René Wohlhauser: I ren vesen

VÆR HØYT
Fungerer for ulike ensemblekombinasjoner av René Wohlhauser

Kastede akrobater

Versjon for sopran, baryton, fløyte, klarinett, fiolin og cello (2018),
på et dikt av komponisten, Ergon 68, nr. 2, musikalsk verk nummer 1855

Komposisjonskommisjon fra Basel-City og Baselland Music Committee

Innspillingen er en studioproduksjon med "Ensemble Polysono", som hadde premiere på dette stykket på en Europaturné i 2019: Christine Simolka, sopran · René Wohlhauser, baryton · Tatiana Timonina, fløyte · Andriy Bandurin, klarinett · Maria Ten, fiolin · Vladislav Smirnov, cello

Barskheten, grovheten og den svarte humoren til galgesanger er iboende i dette stykket, som ble skrevet basert på et dikt av komponisten.

Skarpt kuttede kanter, harde kontraster, frekke innlegg, robuste, røffe klipper, plutselige inntrengninger, kanter og brudd, en blokklignende dynamikk. Det overfladiske rå utseendet til denne musikken, som ved nærmere ettersyn viser seg å være svært differensiert og mangfoldig, er en refleksjon av dagens tid, en parodi på tidsånden og i så måte en kritikk av den. Men denne musikken er også et svar på den utbredte moten innen samtidskunstmusikken, der det nølende, ubesluttsomme, døende, meningsløse, meningssvange og flukten inn i det støyende og uforpliktende råder. Den tilgjengelige stilen til musikken tilsvarer vokaltekstens snørrete og trassige natur.

De frekke rytmene, gestene og harmoniene er en kastet respons på forholdene i denne verden, som vi balanserer på som akrobater som blir kastet ut i livet. Hvis politikerne blir frekke, så må kunstnerne bli enda flere og må ikke velte seg og trekke seg tilbake i et selvtilfreds hjørne av den selvreproduserende apokalyptiske stemningen.

Kvartett for fløyte, klarinett, fiolin og cello nr. 1 (2018)
Ergon 67, musikalsk verk nummer 1849

Innspillingen er en studioproduksjon med medlemmer av «Ensemble Polysono», som hadde premiere på stykket på en Europaturné i 2019: Tatiana Timonina, fløyte · Andriy Bandurin, klarinett · Maria Ten, fiolin · Vladislav Smirnov, cello

Dette er aggressiv, gripende musikk som ikke aksepterer de prekære forholdene i verden, men i stedet snur seg mot den med sinne. Harde, harde lydblokker kontrasteres av intime passasjer. Sinne mot urettferdighet, kjærlighet som perspektiv. Blokkaktige, røffe ting blir mer og mer fragmenterte, rytmisk diversifisert og potensiert, og til slutt blir de støyende.

Den dialogiske, gestale naturen, kommunikasjonen mellom ulike instrumenter og grupper av instrumenter er typisk for min musikk. Likeledes sammenstøtet mellom motstridende uttrykksformer, slik at noe nytt kan dukke opp fra sammenstøts energi. Det skrikende og det intime står side om side og leter etter et felles kommunikasjonsnivå for å finne en sterk musikalsk følelsesmessighet. Det handler om den musikalske søken etter individualitet og autentisitet, utformingen av hybride lydobjekter og kontekstualiseringen av divergerende uttrykksfulle øyeblikk til emosjonelt rørende musikk.

I det rene vesen
Versjon for sopran, baryton, fløyte, klarinett og cello (2017),
på et dikt av komponisten, Ergon 64, nr. 2, musikalsk verk nummer 1816

Klaus Huber til minne
Komposisjon på oppdrag fra UBS Cultural Foundation

Innspillingen er en studioproduksjon med "Ensemble Polysono", som hadde premiere på dette stykket på en Europaturné i 2018: Christine Simolka, sopran · René Wohlhauser, baryton · Tatiana Timonina, fløyte · Andriy Bandurin, klarinett · Vladislav Smirnov, cello

Verket har en nærmest klassisk struktur med en innledning, vers og mellomspill som følger den formelle retningen til komponistens dikt. Til å begynne med ble bare sangen komponert i en versjon for sopran og baryton, som en undersøkelse av tradisjonen med klassisk kontrapunkt, reflektert på nivået av musikalsk erfaring fra det 21. århundre, i en klassisk formdramaturgi med oppbygging av spenning, kulminasjon og synke inn i en delirisk sirkling av skiftende tonale sentre. Til og med dannelsen av selve melodien kan beskrives som "klassisk" i sin presserende, ledende tonestil.

