정보 텍스트:
"XNUMX년의 새 음악, 지금은?" 주최측이 던진 질문에 엇갈린 입장이 나왔다. Enno Poppe는 먼지가 많은 구석으로 후퇴하고 Isabel Mundry는 철학적 거울의 방으로 후퇴합니다. Ben Johnston은 "Quintet for groups"로 그의 후기 Donaueschingen 데뷔를 축하합니다. Brice Pauset, Arnulf Herrmann 및 Bernhard Gander는 자신의 생각을 "춤추게" 합니다. 솔리스트로서 멀리 떨어진 곳에서 혼란스럽게 가까운 그룹에서 모퉁이를 돌면 디스코에서 완전히 휴식을 취합니다. Saed Haddad는 자신을 위해 "The Sublime"을 요구하고, Eduardo Moguillansky는 뜨거운 물질로 형태를 공격하고 Georges Aperghis는 시소에서 무게의 균형을 잡습니다. Brian Ferneyhough 의견: 주변의 다양한 현상은 당혹스럽고 헤아릴 수 없습니다. 정신을 바짝 차리고 그들을 면밀히 관찰하십시오... Dror Feiler가 일어나서 대답합니다: 포효하며 그들에게!
프로그램 :
SA CD 1
이사벨 문드리 (* 1963)
[01] 너와 나 피아노와 오케스트라를 위한 (2008) 14:39
SWR이 의뢰한 세계 초연 작품
토마스 라처, 피아노
SWR 심포니 오케스트라 Baden-Baden 및 Freiburg Pierre Boulez, 지휘자*
엔노 포페 (* 1969)
오래된 건물 오케스트라를 위한 (2008) 17:16
[02] 전 07:16
[03] 10차 00:XNUMX
SWR이 의뢰한 세계 초연 작품
SWR 심포니 오케스트라 Baden-Baden 및 Freiburg Pierre Boulez, 지휘자*
브라이스 포셋 (* 1965)
[04] 댄서 (교향곡 V) 대형 오케스트라를 위한 (2008) 14:45
SWR이 의뢰한 세계 초연 작품
SWR 심포니 오케스트라 Baden-Baden 및 Freiburg Sylvain Cambreling, 지휘자
벤 존스턴 (* 1926)
[05] 그룹을 위한 XNUMX중주 (1965 / 1966) 18:07
독일 초연
SWR 심포니 오케스트라 Baden-Baden 및 Freiburg Sylvain Cambreling, 지휘자
총 시간 64:47
* Pierre Boulez는 Deutsche Grammophon GmbH의 호의로 등장합니다.
SA CD 2
아르눌프 헤르만 (* 1968)
허구의 춤 (제XNUMX권) 11:23
17명의 뮤지션을 위한 (2008)
[01] I 스트레이트 댄스 (오프닝) 01:46
[02] II 슬로우댄스 03:09
[03] III Short Rush(왜곡된 기간) 02:35
[04] IV 타임아웃 01:16
[05] V 어려운 춤 02:37
SWR이 의뢰한 세계 초연 작품
앙상블 모던 프랭크 올루, 지휘자
사에드 하다드 (* 1972)
[06] 숭고한 앙상블을 위한 (2008) 11:54
프렌즈 오브 앙상블 모던 eV의 후원으로 SWR이 의뢰한 월드 프리미어 작품
앙상블 모던 · Frank Ollu, 지휘자
에드워드 모길란스키 (* 1977)
[07] 시레 퍼듀 대형 앙상블을 위한 (2008) 09:49
SWR이 의뢰한 세계 초연 작품
사운드 포럼 비엔나 · 에밀리오 포마리코, 지휘자
조르주 아페르기스 (* 1945)
[08] 티터 토터 앙상블을 위한 (2007/2008) 14:35
SWR이 의뢰한 세계 초연 작품
Klangforum Wien · Emilio Pomàrico, 지휘자
베른하르트 간더 (* 1969)
[09] 다리와 스타킹 앙상블을 위한 (2007) 11:48
SWR이 의뢰한 세계 초연 작품
Klangforum Wien · Emilio Pomàrico, 지휘자
총 시간 59:29
현대 앙상블, Klangforum Wien
SA CD 3
브라이언 퍼니하우 (* 1943)
[01] 크로노스-아이온 27:26
앙상블을 위한 협주곡 (2008)
완전판 세계 초연
뮌헨 비엔날레를 위해 Ensemble Modern eV의 친구들, 연방 헤센 주의 과학 예술부 자금, 뮌헨 주도의 친절한 지원으로 Ensemble Modern이 의뢰했습니다.
