ERES HOUT AANRAKING VAN UNIVERSUMS
Mach – dit is de naam van een cyclus van stukken voor solo-instrumenten die Eres Holz in 2011 begon met een virtuoze trompetsolo en die inmiddels negen stukken omvat; Sinds het klarinetstuk uit 2016 is daar live-elektronica aan toegevoegd. DOEN! – als uitnodiging; Mach – ook als klein eerbetoon aan de natuurkundige Ernst Mach. De naar hem vernoemde meeteenheid wordt nog steeds gebruikt om de snelheid van supersonische vliegtuigen aan te geven - een kleine indicatie van de moeilijkheidsgraad van de stukken. Mach - zoals het in de partituur van het orgelstuk staat - is "een soort uitnodiging om te doen wat niet triviaal is."
Alle stukken in de cyclus putten uit een repertoire van virtuoze technieken en expressieve speelfiguren die specifiek zijn voor de betreffende instrumenten en die zich in de loop van de muziekgeschiedenis hebben ontwikkeld: op de harp bijvoorbeeld zijn er belachtige diepe bastonen en glinsterende arpeggio's, op de cello, dubbele stops die de hoogste intensiteit aangeven. Op de accordeon een volstemmige speelstijl gebaseerd op de klank van het orgel. De elektronica versterkt aanvankelijk het geluid - bijvoorbeeld door nagalmeffecten en discrete kleuringen - maar geeft vervolgens steeds meer vorm aan de geluidsproductie: je kunt nog steeds de typische kenmerken van de instrumentale klankspraak horen, maar nu verhoogd naar het extatische niveau - de instrumenten spreken in vreemde talen, om zo te zeggen. Het individu, gevangen in zichzelf, probeert op alle mogelijke manieren uit zichzelf te komen, zichzelf met de wereld te communiceren: zoals de componist het stelt, gaat het ‘over communicatie, over de zoektocht naar empathie’, over ‘het overwinnen van eenzaamheid’. Desnoods door middel van “schreeuwen” eruit komen.
Zeker, deze stukken gaan over de ‘eenzaamheid van het leven’ als een menselijke conditie: de wetenschap, zoals Arthur Schnitzler het uitdrukte, ‘dat twee mensen altijd, altijd vreemden voor elkaar moeten blijven, dat je nooit volledig in elkaar kunt kijken, die je nooit echt ontmoet, begrijpt het echt.” Maar het is zeker geen toeval dat vijf van deze stukken tot stand zijn gekomen tijdens de Corona-pandemie 2020/21, met zijn contactbeperkingen. Eenzaamheid werd plotseling een dagelijkse ervaring en een onderwerp van discussie, waardoor deze stukken ook een tijddiagnostisch karakter hebben. De mens blijft, zelfs in zijn isolement – of het nu wordt opgelegd of aan zichzelf wordt opgelegd – een ‘sociaal dier’ in relatie tot zijn tegenhanger. De zin van de filosoof Byung-Chul Han, die Eres Holz aan het harpstuk toevoegde, moet misschien in deze zin worden opgevat Machcyclus: »Resonantie is geen echo van het zelf. De dimensie van de ander verblijft in jou. Het betekent harmonie.«
Binnen de Machcyclus heeft het orgelstuk een bijzondere status. Het ontstond in 2016 als opdrachtwerk van Deutschlandfunk voor het “Orgel voor Nieuwe Muziek” in het kunststation Sankt Peter in Keulen. Een belangrijke ervaring vloeide in de compositie: koorzang, die Eres Holz al jaren actief nastreefde. Hij had opgemerkt dat vooral de cadensen, het uiteenvallen van de ene intervalconstellatie in de andere, een direct fysiek effect op hem hadden. Bepaalde harmonische progressies worden traditioneel geassocieerd met bepaalde affecten: met andere woorden, ze coderen en abstraheren emotionele inhoud. Clausules en cadensen accentueren dit proces en sluiten een harmonieuze voortgang af, maar openen misschien ook een nieuwe. Dit is precies waar de compositie van Eres Holz in beeld komt: "De affecten, de momenten van expressie die deze resolutie-intervallen creëren, vormen in zekere zin de kern van dit stuk."
