ERES TRE RØRER UNIVERSER
GJØRE – dette er navnet på en syklus av stykker for soloinstrumenter som Eres Holz startet i 2011 med en virtuos trompetsolo og som nå inkluderer ni stykker; Siden klarinettstykket fra 2016 har live elektronikk kommet til. GJØRE! – som en invitasjon; GJØRE – også som en liten hyllest til fysikeren Ernst Mach. Måleenheten oppkalt etter ham brukes fortsatt i dag for å indikere hastigheten til supersoniske fly – en liten indikasjon på vanskelighetsgraden til brikkene. GJØRE – som det står i partituret til orgelstykket – er «en slags invitasjon til å gjøre det som ikke er trivielt».
Alle stykkene i syklusen bygger på et repertoar av virtuose teknikker og uttrykksfulle spillefigurer som er spesifikke for de respektive instrumentene og som har utviklet seg i løpet av musikkhistorien: På harpen er det for eksempel klokkelignende dype basstoner og glitrende arpeggioer, på cello, dobbeltstopp som signaliserer høyeste intensitet, På trekkspill, en fullstemmet spillestil basert på orgellyden. Elektronikken forsterker i utgangspunktet lyden - for eksempel gjennom romklangseffekter og diskrete fargetoner - men former deretter lydproduksjonen mer og mer: Du kan fortsatt høre de typiske trekkene ved den instrumentelle lydtalen, men nå økt til det ekstatiske nivået - instrumentene snakker på fremmede språk, for å si det sånn. Individet, fanget i seg selv, prøver å komme seg ut av seg selv med alle mulige midler, å kommunisere seg selv til verden: som komponisten uttrykker det, handler det «om kommunikasjon, om søken etter empati», om å «overvinne ensomhet». Om nødvendig, for å komme seg ut gjennom "roping".
Visst handler disse stykkene om "livets ensomhet" som en menneskelig tilstand: kunnskapen, som Arthur Schnitzler sa det, "at to mennesker alltid, alltid må forbli fremmede for hverandre, at du aldri helt kan se inn i hverandre, som du faktisk aldri møter, forstår virkelig.» Men det er absolutt ingen tilfeldighet at fem av disse stykkene ble laget under Corona-pandemien 2020/21 med dens kontaktbegrensninger. Ensomhet ble plutselig en daglig opplevelse og et tema for debatt, og derfor har disse stykkene også en tidsdiagnostisk kvalitet. Mennesket, selv isolert – enten det er pålagt eller selvpålagt – forblir en «animal social» i forhold til en motpart. Setningen av filosofen Byung-Chul Han, som Eres Holz la til harpestykket, bør kanskje forstås på denne måten GJØREsyklus: »Resonans er ikke et ekko av selvet. Dimensjonen til den andre bor i deg. Det betyr harmoni.«
Innen GJØREsyklus har orgelstykket en spesiell status. Det ble opprettet i 2016 som et bestillingsverk av Deutschlandfunk for "Organ for New Music" i Sankt Peter kunststasjon i Köln. En viktig erfaring strømmet inn i komposisjonen: korsang, som Eres Holz hadde drevet aktivt med i mange år. Han hadde observert at spesielt kadensene, oppløsningen av en intervallkonstellasjon i en annen, hadde en direkte fysisk effekt på ham. Visse harmoniske progresjoner er tradisjonelt assosiert med visse affekter: med andre ord, de koder for og abstrakt følelsesmessig innhold. Klausuler og kadenser markerer denne prosessen, og avslutter en harmonisk progresjon, men kanskje også åpner eller muliggjør en ny. Det er akkurat her Eres Holzs komposisjon kommer inn: "Affektene, uttrykksøyeblikkene som disse oppløsningsintervallene skaper, er på en måte hjertet i dette stykket."