Ved å legge til instrumentene ble disse klassiske replikkene plassert i en annen kontekst, brutt opp, stilt spørsmålstegn ved og motarbeidet. Og den endelige coda - eller kanskje man skal si: åpningscoda - vipper igjen i en annen retning, som relativiserer og stiller spørsmål ved alt som kom før, som et vendepunkt, for å si det sånn.

Diktet legemliggjør en selvstendig skapelse og utfolder i suggestive bilder en konfliktfylt dialektikk og en berg-og-dal-bane av følelser som fører til en indre dramatisk spenning, som kommer direkte til uttrykk i musikken i den rørende, deliriske forvirringen.

Trio for fløyte, klarinett og cello nr. 2 (2017)
Ergon 63, musikalsk verk nummer 1809

Innspillingen er en studioproduksjon med medlemmer av «Ensemble Polysono», som hadde premiere på stykket på en Europaturné i 2018: Tatiana Timonina, fløyte · Andriy Bandurin, klarinett · Vladislav Smirnov, cello

I dette arbeidet ble de tre instrumentene behandlet som et enkelt, så å si "multitimbralt og polystrukturelt superinstrument". Den begynner med en monofonisk melodi som beveger seg gjennom de forskjellige instrumentene eller bare som et enkelt instrument som lar en melodisk sekvens løpe gjennom forskjellige klangfarger eller er i stand til å uttrykke seg i forskjellige klingende farger fordi den kan endre klangfargen som en kameleon. hudfarge endres avhengig av situasjonen (stolpe 1–4). Deretter tykner enstemmigheten ettersom dette monofoniske instrumentet utvider seg litt og brer seg ut i rytmisk uregelmessig gjentatte trestemmige akkordstrukturer som en dansende hydra, som som individ sannsynligvis kunne synge i polyfoni (takt 5ff). Den neste fasen består i at dette multiinstrumentet bryter opp sin repeterende parallellisme, så å si, vifter ut sin bevegelige enstemmige natur og konverterer den til flerstemmighet, med unisone bevegelser som gradvis splitter seg i uavhengige stemmer via sidebevegelser (taktene 11– 13) og når frem til motsatser (takt 18ff), akkurat som den parallelle Notre Dame-organa utviklet seg til polyfoni via sidebevegelser. Da opplever vi glitteret fra det spredte imaginære instrumentet, idet en akkordstruktur begrenset til noen få toner virvler og blinker tonene virtuost gjennom brede hopp inn i forskjellige oktavregistre (taktene 20–23). Dette setter et grunnleggende arrangement som utvikler seg etter hvert som stykket utvikler seg og muterer til forskjellige former og varianter. Selv der de tre instrumentene spiller kontrapunktisk, er de som en selvstendig lydkropp, det vil si spilt som et enkelt instrument som kun leker med og utforsker dets indre struktur og kombinasjonsmuligheter.

Cellissimo graduale for cellosolo (2017)
Ergon 60, musikalsk verk nummer 1790
Komposisjon på bestilling av Markus Stolz

Innspillingen er en studioproduksjon med Markus Stolz, cello, som urfremførte stykket og som det er dedikert til på 50-årsjubileet for celloen.

På den ene siden er det nåværende stykket et virtuost konsertstykke. Av ren spilleglede og drevet av rytmisk impulsivitet klatrer den til de høyeste tekniske krav og, på slutten av stykket, til de høyeste høyder i bokstavelig forstand.

På den annen side er det så å si en timebok som inviterer til meditasjon. Dette er hva "gradualen" i tittelen antyder. Musikk bør aldri begrenses til tekniske bragder og fingerferdighet, men bør alltid inneholde nok musikalsk substans og åndelig rikdom til å muliggjøre fordypning og oppbyggelse, for å gi trøst og styrke.