앙상블 모던 · Frank Ollu, 지휘자
드로 페일러 (* 1951)
[02] 쓰레기 38:39
증폭된 챔버 오케스트라를 위한 두 명의 가수와 라이브 일렉트로닉스(2008)
César Vallejo의 Truthon 텍스트 작성의 다섯 가지 어려움에서
SWR이 의뢰한 세계 초연 작품
메이라 애셔 · 마틴 윙클러, 목소리
Dror Feiler, 노트북 및 라이브 전자 제품
사운드 포럼 비엔나 롤프 굽타, 지휘자
Peter Böhm/Florian Bogner/Corinne Schweizer, 사운드 디렉터
총 시간 66:05
현대 앙상블, Klangforum Wien
언론 리뷰:
07/08.2010
03.05.2010
엘 오라쿨로 도나우에싱겐
Las Donaueschinger Musiktage conforman, desde su nacimiento, y junto con los cursos de Darmstadt, uno de los oráculos musicales por excelencia para estar al tanto de las vanguardias postseriales. Como afirmó en su día Heinrich Strobel: „no todos los años se descubren un puñado de genios y obras maestras. Intentamos proporcionar una visión de conjunto y podemos darnos por contentos si, de vez en cuando, descubrimos algo valioso“. En el caso de la edición 2008 de las jornadas alemanas, que ahora recoge el sello NEOS (fruto de la migración de su productor, Wulf Weinmann, de Col legno a esta nueva discográfica), el interés de las propuestas es notable, pero irregular, como podremos ver a través de los tres discos compactos que conforman este lanzamiento.
En el primero de ellos destaca poderosamente la Sinfonía V ‚Die Tänzerin‘ (2008), del francés Brice Pauset (Besançon, 1965), un creador que, como el también galo Gérard Pesson, demuestra la fuerte impronta que el lenguaje lachenmanniano ha marcado en todo el continente. Continuador del método de la musique concrète instrumentale, Pauset desarrolla soluciones personales, ampliando ese universo sonoro de partida con referentes propios de su país de origen. De este modo, nos dice: „En la Francia del siglo XVII existía una literatura poético-técnica que establecía explícitamente una relación funcional y estructural entre ambas dinámicas de movimientos (analítica en un caso, sintética en el otro), relación de la que quiero extraer un tercer término en Erstarrte Schatten, el de la materia y su ausencia“. Ello se materializa en una profunda reflexión sobre lo que podríamos llamar sonidos-figura y sonidos-fondo (por remitirnos al mundo iconográfico de la pintura), lo cual depara un interés de Pauset por los ruidos y sonidos ‘colaterales’ que se producen en los contornos, en este caso en la danza, a la que alude el título de la sinfonía (desde luego, para nada al uso). La poderosa Die Tänzerin explora un campo acústico muy estructural, marcado por patrones reconocibles, pero sin perder de vista elementos emergentes inesperados, matices reveladores y una sensualidad absolutamente contemporánea y velada que se desliza entre efectos instrumentales de un refinamiento y una calidad técnica a la altura de lo mejor.
En el resto del compacto resulta bastante Interest Ich und Du (2008), de Isabel Mundry (Schlüchtern, 1963), una obra muy sensitivity y refinada en cuanto a timbres; masiva en su comienzo y cada vez más depurada e introspectiva, en lo que es todo un viaje al interior de uno/a mismo/aa través de los conceptos del 'tú' y del 'yo', que tanto se asocian al piano como a la orquesta, invirtiendo los terminos y enfatizando la complejidad de definir lo esencialmente individual en una sociedad tan marcada por los 매스 미디어 y sus mensajes globalizadores. También attractive resulta Quintet for Groups (1965-66), del norteamericano Ben Johnston (Macon/Georgia, 1926), una obra que se rescata muchos años después de su estreno y que nos habla del apasionante periodo en que los Estados Unidos buscaban (y lograban) una afirmación artística propia. Dentro de este Monumental Quintet se perciben ecos de dos figuras clave en ese proceso, como lo fueron Charles Ives, con sus capas superpuestas, aquí complicadas con una espacialidad multifocal, y John Cage, del que Johnston fue alumno y del cual se deriva un uso muy 매력적인 de los instrumentos preparados. Una pieza situada between muchos territorios, between lo viejo y lo nuevo. Por último, with Enno Poppe (Hemer, 1969) llegamos a uno de los valores más defidos entre los nuevos compositores alemanes. Con su obra orquestal Altbau (2008) me vuelvo a encontrar con un discurso ya muy manido, especialmente en su rítmico e incisivo primer movimiento. Más con un trabajo textural muy atento a las oleadas sonoras ya su gradeación acoustica. Se aprecia una notable técnica en Poppe, sí, cuidada en los timbres, en su manejo de espacios y silencios, en la síntesis que en dichos marcos consigue, pero uno queda con la sensación que no se llega a mucho más.
