infotekst:
DOMENICO SCARLATTI OG HAVNENS MODERNE TID Domenico Scarlatti kan absolutt betraktes som et unikt tilfelle i musikkhistorien på én måte: delingen av hele hans oeuvre i en første periode med vokale komposisjoner, operaer og oratorier (alle komponert i Italia) og en andre periode med verk for cembalo, komponert fra ca 1738, utgivelsesåret for den 30 Esercizi på den iberiske halvøy. Det er kjent at Scarlatti var i tjeneste for Maria Bárbara fra Portugal. Det kan med sikkerhet sies at han må ha vært en sann cembalovirtuos allerede før dette, for skrivingen av cembalokomposisjonene hans (som alle kalles sonater) vitner om hans umiskjennelige følelse for instrumentets spesielle egenskaper. Noen som skrev så idiomatisk for cembalo må ha mestret det som spiller selv, sikkert fra ung alder. Tilsvarende kommentarer fra hans samtidige om hans cembalospill er også bevart. Men det faktum at han først begynte å komponere for dette instrumentet i den andre fasen av livet hans gjør oss noe forvirret. Visst, Maria Bárbara kan ha bedt om flere og flere stykker – og Scarlatti leverte. Dette kan ha ansporet fantasien hans til nye ideer, men det faktum at han ikke ønsket å vende seg til "sitt" instrument i Italia er fortsatt merkelig. I følge Kirkpatrick-katalogen er 555 sonater Scarlattis kompositoriske arv for cembalo. Alle som noen gang har måttet velge en, to eller tre stykker fra dette enorme kompendiet vet hvor vanskelig det er å måtte velge det ene eller det andre. Idérikdommen, spillegleden, virtuositeten, det strenge spanske formspråket eller sangen gjør det vanskelig for spilleren å ta en avgjørelse om enkelte stykker. Scarlatti lar deg alltid ønske mer! De fire komponistene fra 20- og 21-tallet som slutter seg til Domenico Scarlatti i dette programmet kunne ikke vært mer forskjellige fra hverandre: Richard Strauss som postromantiker, Isang Yun med sin fascinerende tonale nøysomhet, Jukka Tiensuu som en moderne antipode til Scarlatti i hans to kvaliteter som cembalist og komponist på samme tid og til slutt Minas Borboudakis, hvis energiske rytmer ser ut til å være skreddersydd for cembalo. For disse fire komponistene fungerer Scarlatti-sonatene som broer til hverandre, i likhet med Promenade-bevegelsene i Mussorgskys bilder av en utstilling. De to sonatene i F-dur K 205 og 296 I denne kombinasjonen dannes to kontrasterende elementer, slik Isang Yun gjorde i sitt stykke komponert i 1966 Shao Yang Yin gir: »Shao Yang Yin, den kinesiske tittelen på komposisjonen, antyder å tenke på de store, komplementære motsetningene (›Yang Yin‹) til taoistisk lære. Tilføyelsen 'Shao' (= liten, lett) gjør det imidlertid klart at kontrastene i hverdagslivet (stemninger, tilstander, tidsforløp) overføres til musikalen», sier komponisten i forordet til førsteutgaven. Som så mange andre verk fra det 20. århundre, ble dette skrevet som et oppdrag for den sveitsiske skytshelgen og cembalisten Antoinette Vischer. Før han startet arbeidet, skrev Yun til Vischer: "Jeg kjenner ikke […] instrumentet nok" (se forord av Edith Picht-Axenfeld / Walter-Wolfgang Sparrer til den nye utgaven). Det ser ut til å være en god ting, for Yun gir helt avkall på behandlingen av instrumentet som et rytmisk særegent, men jevnt jevnt instrument, som ofte ble funnet på 20-tallet. Det som ser ut til å være "mot" instrumentets natur, nemlig mangelen på rytmisk stringens, viser seg å være et fascinerende lykketreff: musikken bryter opp fra sine kompositoriske forgjengere, spesielt de fra 20-tallet, gir avkall på alt " neo-barokk" og vinner og oppnår dermed uavhengighet. Den galante siden til Richard Strauss finnes i mange av verkene hans: i Rosenkavalier, im Don Quixotesi, kom ned burlesk og Don Juan, for bare å nevne noen få eksempler. Det er derfor neppe overraskende at han i 1923 fikk en Dansesuite basert på pianostykker av Couperin for orkester, musikk som absolutt samsvarte med hans egen galante natur. François Couperin selv var kanskje den mest respekterte cembalomesteren i Frankrike på den tiden – i en tid da Scarlatti nøt