De harmonische progressie heeft dus een vergelijkbare functie als de baslijn en de akkoordstructuur van een barokke passacaglia. Ook bij Eres Holz worden op deze manier de wisselende episoden geïntegreerd in een constante muzikale flow. Dit proces is in wezen analoog aan de schepping: een onophoudelijk proces van wording dat pas eindigt op de dag van de vernietiging ervan. De compositie streeft ook naar deze louterende finale (plechtig bezegeld door het luiden van de klok van de kerktoren, te bedienen vanaf de orgelconsole in het St. Peter's Art Station).
Een akkoordprogressie als kernidee van een stuk: dit model heeft Eres Holz altijd beziggehouden. De vraag was: kunnen perceptuele patronen van tonale muziek – zoals grondtoon, spanning en resolutie – worden overgedragen naar niet-tonaal georganiseerde muziek? Daartoe behandelde hij de geschiedenis van de Europese polyfonie vanaf het begin (Pérotin) tot de barok, bijvoorbeeld met de regels voor stemvoering die niet alleen de omgang met dissonanten regelen, maar ook fundamenteel bepalen hoe een akkoord moet worden opgelost. in een andere. Dit resulteerde in de noodzaak voor Eres Holz om zelf regels te formuleren die niet langer verband hielden met modale of tonale verbindingen, maar eerder zorgden voor de samenhang van de muziek onder nieuw gedefinieerde randvoorwaarden. Om zulke regels op te stellen gebruikt hij ook een computer: “Ik probeer bepaalde mechanismen of bepaalde soorten muzikale processen te voorspellen” – zo omschreef hij het in een interview in 2016. »Hoe zou het nu klinken als ik dit en dat dacht? Hoe zou het klinken als ik het zo zou laten draaien, met bepaalde regels voor intervalresolutie?
Het intensieve onderzoek van de parameter harmonie - as Harmonie, niet als resultaat van lineair onafhankelijke bewegingen – is ongebruikelijk in nieuwe muziek. Harmonie is essentieel als referentiekader voor het melodische: “Ik werk harmonieus zodat de melodieën ook “zin” hebben. Zoals Bach dat doet. En dat is precies de reden waarom ik mezelf melodische vrijheid gun, omdat het harmonisch klinkt.”
De melodische vrijheid: Dit betekent met name de opname van microtonen, die een zeer belangrijke rol spelen in zijn muziek. Menselijke spraak, maar ook huilen, lachen en alle andere affectieve vocalisaties: niets van dit alles komt voor in de gereguleerde middelmatigheid van het getemperde systeem met zijn twaalf even halve toonstappen. Met microtonen kun je in ieder geval dichter bij menselijke geluiden komen: Voor Eres Holz zijn de microtonen “een teken van de onvolmaaktheid van de mens – mensen als biologische wezens, en niet als een steriele, niet als een 'goedgehumeurde' machine. Microtonen als uiting van pijn, maar ook van passie en erotiek.
Alleen onder deze voorwaarde kan de muziek persoonlijke dingen worden toevertrouwd: Eres Holz behandelt de dood van zijn moeder door de ziekte van Alzheimer en haar dood in 2019 in twee stukken: zij zijn het strijkkwartet Donkere scheuren en de ensemblecompositie Het aanraken van universums en uiteinden.
Het strijkkwartet is gemaakt voor het Deutschlandfunk 2021 “Forum of New Music” festival, dat als motto had: “Willen we de dood overwinnen?” Het kwartet is gebaseerd op een akkoordprogressie: "Als een soort eindeloze lus, en het trekt de luisteraar mee" - zei de componist in een interview met Hanno Ehrler ter gelegenheid van de eerste uitzending in november 2021. In feite is de harmonische Het element domineert lange delen van dit stuk, dat als het ware het melodische element wegvoert en in het derde deel verplettert in de destructieve machinerie van dubbelstopakkoorden: Een triomf van de dood. Aan de andere kant zijn er delicate en ook krachtige, ‘sprekende’ melodieuze gebaren waarin het leven tijdelijk lijkt te worden hersteld. Met onregelmatige tussenpozen verschijnen onontwikkelde passages met hoge harmonische tonen, afstandelijk, vreemd en niet beschikbaar: "De harmonische tonen zijn het hiernamaals, het licht, God - als je wilt", zegt de componist. Ze formuleren echter geen zekerheid, maar eerder een vraag, een tastende zoektocht en vermoeden.
