ERES 木质感人宇宙
马赫 – 是 Eres Holz 于 2011 年开始的一组独奏乐器作品的名称，其中包括一首演奏家小号独奏，现在包括九首作品； 自 2016 年的单簧管作品以来，添加了现场电子设备。 做！ – 作为请求； 马赫 – 也作为对物理学家恩斯特·马赫的小小的敬意。 以他的名字命名的测量单位至今仍用于表示超音速飞机的速度 - 这是零件难度的一个小标志。 马赫 ——管风琴乐谱中这样说——“是一种邀请，去做一些不平凡的事情”。
该循环中的所有作品都依赖于各自乐器特有的演奏家技巧和表现力，这些都是在音乐史的过程中发展起来的：例如，对于竖琴来说，有钟声般的深沉低音和闪闪发光的声音。琶音，大提琴双音节表示最大强度，而手风琴则以管风琴声音作为衡量标准的全声部演奏风格。 电子设备最初会放大声音 - 例如通过混响效果和离散变色 - 但随后逐渐改变声音的产生：您仍然可以听到乐器声音语音的典型特征，但现在增加到令人欣喜若狂 - 乐器用外语说话， 可以这么说。 被囚禁在自己内心的个体，试图摆脱自我，利用一切可用的手段与世界沟通：正如作曲家所说，这是“关于沟通，关于寻求同理心”，关于“克服孤独”，必要时可以通过“大喊大叫”的方式离开。
当然，这些戏剧讲述了“生活中的孤独”作为一种人类状况：正如阿瑟·施尼茨勒所说，“两个人永远、永远必须保持彼此陌生，永远无法真正了解对方” ，你永远无法真正看到对方真正理解。«但这其中的五件作品是在 2020/21 年新冠大流行期间创作的，当时限制了接触，这绝对不是巧合。 孤独突然成为一种日常体验和争论的话题，因此这些作品也具有诊断时代的品质。 人，即使是孤立的——无论是强加的还是自我选择的——相对于对方来说仍然是一种“社会动物”。 从这个意义上说，埃雷斯·霍尔茨 (Eres Holz) 从竖琴曲中摘录了哲学家韩秉哲 (Byung-Chul Han) 的一句话。 马赫- Cycle 补充道：“共鸣不是自我的回声。 你住在另一个维度。 这意味着和谐。«
内 马赫循环中，管风琴片段有着特殊的地位。 它于 2016 年作为 Deutschlandfunk 为科隆圣彼得艺术站“新音乐管风琴”委托创作的作品。 一段重要的经验融入到了创作中：合唱，这是埃雷斯·霍尔茨多年来积极练习的。 他观察到，尤其是节奏，即一个间隔星座分解为另一个间隔星座，对他的身体产生了直接的影响。 某些和声进行传统上与某些情感相关：换句话说，它们编码和抽象情感内容。 子句和节奏强调了这一过程，完成了和声进行，但也许打开或启用了一个新的进行。 这正是 Eres Holz 的作品的用武之地：“创造这些溶解间隔的情感和表达时刻在某种程度上是这首作品的核心。”
因此，和声进行与巴洛克帕萨卡利亚的低音线和和弦结构具有相似的功能。 在《Eres Holz》中，不断变化的情节也以这种方式融入到持续的音乐流中。 这个过程基本上类似于创造：一个不断变化的过程，直到它崩溃的那一天才结束。 该作品还力求以“肖像”的方式实现这一宣泄性的结局（通过教堂塔楼钟的敲响庄严地结束，该钟可以通过圣彼得艺术站的管风琴控制台进行操作）。
和弦进行作为一首曲子的核心思想：这个模型让埃雷斯·霍尔兹（Eres Holz）很忙。 问题是：音调音乐的感知模式——例如基调、张力和分辨率——能否转移到非音调组织的音乐中？ 为此，他研究了欧洲复调音乐从起源（佩罗坦）到巴洛克时期的历史，例如声部主导规则，它不仅规定了如何处理不协和音，而且从根本上决定了一个和弦如何演奏。应该解决成另一个。 对于 Eres Holz 来说，这使得有必要自己制定这样的规则，这些规则不再与调式或音调上下文相关，而是保证新定义的框架条件下音乐的连贯性。 为了建立这样的规则，他还使用了计算机：“我尝试预测某些机制或某些类型的音乐过程”——正如他在 2016 年的一次采访中所描述的那样。 “如果我这样想，现在听起来会怎么样？ 如果我让这种情况继续下去，并遵循一定的间隔分辨率规则，听起来会怎么样？”
对参数和谐的深入检查 - 即 和谐，而不是线性独立运动的结果——在新音乐中是不寻常的。 和谐作为旋律的参考框架至关重要：“我和谐地工作，以便旋律也有‘意义’。 正如巴赫所做的那样。 这正是我允许自己旋律自由的原因，因为它在和声上是有根据的。 «
旋律自由：这尤其意味着微音的加入，这在他的音乐中发挥着非常重要的作用。 人类语言，还有哭声、笑声和所有其他情感发声：这一切都不会发生在十二个偶数半音的受调节的平庸系统中。 当然，人们至少可以通过微音更接近人类的声音：对于 Eres Holz 来说，微音是人类不完美的标志——人类作为一个生物存在，而不是一个无菌的、不是一个“井”的人。 -磨炼机。 微音是痛苦的表达，也是激情和情欲的表达«。
只有在这种情况下，音乐才能被赋予一些个人的东西：埃雷斯·霍尔茨在两首作品中讲述了他母亲因阿尔茨海默病去世以及她在 2019 年去世的故事：这是弦乐四重奏 深色裂缝 和合奏作曲 感人的宇宙和终结.
