Hermann Keller: Tweede pianoconcert en kamermuziek

TWEEDE PIANOCONCERT EN KAMERMUZIEK

Hermann Keller is het prototype van een improvisator die even bedachtzaam als rusteloos is, onverwachte uitvindingen vrijgeeft en de beroemde vonk weet te laten overslaan. Een van zijn favoriete bezigheden: ex tempore op de vleugel, die hij in waanzin realiseert, zowel op de toetsen als in de body van het instrument. Wat met het instrument kan worden geïntoneerd en gedenatureerd, speelt een rol. En er zijn meerdere plusvarianten.

De meest duurzame zijn voorbereidingen, d.w.z. vervormingen van het pianogeluid met behulp van verschillende middelen: gummen, schroeven, hamers, cimbalen. Werken met clusterstaven, de vingernagel, de vuist, de elleboog, ja, zo lijkt het, het hele lichaam. Keller zegt dat hij nog nooit een door Cage geprepareerde vleugel heeft gezien, maar kent uiteraard de relevante Cage-opnames. Henry Cowell, John Cage, Hermann Keller. Componist en pianovoorbereider Hans Rempel zei ooit dat dit een ontwikkelingslijn is. En hij heeft gelijk. Keller heeft jarenlang voortdurend geëxperimenteerd en echt ontwikkelingswerk verricht op het gebied van voorbereidingen.

Concerto voor piano en 13 instrumentalisten (2e pianoconcert)

De klankwereld van het concert is zo ver verwijderd van het gebruikelijke dat je er alleen maar van kunt verbazen. Keller probeert vooral de vreemdste dingen uit het solo-instrument te halen. Maar de overige dertien instrumenten worden in gelijke mate getroffen. Denaturatie, vervreemding, escalatie overal. Met behulp van voorbereidingstechnieken voor vleugelpiano's combineert Keller kwarttonen, achtste tonen, alle soorten harmonische tonen en voorbereide harmonieën met andere instrumenten. Net zo verbazingwekkend is de immanente wereld van ritmes en timbres.

Onregelmatige Afrikaanse, jazz-geïnspireerde en speciaal ontwikkelde ritmes en ritmische combinaties komen aan bod. Het stuk laat zien hoe ordes verstevigen, uiteenvallen en vergaan. – Het zesdelige werk heeft een gebogen vorm. In het begin is er sprake van een idylle, een harmonieus, evenwichtig en niet onproblematisch krachtenspel. Uiteindelijk zal er sprake zijn van structurele implosie, vernietiging en chaos.

De opening, ‘In de Hof van Eden’, deel 1, bouwt aan deze idylle. Vervolgens wordt de piano voorbereid. De preparaten klinken prettig en liggen prettig in het gehoor. Er is een subtiele wisselwerking tussen strijkers en voorbereide pianoklanken. Houtblazers en hoorn voegen zich bij de prachtige. Maar de scène eindigt onzeker en vragend.

In deel 2, “Scherzo I”, dicteert het solo-instrument de ritmische en tonale polsslag van het deel. Afrikaanse ritmes zijn drijvende momenten. Instrumenten en groepen krijgen steeds meer ruimte en verbreden hun speelhorizon. Hoornsignalen komen plotseling in het proces terecht. Vervolgens geleidelijke ontbinding van het oorspronkelijke ritme. Eindelijk gratis muziek maken zonder metrum.

Deel 3, ‘Naar de aarde vol koude wind’, is vol strijd. Hij activeert de energieën van alle spelers. De factuur zit vol gaten. Korte pauzes in elke stem zorgen er nooit voor dat de 14 instrumenten volledig verticaal staan. Alle pulsaties die Keller beveelt, spelen een rol. Rijen en rijen, in de wildste stijl, pianoclusters, gerealiseerd met clusterbalken op de toetsen, ratelende toonherhalingen, strijkersglissando's, uitbarstende tussenwerpsels van koper en hout, plus percussie dwalen door de structuur. Aan het einde van het deel wordt het geweld gecompenseerd door de poëzie van een korte solo. Voordat het gebeurt, schieten sirene-achtige snaren samen met drums en schreeuwen radicaal in ff-toonherhalingen. De verre klanken van een trappianoklank blijven overeind, waarvoor de nabije, met tussenpozen expansieve basklarinetstem zijn tedere lied zingt.

