 경의를 표하며 기술의 아름다움, 속도와 소음에 열광하는 반면, 전통의 위기는 작품, 음악적 소재, 예술가의 자아상, 형식 언어에 대한 이해의 증가를 알린다. , 음조, 진보에 대한 낙관주의, 역사에 대한 선형적 이해는 음악적으로 다양하고 매우 다른 움직임, 접근 방식 및 스타일로 나타납니다. 전통적인 구조와 새로운 음색 사이의 균형을 여전히 유지하고 있는 사람은 근대성의 문턱에 있는 Claude Debussy입니다. 그는 중세 양식과 재즈 리듬을 실험하고 비유럽 문화에서 제안을 받아들여 "불협화음의 해방"을 촉진하고 지속적으로 음악적 추상화의 길을 따릅니다. 음악 자료에서 파생된 구조적 절차는 연재 작가에 의해서만 인식되고 더욱 발전됩니다. 모더니즘의 많은 대표자들과 마찬가지로 그는 피아노를 음악 실험실로 사용했습니다. Prélude no 1 »Brouillards«(1913)는 이미 다가오는 현대 시대의 모든 요소에 생명을 불어넣었습니다. 음조 구성 기법의 해체는 전통적인 형식의 상실로 계속되고 그 의미를 상실합니다. 남아 있는 것은 음색, 구조화된 사운드 움직임의 구성 과정입니다. 늦어도 두 차례의 세계대전, 독재정권, 진보에 대한 도취감을 겪은 후, 근대성의 유토피아와 악몽은 종말을 고했습니다. "획기적 문턱에 대한 인식"에서 1945년 이후의 특수한 상황은 음악의 패러다임 전환을 가져왔습니다. 새로운 아방가르드 연속 음악은 비엔나 유파를 훨씬 뛰어넘어 근본적인 갱신을 원했고 "목표와 조직의 교장"(토마스 만)을 찾는 과정에서 방향성, 시간 및 주관성을 잃었습니다. 올리비에 메시앙(Olivier Messiaen)의 Etude Mode de valeurs et d'intensités(1949)는 역사를 만든 작곡 »연습 작품«으로, 연속 음악의 핵심 작품으로 평가됩니다. 구성 절차는 Messiaen의 모드 및 리듬 시스템을 기반으로 하며, 서문에서 설명합니다. »이 작품은 음 지속 시간, 피치, 어택 유형 및 강도의 결합을 수행합니다. 26개의 피치, 24개의 지속 시간, 12개의 속도 및 7개의 강도로 구성된 모드를 사용합니다. 이 모드에서만 작성됩니다. 즉, 선택한 36개 피치 외에는 피치를 사용하지 않습니다. 이러한 톤은 선택한 후에는 항상 옥타브에 고정되어 있으며 각 톤은 의도된 지속 시간, 어택 및 볼륨과 결합됩니다.« 이것은 수학적 이상에 따라 철저하게 조직된 미학적 객관성의 자기 조직화 음악을 위한 직렬주의로 가는 길을 열었습니다. 음높이, 리듬(현재: 기간), 강도, 어택 유형, 조음에서 형태(현재: 구조) 및 공간과 같은 음악적 매개변수를 정량화하고 재구성했습니다. 음악적 소재에 대한 이러한 사이비 수학적 철저한 합리화는 그 자체의 역사성을 무시하면서 모방, 의미, 모티프 및 주관성을 의식적으로 배제함으로써 작곡 과정에서 절대적으로 이루어졌습니다. 의미는 진보의 대상으로서 기술적 합리성으로 스스로를 창조했다고 믿었습니다. Messiaen의 에튜드에서 "순수성"에 대한 자신의 환상적이고 반주관적인 이해를 인식하고 Boulez와 마찬가지로 그것을 끌어낸 사람은 Karlheinz Stockhausen이었습니다. 스톡하우젠은 그의 피아노 작품의 두 번째 주기에서 수학적으로 엄격한 직렬주의의 발전을 계속 추구했습니다. 순차적으로 구성된 사운드 그룹의 구성인 Piano Piece V(2)에서 스톡하우젠은 시계열과 "불확실성 관계", 리듬 및 멜로디 구성을 실험합니다. 부분적으로 새로운 연주 기법을 사용하는 이 작품은 피아니스트에게는 청자에 대한 전통적인 미적 인식을 거부하는 만큼 극단적입니다. 전통의 단절 너머를 가리키는 포스트모더니즘(60년대 이후)으로의 패러다임 전환은 결과가 없는 것이 아니었습니다. 그리고 전통은 점점 더 기반 의미를 얻고 있습니다. 이것은 가장 다양한 개발 라인과 새로운 기준점을 가시화하는 창을 열어 미지의 지평을 열어줍니다. "예술의 해어짐"(아도르노)은 또한 음악에서 가장 다양한 미적 위치와 매우 이질적인 작품의 다원주의로 이어집니다. Messiaen과 Xenakis 제자인 Pascal Dusapin의 7개의 피아노 연습곡(1999-2001)은 그들의 프랑스적 기원을 부인할 수 없으며, 신연재주의와 포스트모더니즘 사이의 절제된 구성주의가 특징입니다. 톤과 사운드, 폴리리듬과 마이크로톤 멜로디는 에튜드에서 거칠고 날카로우며 인상주의적으로 다채롭고 축소되었으며 투명하고 희박하며 성격은 매우 다르지만 항상 창의적인 강도로 구성됩니다. 