该弦乐四重奏是为 2021 年德国放克“新音乐论坛”音乐节创作的，其座右铭是：“我们想战胜死亡吗？”。 这首四重奏又以和弦进行为基础：“就像一种无限循环，它牵引着听众”——作曲家在 2021 年 XNUMX 月首播时接受汉诺·埃勒 (Hanno Ehrler) 采访时说道。和声元素在这首曲子中占据了很长一段时间，可以说，它夹带了旋律，并在第三乐章中用两个停顿的装甲和弦的破坏性机制将其粉碎：死亡的胜利。 另一方面，有微妙而有力的、“说话”的旋律姿态，生活似乎暂时恢复了。 不规则的间隔，未展开的高和声段落出现，遥远、陌生且不可用：“和声是来世、光明、上帝——如果你愿意的话，”作曲家说。 然而，它们并没有表达任何确定性，而是一种疑问，一种摸索和期待。
弦乐四重奏一年后，乐团的组成发生了变化 感人的宇宙和终结 再次探讨死亡和失落的主题：与弦乐四重奏不同，弦乐四重奏作为经典的室内乐，在很大程度上不需要扩展演奏技巧，它抓住了 感人的宇宙和终结 实现七人合奏所需的所有可以想象的色彩值和噪音：一种触及交响维度的音乐。
它以一段回忆开始：平静的钢琴和弦，其中回响着回忆的音调——“美丽，诞生的奇迹，”作曲家指出。 然而，与此同时，也令人忧郁，一种暗示葬礼进行曲的节奏，一个知道结束的开始。 正是中提琴演奏了长长的微音，用飘忽不定的旋律使这一活动变得活跃起来。 它席卷了大提琴，随后也席卷了其他乐器：合奏乐章变得快速，甚至在进行时变得忙碌，而且如此密集，以至于作曲家必须使用勋伯格引入的符号来标记主要和次要声音： “对不断逼近的死亡的长期、绝望、日常的抵抗”（马塞尔·普鲁斯特）。 在......的最后
崩溃：乐器声音，说话的标志，表达个人，溶解成乐器上产生的噪音。 在钢琴中，电子产生的声音脉冲通过所谓的“换能器”直接发送到钢琴的琴弦。 这是声音和音乐的跨越边界，进入另一个维度。 最后，开始的回归——新的生命，总是死亡。
该作品似乎是这些作品的续集，打开了存在的维度 死了 从 2020 年开始——怪诞的即兴表演。 根据罗马尼亚诗人康斯坦丁·维吉尔·巴内斯库 (Constantin Virgil Bănescu) 的一段文字改编的作品： 生活，这促使一个人创造一个配偶，“他的肉身”——从字面上看，因为他为此目的将其从自己的身体上割下来：按照圣经对创造的描述的字面解释，一个配偶“等于他“应该是。 当然会 diese 同伴不是人类，而是一个可怕的人造人，没有任何要求的死肉……这是通过音节朗诵的声音来实现的，这些声音实际上有尖锐的竖笛断奏、滑奏效果和打击低音提琴口音 在场景中 已设置。
和声作为旋律的必要参考框架：Eres Holz 音乐中的这一基本假设代表了五重奏的构成 豺狼头 （2016）再次以最令人兴奋的方式。 和声与旋律是对立的（“不安、神秘”与“有节奏、舞蹈般”）。 他们最终在结束部分的相遇并没有导致合成，而是中和了所有的能量，并且疲惫的尾声（分散的音符，“平静但不安”）结束了这首曲子。 标题指的是古埃及死神阿努比斯，他被描绘成有一个豺狼头。 作曲家指出，“古埃及艺术的简朴”启发了他的作品。 »由于乐句的结构非常清晰，在某种程度上几乎是“锋利的”，音乐听起来古老而神秘。 不知何故，琴弦不知疲倦的颤音令人着迷……”
英戈·多夫穆勒
对于埃雷斯·霍尔茨来说，微音是人类不完美的标志——人是一个生物体，而不是一个无菌的、不是“脾气暴躁”的机器。 微音是痛苦的表达，也是激情和情欲的表达«。