Deel 4, ‘Interrupted Elegy’, bouwt kort herinneringen op aan het verleden om ze vervolgens onmiddellijk te verbrijzelen. Deel 1 bestaat bijvoorbeeld uit enkele maten, alsof Webern die heeft gecomponeerd, en eindigt met een algemene pauze. Het solo-instrument verlevendigt het landschap alleen met voorbereide individuele tonen, ook tweetonen, daarna geplukte en gekraste tonen. Tegelijkertijd komen cantabile stemmen op fugato-achtige wijze binnen. Eerst ‘zingt’ de hoorn, dan de cello, hobo, viool, tweede viool, fagot, altviool. Maar schijn bedriegt. Gewelddadige glissando's in trombone, strijkers en drums verdrijven alle hoop. In het slotdeel, ‘Amok’, het meest vrije en radicale deel, benutten solist en instrumentalisten – ieder tegen elkaar – al hun mogelijkheden.

Deel 5, “Scherzo 2”, klinkt op het eerste gezicht bijna levendig, ritmisch vrolijk, dansachtig. Kenmerk: Hij speelt met tonaliteit en gaat deze tegen, waarbij hij harmonieformaties tegenwerkt met ironie en groteske elementen. Drieklanken worden gevolgd door hun brekingen, bijvoorbeeld in scherpe gebaren van het koper. Het duet tussen piano en viool materialiseert glinsterende kwarttoonharmonischen. Op het einde zijn er koraalachtige, bijna huilende koperattitudes.
Deel 6, ‘Fathersong’, laat een prachtige gloed zien te midden van het puin. Het begint met schroeven - glissando's en eindigt met rustige maar duidelijke "sounds of destructie" en een ff piano-akkoord. Het klinkt als een klap uit een muzikale vuist.

Sonate voor strijktrio en piano

Naast de piano worden de viool en altviool voorbereid met behulp van voorbereidingsstaven. Ze klemmen tussen de snaren op de toets. De vorm van de sonate is aanvankelijk in drie delen. De hoekbewegingen zijn veel sneller en mobieler dan de middenbeweging. Vervolgens worden onderwerpen belicht en verwerkt. Solo's, duetten, trio's en kwartetten uiten zich, soms strikt compositorisch, soms vrolijk muzikaal. Ook het slotdeel kent grote harmoniepunten langs aanhoudende octaven, die, kort aangeroerd door de pianist, door demping en vervorming direct weer kantelen. Omgekeerd ontstaat uit dissonante structuren plotseling een groot geluid. Dit soort dingen verwijzen naar verlangens en herinneringen.

Scène voor solotrombone (deel 2)

Deze scène, onderdeel van een zesstemmig trombonesolowerk, test de mogelijkheden van de trombone vooral op ritmisch gebied. Er worden verschillende technieken gebruikt: klank creëren door luid of zacht in- en uitademen, gelijktijdig vocaliseren en blazen, technieken voor het creëren van geluid (luchtgeluiden, blazen door het mondstuk, etc.), glissandotechnieken. De puls en de contour van het stuk zijn uniform. Dit is waar de ritmische tonen en geluiden die worden gegenereerd door in- en uitademingsprocessen voor staan. De contour wordt echter herhaaldelijk doorgeschoten. Bijvoorbeeld door korte instortvelden gerealiseerd door opgezette geluiden. De meters veranderen periodiek: drie helften, vier kwartalen, driekwart. Dominante intervallen zijn kwarten, kwinten, tritonen, grote septiemen. Hun uitgangsniveaus veranderen zodat harmonieformaties tenminste doorschijnen.

Scènes voor 1 violist en 1 pianist

Het stuk kwam tot stand in samenwerking met violiste Antje Messerschmidt. De titel, zeker ironisch bedoeld, verwijst naar het meervoud ‘In’ waarin het enkelvoud ‘in’ is vermomd. Twee muzikale onderwerpen bevinden zich in een clinch. Het is bekend dat clinches de meest subtiele tot de grofste facetten hebben. Een breed veld. Keller verlichtte het op zijn eigen manier, namelijk puur muzikaal, wat ontzettend lastig is. Het zesdelige stuk formuleert een samenspel tussen twee individualisten, die ieder, zoals ze zeggen, hun ding doen. Wat – de echte smaak van het stuk – aanleiding geeft tot allerlei grappige overeenkomsten. Na de eerste scan vinden, zoals verwacht, de scherpste botsingen plaats. Terwijl de pianist de wildste gebaren oefent, speelt de violist klassieke figuren. Het landschap verandert voortdurend. Deel 4 toont een soort lijfstraffen. De wanhopige violist weet alleen met lege frasen te reageren op de meest extreme structurele compressies. Het einde brengt imitatieve reflexen, zuchten en uitputting met zich mee. Een luide pianonoot in de hoge tonen beëindigt de dans.

Stefan Amzoll