Den harmoniske progresjonen har derfor en lignende funksjon som basslinjen og akkordstrukturen til en barokk passacaglia. Med Eres Holz integreres også de skiftende episodene i en konstant musikalsk flyt på denne måten. Denne prosessen er i hovedsak en analog av skapelsen: en uopphørlig tilblivelsesprosess som bare slutter på dagen for dens ødeleggelse. Komposisjonen streber også mot denne katartiske finalen (høytidelig forseglet av klokkespillet fra kirketårnets klokke, som kan betjenes fra orgelkonsollen i St. Peters kunststasjon).
En akkordprogresjon som kjerneideen til et stykke: Denne modellen har alltid okkupert Eres Holz. Spørsmålet var: Kan perseptuelle mønstre av tonal musikk – som grunntone, spenning og oppløsning – overføres til ikke-tonalt organisert musikk? For dette formål tok han for seg historien til europeisk polyfoni fra dens begynnelse (Pérotin) til barokken, for eksempel med stemmeledende regler, som ikke bare regulerer håndteringen av dissonanser, men også grunnleggende bestemmer hvordan en akkord skal løses inn i en annen. Dette resulterte i at Eres Holz selv måtte formulere regler som ikke lenger var knyttet til modale eller tonale sammenhenger, men snarere sørget for sammenhengen i musikken under nydefinerte rammebetingelser. For å sette opp slike regler bruker han også en datamaskin: «Jeg prøver å forutsi visse mekanismer eller visse typer musikalske prosesser» – slik beskrev han det i et intervju i 2016. »Hvordan ville det høres ut nå om jeg tenkte sånn og sånn? Hvordan ville det høres ut hvis jeg lot det kjøre slik, med visse regler for intervalloppløsning?»
Den intensive undersøkelsen av parameteren harmoni - som Harmony, ikke som et resultat av lineært uavhengige bevegelser – er uvanlig i ny musikk. Harmoni er essensielt som referanseramme for det melodiske: »Jeg jobber harmonisk slik at melodiene også har en «sans». Som Bach gjør. Og det er nettopp derfor jeg tillater meg melodisk frihet, fordi det er harmonisk lyd.
Den melodiske friheten: Dette betyr spesielt inkludering av mikrotoner, som spiller en svært viktig rolle i musikken hans. Menneskelig tale, men også gråt, latter og alle andre affektive vokaliseringer: ingenting av dette skjer i den regulerte middelmådigheten til det tempererte systemet med dets tolv jevne halvtonetrinn. Med mikrotoner kan du i det minste komme nærmere menneskelige lyder: For Eres Holz står mikrotonene «som et tegn på ufullkommenhet til mennesker – mennesker som biologiske vesener, og ikke en steril, ikke en 'veltemperert' maskin. Mikrotoner som uttrykk for smerte, men også for lidenskap og erotikk.
Bare under denne betingelsen kan musikken bli betrodd personlige ting: Eres Holz tar for seg morens død av Alzheimers sykdom og hennes død i 2019 i to stykker: de er strykekvartetten Mørke sprekker og ensemblesammensetningen Berørende universer og ender.
Strykekvartetten ble laget for Deutschlandfunk 2021 «Forum of New Music»-festivalen, som hadde mottoet: «Vil vi overvinne døden?» Kvartetten er basert på en akkordprogresjon: «Like a kind of endless loop, and it pulls the listener along» – sa komponisten i et intervju med Hanno Ehrler i anledning den første sendingen i november 2021. Faktisk den harmoniske element dominerer i lange strekk av dette stykket, som så å si bærer bort det melodiske elementet og i tredje sats knuser det i det destruktive maskineriet til dobbeltstopp-akkorder: En dødens triumf. På den annen side er det delikate og også kraftige, "snakende" melodiske gester der livet midlertidig ser ut til å bli gjenopprettet. Med ujevne mellomrom dukker det opp uutviklede passasjer med høye harmoniske toner, fjerne, fremmede og utilgjengelige: «De harmoniske tonene er livet etter døden, lyset, Gud – om du vil», sier komponisten. De formulerer imidlertid ikke en visshet, men snarere et spørsmål, en famlende leting og anelse.