Las interpretaciones de este primer disco corren a cargo de la soberbia SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, una de las mejores formaciones europeas en este repertorio. Pierre Boulez se hace cargo de las piezas de Mundry y Poppe, algo que es de agradecer, dado el conservadurismo que preside sus grabaciones para la Deutsche Grammophon (aunque imagino que en ello hay más parte de culpa en el sello amarillo que en el maestro francés) ). Sylvain Cambreling dirige, ¡y cómo lo hace!, Pauset y Jonhston, markando los puntos fuertes del disco.
두 번째 SACD는 악기 악기 앙상블을 포함한 다양한 악기로 구성됩니다. Comienza el disco con las Fiktive Tänze (2008), del alemán Arnulf Herrmann (Heidelberg, 1968), una obra que a partir de una sucesión de doce negras va exponiendo un motivo abordado desde cinco ángulos diversos que abarcan lo regular y lo 불규칙적 en relación los movimientos de danza en el cuerpo humano. El jordano Saed Haddad(Az Zarqā, 1972)는 The Sublime(2008)에서 'bello'와 lo 'sublime'의 개념을 정확하게 반영합니다. En ella Haddad se adentra en cómo determinadas piezas de arte provocan en nosotros sobrecogimiento, un estado del espíritu en el cual dice se suspenden las emociones, a través de una suerte de invasión por parte de la fuerza y misterio que emana la obra. Sublime은 매우 중요한 기록을 시작하는 데 사용되며, 뉴에스트로 알레디도르와 같은 방식으로 작동하며, 고유한 컨시언시아 상태를 유지하고, 서스펜션 및 반사 장치에 대한 장치를 제어합니다. Eduardo Moguillansky(부에노스 아이레스, 1977)는 Cire perdue(2008), un denso y bello trabajo sobre la possibleidad de que los moldes musicales generen diversas copyias, y cómo éstas se van degradando al intentar imitar al original을 발표했습니다. En una serie de seis tentativas, el bonaerense va mostrando como estos procesos tan a menudo se escapan de nuestro control y deseo de racionalización. Con una erudición y un verbo tan típicos de un culto rioplatense como él, Moguillansky nos dice que „como sucede en la paradoja del mapa y el territorio nosotros intentamos traducir a escala humana la inconmensurabilidad del universo, con la esperanza de que algún rincón insospechado esconda las letras que conforman nuestro nombre“. Hermosa obra y hermosa explicación de lo complejo que es mover por los derroteros de los maps humanos sin perder nuestra brújula más interior. De Georges Aperghis (Atenas, 1945) escuchamos Teeter-totter (2007-08), que ahonda (nueva vuelta de tuerca) en la passion del griego por el trabajo polirrítmico, a través de alternancias, proliferaciones, discrepancias y búsquedas de equilibrios complejos entre sus multiples motivos musicales. 마지막으로 tras la cierta 'rigidez' de Aperghis, deslumbra el festín sonoro que nos regala Bernhard Gander (Lienz, 1969) en Legs and Stockings (2007). Gander, con su 습관적 (y fina) ironía explica su pieza Piernas y medias diciéndonos que ésta funciona como la vida de los apéndices orgánicos y las mallas 직물 미스마, pues primero se realiza el processo de producción sonora, con sus distintas texturas, volúmenes y 메이트; después éstas recorren pasarelas entre aplausos y flashes; y por último, en el fragor de una discoteca Experimentan distintos ritmos de baile, los rincones oscuros en los que proliferan las fricciones, carreras y desgarros pasionales, para volver al estrépito del bullicio y del baile. siempre로 실제 및 살인, Gander explota ritmos y timbres de un modo notabilísimo y lleno de ocurrencias.