et lignende rykte i det europeiske sør. De Sonata K 114 er preget av spesiell ekstravaganse og nytelsesglede og er absolutt et av Scarlattis dristigste verk. Strauss' Suite var opprinnelig ikke ment som et solostykke for cembalo: de tre dansene, Passepied, Gigue og Tempo di Gavotta, er sammensatt av fiolin, cello og cembalo som tilfeldig musikk for operaen Capriccio tiltenkt. Strauss anbefalte cembalisten ved Wien-premieren på operaen, Isolde Ahlgrimm, å fremføre disse tre dansene i serien «Konserter for kjennere og elskere». Ahlgrimm fortalte komponisten at hun ikke spilte kammermusikk, og han svarte at hun kunne spille suiten på egenhånd. Da hun kommenterte at den ikke hadde noen reell slutt, forsikret Strauss henne om at han ville skrive en for den (se Dr. Rudolf Scholz, forord til utgaven, Schott Verlag). Transkripsjonen for cembalo-solo av dansene skylder vi Isolde Ahlgrimm, mens den siste kadensen opprinnelig ble komponert for denne versjonen av Richard Strauss. I sine etuder kombinerer Jukka Tiensuu vidd og en dyp kunnskap om cembalo fra instrumentet. Det siste er neppe overraskende, da Tiensuu selv er en fabelaktig cembalist som mestrer de vanskeligste litteraturverkene (Xenakis, Sciarrino) uetterlignelige. I etudene gir han avkall på de forskjellige stemningene i registrene, slik han gjør i sine Fantango foreskriver. I likhet med Chopin-etidene tar hvert av stykkene for seg et spesifikt teknisk problem. Likheten mellom titlene og rekkefølgen raskt–sakte–fort skaper det dramaturgiske rammeverket. Lokomotivet inn tog skynder seg mot målet ukontrollert og likevel noe patetisk over sin egen "skjebne". En kraftig bremsing gjør at den stopper like før den kan overskride målet. korn (Körner) er, du kan nesten ikke høre det, det mest komplekse av de tre stykkene. Det er en struktur sammensatt av flere rytmisk svært forskjellige segmenter. Individuelle tone-repetisjoner eller tonekombinasjoner lyder alltid i samme rytmiske motiv. Kravene som stilles til spilleren når det gjelder uavhengig vokalkontroll er uten sidestykke. avløp Til slutt er det en tour de force etude som Scarlatti absolutt ville hatt glede av. Ekstremt hurtigspillende tonale kaskader, avbrutt av korte repeterende tone- og akkordpassasjer, bygges opp til agglomerasjoner av lyder eller piler over hele keyboardet. For en lettelse for spilleren da de tre dype etter knappe to minutter H' kan bli oppnådd! De som gikk foran Tiensuus etuder Sonater K 516 og 517 er et typisk eksempel på Scarlattis kobling av to stykker av samme toneart i rekkefølgen sakte–rask. Som alle deler av det sene verket er de preget av ekstrem reduksjon og konsentrasjon av midler. Det holdes helt annerledes Sonate i c-moll K 115. Ikke bare er de frodige dissonante akkordene karakteristiske for denne kreative perioden, det spanske formspråket er spesielt tydelig. Derfor var det bare logisk å ha et slikt stykke Hyllest til Picasso, som Minas Borboudakis skrev for meg i 2003. Borboudakis ble inspirert av maleriet "Guernica" for verket sitt. Den baskiske byen Guernica ble fullstendig ødelagt av de tyske og italienske luftstyrkene i 1937. Picasso skapte deretter et komplekst og enormt bilde. At oksen eller Minotauren, som er viktig for maleren, dukker opp i den er sannsynligvis ikke irrelevant for Borboudakis: komponisten, som kommer fra øya Kreta, inkorporerer ofte gamle greske ideer og arven fra minoisk kultur i sitt arbeid. . Minotaur, en skapning halvt okse, halvt menneske, representerer grusomhet, og likevel har den ikke skylden for dens skapelse. Det er brutalitet, skapt av mennesker, og ifølge legenden kunne det bare avhjelpes med menneskehender. I dette tilfellet er musikken til Borboudakis også brutal og urokkelig. Stringensen til rytmen er skrevet spesielt for instrumentet. Musikken vandrer rastløst, fanget i sin håpløshet. De korte lyriske øyeblikkene i midtseksjonen har ikke som mål å skape skjønnhet, de er preget av frykt. På slutten av stykket skal cembaloet, elektronisk forsterket, øke volumet til det absurde. Andreas Skouras program:
|