Et år etter strykekvartetten tar ensemblekomposisjonen en vending Berørende universer og ender temaet død og tap igjen: i motsetning til strykekvartetten, som er klassisk definert kammermusikk og stort sett ikke krever noen avanserte spilleteknikker Berørende universer og ender til alle tenkelige fargeverdier og støylyder som kan kreves av et syvmannsensemble: musikk som strekker seg inn i symfoniske dimensjoner.
Det begynner som et stykke minne, til minne: stille pianoakkorder der tonale erindring gjenlyder – «Skjønnhet, fødselens mirakel», bemerker komponisten. Samtidig er det også melankoli, en underforstått begravelsesmarsjrytme, en begynnelse som kjenner slutten. Det er bratsjen, som spiller i mikrotoner over lange strekk, som liver opp denne hendelsen med uberegnelige melodiskikkelser; den tar celloen, og senere også de andre instrumentene, med seg: ensemblesatsen blir rask, til og med hektisk etter hvert som den skrider frem, og så tett at komponisten må bruke symbolene Schönberg introduserte for å markere hoved- og bistemmen: Den er "der lang, desperat, daglig motstand mot den uopphørlige progressive døden" (Marcel Proust). Ved slutten av
Kollaps: Den instrumentelle lyden, tegnet på det talende, uttrykkende individ, løses opp i støylyder som produseres på og med instrumentene. I pianoet påføres elektronisk genererte lydimpulser direkte på strengene til pianoet ved hjelp av en såkalt "transducer". Det er en akustisk og musikalsk kryssing av grenser til en annen dimensjon. Helt på slutten, tilbakekomsten av begynnelsen - nytt liv, alltid allerede dødt.
Komposisjonen virker som en oppfølger til disse stykkene som åpner opp for eksistensielle dimensjoner Kvinnen fra 2020 – en grotesk improvisert. Et stykke basert på en tekst av den rumenske poeten Constantin Virgil Bănescu: Her er frykten for det Leben, som får en mann til å skape en ledsager, "kjøtt av hans kjød" - og det bokstavelig talt, siden han sabler det fra sin egen kropp for dette formålet: en ledsager som i en bokstavelig tolkning av den bibelske skapelsesberetningen er " ingenting som ham bør være. Selvfølgelig vil det dette Ledsageren er ikke et menneske, men en fryktelig homunculus, dødt kjøtt som ikke stiller noen krav... Dette gjennomføres med stavelse deklamerende sang, med skarp blokkfløytestaccati, med glissando-effekter og perkussive kontrabass-aksenter i scenen er satt.
Harmoni som en nødvendig referanseramme for det melodiske: Denne grunnleggende antagelsen i musikken til Eres Holz representerer kvintettkomposisjonen Sjakalhode (2016) igjen på en veldig spennende måte. Harmoni og melodi artikuleres som motsetninger ("rastløs, mystisk" vs. "rytmisk, danselignende"). Deres siste møte i den siste delen fører ikke til syntese, men nøytraliserer snarere all energi; en koda av utmattelse (spredte individuelle toner, "rolig men forstyrret") avslutter stykket. Tittelen viser til den gamle egyptiske guden til den døde Anubis, som ble avbildet med hodet til en sjakal. Komponisten bemerker at "alvorligheten av gammel egyptisk kunst" inspirerte arbeidet hans. »Gjennom veldig tydelig frasedannelse, nesten «skarpkantet» på en måte, høres musikken arkaisk og mystisk ut. Den utrettelige tremoloen til strengene er på en eller annen måte forhekset..."
Ingo Dorfmüller
For Eres Holz står mikrotonene «som et symbol på menneskets ufullkommenhet – mennesket som et biologisk vesen, og ikke en steril, ikke en «veltemperert» maskin. Mikrotoner som uttrykk for smerte, men også for lidenskap og erotikk.