자신을 작곡가가 아닌 매체로 본 이탈리아의 Giacinto Scelsi는 연재주의를 훨씬 넘어서 서양 음악에서 가장 일관되게 출발했습니다. 오직 예술가만이 영감을 통해 "움직이지 않는 것의 첫 번째 움직임"인 소리(음색)를 생성할 수 있으며, 그 글은 다른 사람인 장인의 책임입니다. 그의 영적 음악 "변화하는 소리"는 "순수"와 "영성"으로가는 길에 합리성과 신비주의 사이의 무한한 공간에서 움직이며 "신성한 통일성의 일부"로 간주합니다. 피아노를 위한 Quattro illustrazioni(1953)뿐만 아니라 마이크로톤을 관통하는 그의 미래지향적이고 명상적인 사운드 구성은 "그들의 몸짓은 거절이다"(Carl Dahlhaus)라는 분석에 가깝습니다. 시대를 초월한 타당성 주장과 함께 추상적으로 밀어붙인 현대 음악으로부터의 해방 시도는 유럽 밖에서도 새로운 발견으로 이어졌습니다. 구체적인 음악과 전자 음악, 운율적인 음악을 통해 일본 음악 전통으로 되돌아가게 되었습니다. 유럽 아방가르드, 메시앙의 모드, 일본의 전통 1950음 음계와 결합한 결과 중 하나는 그의 초기 피아노 작품인 Lento in due movimenti(40)로, 1990년 후에 개정되어 Litany(Michael을 기리며 Litany)로 초연되었습니다. 바이너) XNUMX년. 그에게 미적 준거로서의 자연, 경험에 대한 태도로서의 자연은 그의 "스승" 드뷔시에게 그랬던 것처럼 고요함의 힘이 됩니다. 새로운 사운드와 디자인 공간을 통해 그는 "폼 마니아"(Debussy)를 극복할 수 있습니다. 1945년 이후 음악적 발전에서 단절되고 서유럽의 다양한 흐름과 스타일의 영향을 받지 않은 Sofia Gubaidulina는 종교적 영향을 받아 "자연스럽게 성장하는" 개인 스타일을 발전시켰습니다. 그녀의 작품에서 그녀는 베베른과 연속 음악뿐만 아니라 음악적 전통을 다룬다. 작곡가로서 그녀는 "작곡은 종교적인 행위"라는 종교적 신념뿐만 아니라 낭만주의에 전념하고 있으며, 1963음 기법, 숫자 상징주의 및 다양한 리듬 프로세스를 실험하고 의식적으로 명확하고 다루기 쉬운 글을 씁니다. 청취자를 겨냥한 작품. 초기 피아노 작품은 바로크에서 영감을 받은 XNUMX년의 샤콘느입니다. XNUMX마디 테마의 변주곡은 형식적으로 명확하게 구조화되어 있으며 음악적 소재, 리듬 및 음색은 표현력이 풍부하고 조심스럽게 전통적인 경계를 넘어갑니다. Arvo Pärt는 실존적이고 종교적인 경험에서 벗어난 새로운 음악의 검증된 작곡 기법에서 급진적으로 벗어나 그레고리안 성가를 다루면서 자신만의 개인적인 작곡 스타일을 찾습니다. 두 부분으로 구성된 피아노 작품 Für Alina(1976)는 그가 개발한 tintinnabuli 스타일로 작곡된 첫 번째 작품입니다. 전통에 대한 규칙성과 미니멀리즘적 접근은 음악적 재료와 아방가르드 패션의 "진보"를 포기하면서 그의 작품에 형식적 명료함과 청자에게 매우 즉각적인 음색의 순수성을 부여합니다. Hans-Michael Rummler의 The Five Miniatures(2014-2016)는 음악 사이코그램이자 개인의 감성에 대한 지진계이자 동시에 구성하는 관찰자와 관찰되는 사람 사이의 소리 여행입니다. 음색은 선택적으로 설정되고, 선에 추가되거나 코드로 압축되고 기능적으로 정렬된 리듬 및 음정과 결합되어 힘과 강도로 가득 찬 피아노 곡을 만듭니다. 구성 작업 과정은 합리적인 디자인과 모호한 실험 사이의 의미있는 균형 행위입니다. 추상적으로 보이지 않고 항상 엄격하게 구성된 극단은 놀라운 리듬과 종종 날카로운 다중 톤 화음으로 사운드 측면에서 탐구됩니다. 동시에 잘 측정된 선은 차분함을 가져오고 시간과 공간의 방향을 제시합니다. 피아노든 다성 합창이든 제 작곡 스타일의 특징은 항상 조형력의 두드러진 드라마투르기뿐만 아니라 소리의 강렬함, 표현적인 몸짓, 강하게 맥동하는 리듬, 칸타빌레 관능미 및 고요함으로 가득 찬 투명하고 인지 가능하고 인식 가능한 음악입니다. 한스 마이클 럼머 |
프로그램 :
클로드 드뷔시 (1862-1918) 올리비에 메시앙 (1908-1992) 칼 하인츠 스톡홀 우센 (1928-2007)
지아신토 셀시 (1905-1988) 타케미츠 토오루 (1930-1996) 소피아 구바이둘리나 (* 1931) 아르보 파르트 (* 1935) 한스 마이클 럼머 (* 1946) 월드 프리미어 레코딩 총 플레이 시간: 81:15 앤드류 스쿠라스, 피아노 |
언론 리뷰:
2017년 XNUMX월
2017년 XNUMX월
1월 2017
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