Komposisjonsmessig representerer stykket et kompendium av lettfattelige bearbeidingsteknikker.Hele stykket er utviklet fra praktisk talt ingenting, nemlig kun en repetisjon av noter, da elementene stadig utvides og motivene hele tiden forvandles til nye former. . En ting bør flyte naturlig inn i den neste. Selv der kontrastmateriale introduseres i dialektisk forstand for å sette i gang en musikalsk dialog, som i den høye og stille col legno-passasjen i begynnelsen, er de strukturelle referansene til hovedmaterialet tydelig hørbare og synlige. Hele stykket refererer derfor til kildematerialet, som alltid viser seg i andre, nye og noen ganger uventede fasetter.

Mikosch ... tapte i Ultra Deep Field for pianosolo (2013)
Ergon 46, musikalsk verk nummer 1646
Komposisjon bestilt av Ortwin Stuermer

Innspillingen er en studioproduksjon med Elia Seiffert, piano, som også fremførte stykket live.

Det Hubble Ultra Deep Field (HUDF) er et bilde av et lite område av himmelen tatt av Hubble-romteleskopet over en periode fra 3. september 2003 til 16. januar 2004. Det var det dypeste bildet av universet frem til publiseringen av «Hubble Extreme Deep» Field" i september 2012, noen gang registrert i det synlige lysområdet. Et område av himmelen ble valgt som knapt hadde noen distraherende lyse stjerner i forgrunnen. De bestemte seg for et målområde i stjernebildet Kjemisk ovn sørvest for Orion. Diameteren til den valgte delen av himmelen tilsvarer omtrent en tidel av månens diameter sett fra jorden. Dette tilsvarer et kvadratmillimeter område i en avstand på én meter og representerer omtrent en førti milliondel av hele den synlige himmelen.HUDF inneholder rundt 10.000 800 galakser og store kosmiske objekter. Den består av to separate bilder tatt av Hubbles Advanced Camera for Surveys (ACS) og Near Infrared Camera and Multi-Object Spectrometer (NICMOS). Bildet ble laget fra 400 individuelle eksponeringer tatt under Hubbles 19 baner rundt jorden. Å observere hele himmelen med denne oppløsningen vil ta Hubble-romteleskopet en million år. (Wikipedia, 2013. mars XNUMX)

Musikken forsøker å spore forholdet mellom menneskelig bevissthet og universet. Hun prøver å ta et veldig dypt blikk inn i universet med dets materie og energi organisert i henhold til fysiske lover. Er vi i universets øye? Er vi borte i verdensrommet? Og hva er utenfor universet? Dette spørsmålet har plaget folk en stund, som den velkjente tregraveringen Atmosfæren av Camille Flammarion fra 1888.

Klumpsang for sopran, baryton og piano (2018), basert på et dikt av komponisten
Ergon 66, musikalsk verk nummer 1843

Innspillingen er en studioproduksjon med "Duo Simolka-Wohlhauser", som hadde premiere på dette stykket på en Europaturné i 2018: Christine Simolka, sopran · René Wohlhauser, baryton og piano

Pausen, utelatelsen slik at det som ligger under kommer frem i lyset, spenningspausen, ulike grader av tetthet og spenning, utprøving av nye konstellasjoner, kontekstualisering av det som er fremmed for konteksten. Dette er noen av teknikkene og prosedyrene som brukes i dette stykket for å skape et unikt sonisk univers. Imidlertid holdes alle disse prosessene sammen og overlegges av en direkte håndgripelig fysiskhet som direkte henvender seg til og berører lytteren.

Det «klumpede» forstås her kompositorisk som interessante musikalske aggregattilstander som, i likhet med fysiske aggregattilstander, kan transformeres til hverandre eller mutere til noe nytt gjennom endringer i konteksten. Diktet kom også ut av dette i en slags tilsvarende klumpete semantikk.

De stille, innadvendte, lyttende til det stille. Men gjør det med konsistens og radikalisme. Og som en kontrast, det opprinnelig klumpete, upolerte, originale, umiddelbare. Dette er ulike sider av musikken som kommer til uttrykk i dette stykket og kan oppleves gjennom deres balanserte lyd, baksider av musikk, så å si, som viser verden fra den andre siden og dermed vår tenkning og vår oppfatning av tid og det romlige. dybde av lyd åpner for nye perspektiver.

René Wohlhauser