Las interpretaciones de este segundo compacto corren a cargo de los dos grandes conjuntos de la música 실제 유럽: Ensemble Modern a las órdenes de Franck Ollu(Herrmann y Haddad); y Klangforum Wien bajo la dirección de Emilio Pomàrico(Moguillansky, Aperghis y Gander). Magníficas todas las lecturas, de una calidad técnica sobrecogedora, verdaderamente sublime, por tomar el término de Haddad. Lo del Klangforum con Gander es de auténtica impresión.
El tercer y último compacto comienza con una de las vacas sagradas de la composición actual, con el inglés Brian Ferneyhough (Coventry, 1943), del que escuchamos su concierto para ensemble Chronos-Aion (2008). No se trata de la pieza más atractiva de Ferneyhough que haya escuchado últimamente, aunque sí destaca en ella su enorme talento para el trabajo de los timbres y las relaciones entre los discursos instrumentales que se van cruzando a lo largo del concierto. Chronos-Aion se despliega como todo un cronograma del tiempo inherente a los diversos materiales que reúne el compositor británico, atendiendo, dice, „a la temporalidad de la figura concreta, los cambios abruptos de la textura, de perspectiva y de orientación“, deparando un trazo general sereno en el que proliferan diversas intensidades orgánicas sobre una masa acústica informe. Este estudio del tiempo parte de la creencia de Ferneyhough de que éste se percibe por medio de „multiplicidades confusas“ (a partir de los estudios de Henri Bergson). Desde la composición de su ópera Shadowtime (2003-04), Ferneyhough ha recalado a menudo en un trabajo de trazos temporales efímeros, inestables, saturados, caóticos, como modo de exigir al oyente una máxima atención y vivencia de entornos complejos en los que definir los distintos planos y vectores que conforman lo que comprendemos como temporalidad. Desde un comienzo abigarrado en cuanto a elementos y tempi concomitantes, Chronos-Aion va acumulando una serie de materiales sonoros que nos hablan de tiempos en paralelo con perspectivas discrepantes, y que poco a poco tienden hacia la paralización.
Completa el SACD la potentísima Müll (2008), del sueco de adopción Dror Feiler (Tel Aviv, 1951). Müll -que significa ‘basura’-, está compuesta para gran ensemble amplificado, dos cantantes y electrónica en vivo. Feiler se pregunta por qué las sonoridades hechas con lo que durante mucho tiempo se consideraron residuos musicales, así como la propia música callejera, le suele emocionar más que la que escucha en las salas de conciertos. Para Feiler ello se deriva no de un afán comunicativo superior a la música misma, sea de corte político o estético, sino de la necesidad intrínseca al compositor de crear, de producir sonido, algo que en la actualidad estudia en el ámbito de su trabajo Cinco obstáculos para escribir la verdad. Cuando Feiler afirma que „la música es un ruido castrado“, cree que a ésta se le resta la visceralidad y directa expresión que adquiere en formas populares de componer hoy en día. Tomando el poema Los nueve mosntruos (1937), del peruano César Vallejo, Feiler crea una obra desgarrada, directa, histriónica, a camino de muchas músicas, pura fussion contemporánea, que a muchos hará reventar los tímpanos, cuando no las categorías de género en sus lógicas. Con todo, una valiente y ardiente invitación a descubrir otros modos de hacer música, y cuando menos más fresca e impactante que el un tanto académico Ferneyhough. Ayuda, y mucho, la participación de un Klangforum Wien que últimamente se encuentra en estado de gracia. Dirigido por Rolf Gupta, con Meira Asher y Martin Winkler en el aparato vocal, y con el propio Dror Feiler en la electrónica, firman una versión electrizante. Pura dinamita. Por su parte, el Ferneyhough del Ensemble Modern a las órdenes de Franck Ollu se antoja algo encorsetado de más.
La edición de los compactos sigue las lines maestras que nos ofrece NEOS desde su nacimiento; esto es, libretos con textos muy informativos (en la mayor parte de los casos firmados por los propios compositores -disponibles en castellano gracias a la participación de la Fundación BBVA en el proyecto-), y unas tomas sonoras excelentes, en este caso de la siempre sobresaliente SWR alemana. A ello se añade que todas las tomas son primera grabación mundial, y buena parte de las mismas de los estrenos; 사실, Siempre로서, 이 책은 인접하고 막대한 역사적 가치가 있습니다.
파코 야네즈