Een jaar na het strijkkwartet neemt de ensemblecompositie een wending Het aanraken van universums en uiteinden opnieuw het onderwerp dood en verlies: in tegenstelling tot het strijkkwartet, dat klassiek gedefinieerde kamermuziek is en grotendeels geen geavanceerde speeltechnieken vereist Het aanraken van universums en uiteinden tot alle denkbare kleurwaarden en ruisgeluiden die van een zevenkoppig ensemble kunnen worden geëist: muziek die zich uitstrekt tot symfonische dimensies.
Het begint als een stukje herinnering, van herdenking: rustige pianoakkoorden waarin tonale herinneringen resoneren - 'Schoonheid, het wonder van de geboorte', merkt de componist op. Tegelijkertijd is er ook melancholie, een impliciet treurmarsritme, een begin dat het einde kent. Het is de altviool, die over lange stukken in microtonen speelt, die deze gebeurtenis verlevendigt met grillige melodieuze figuren; het neemt de cello mee, en later ook de andere instrumenten: de ensemblebeweging wordt snel, zelfs hectisch naarmate het vordert, en zo compact dat de componist de door Schönberg geïntroduceerde symbolen moet gebruiken om de hoofd- en bijstemmen te markeren: is “der lange, wanhopige, dagelijkse weerstand tegen de onophoudelijk voortschrijdende dood” (Marcel Proust). Aan het einde van
Collapse: Het instrumentale geluid, het teken van het sprekende, zich uitende individu, lost op in ruisgeluiden die op en met de instrumenten worden geproduceerd. Bij de piano worden elektronisch gegenereerde geluidsimpulsen rechtstreeks op de snaren van de piano toegepast met behulp van een zogenaamde ‘transducer’. Het is een akoestische en muzikale grensoverschrijding naar een andere dimensie. Helemaal aan het einde is er de terugkeer van het begin: nieuw leven, altijd al dood.
De compositie lijkt een vervolg op deze stukken die existentiële dimensies openen Sterven Frau uit 2020 – een groteske geïmproviseerde. Een stuk gebaseerd op een tekst van de Roemeense dichter Constantin Virgil Bănescu: Hier is de angst daarvoor Leben, waardoor een mens een metgezel creëert, ‘vlees van zijn vlees’ – en dat letterlijk, aangezien hij het voor dit doel uit zijn eigen lichaam sabelt: een metgezel die, in een letterlijke interpretatie van het bijbelse scheppingsverhaal, ‘ niets zoals hij" zou moeten zijn. Natuurlijk zal het diese De metgezel is geen mens, maar een verschrikkelijke homunculus, dood vlees dat geen eisen stelt... Dit wordt uitgevoerd met syllabische declamatorische zang, met scherpe blokfluitstaccati, met glissando-effecten en percussieve contrabasaccenten in scène is ingesteld.
Harmonie als noodzakelijk referentiekader voor het melodische: dit uitgangspunt in de muziek van Eres Holz vertegenwoordigt de kwintetcompositie Jakhals hoofd (2016) opnieuw op een zeer spannende manier. Harmonie en melodie worden verwoord als tegenpolen (“rusteloos, mysterieus” vs. “ritmisch, dansachtig”). Hun laatste ontmoeting in het laatste deel leidt niet tot synthese, maar neutraliseert eerder alle energie; een coda van uitputting (verspreide individuele tonen, "kalm maar verstoord") beëindigt het stuk. De titel verwijst naar de oude Egyptische god van de dode Anubis, die werd afgebeeld met de kop van een jakhals. De componist merkt op dat “de strengheid van de oude Egyptische kunst” zijn werk inspireerde. »Door de zeer heldere frasering, in zekere zin bijna ‘scherp’, klinkt de muziek archaïsch en mystiek. De onvermoeibare tremolo van de snaren is op de een of andere manier betoverd..."
Ingo Dorfmüller
Voor Eres Holz zijn de microtonen “een symbool van de onvolmaaktheid van de mens – de mens als een biologisch wezen, en niet als een steriele, niet als een ‘goedgehumeurde’ machine. Microtonen als uiting van pijn, maar ook van passie en erotiek.
