program:
SA CD 1 George Frideric Haas (* 1953) German premiere Trombone Unit Hanover Johannes Boris Borowski (* 1979) World premiere Work commissioned by SWR SWR Symphony Orchestra Baden-Baden and Freiburg Stefan Prins (* 1979) [03] Scene 1: Hybrid spaces #1 07:51 World premiere Work commissioned by SWR Nadar Ensemble
SA CD 2 Mark André (* 1964) World premiere Work commissioned by SWR Jorg Widman, clarinet Francesco Filidei (* 1973) World premiere Work commissioned by SWR SWR Symphony Orchestra Baden-Baden and Freiburg Yoav Pasovsky (* 1980) World premiere Work commissioned by SWR SWR Symphony Orchestra Baden-Baden and Freiburg |
Press:
Un año más, regresamos al oráculo de las Donaueschinger Musiktage para conocer las últimas tendencias de la música artística europea, en una edición, la del 2015, editada en soporte fonográfico por NEOS de forma un poco más escueta de lo habitual, en tan sólo dos SACDs . Abre la selección uno de los compositores austriacos más aclamados del momento, Georg Friedrich Haas (Graz, 1953), que nos presenta una formación tan peculiar como la deparada por su octet for 8 trombones (2015), encargo de la Trombone Unit de Hannover, que afronta aquí una partitura fruto de los análisis de las cintas magneticas registradas por Giacinto Scelsi en su estudio. En ellas, Haas discovers algo que confiesa lo dejó asombrado: la presencia de melodias cantables incluso en los más pequeños microintervalos. Habitual estudioso de las partículas de los espectros sonoros, Haas utiliza este octeto de trombones para construir todo un entramado en cuartos, sextos y octavos de tono: intervals que -afirma- requieren la más precisa entonación. Emplazados en cercanía, los ocho trombones crean una masa intense homophonica en la que los trazos melodicos se producen por reverberación de los microintervalos. En los pasajes más abigarrados y tumultuosos, los acordes generados (articulados en esa de-gradación microtonal) producen la sensación de estar contemplando una imagen muy curiosa: la de escuchar el acorde y su sombra al tiempo, cual si un movimiento musical se hubiese congelado en el espacio y lo visualizásemos en sus diversos estratos de desarrollo, como una estela. A pesar de no estar concebida como una textura polifónica, los intervalos resultantes de las ocho fuentes sonoras crean capas suficientes como para darnos la sensación, en momentos puntuales -aliados con la estrecha espacialización y el manejo de los reguladores de velocidad-, de una estructura que trasciende la homofonía para desplegarse en diversos estratos interactivos. La impronta del maestro italiano, por otro lado, es audible, legándose a vislumbrar un eco scelsiano de corte atávico, cual danza ceremonial procedente de tiempos y espacios remotos. No es, ni mucho menos, la pieza más ambiciosa de Georg Friedrich Haas, pero si algo muestra, es la capacidad del austriaco para adentrarse en las más refinadas partículas sonoras, aun con una plantilla que no pareciera ayudar en exceso, diversificando en ella timbres and colors. Tampoco la orquestal Sérac (2014-15), by the German Johannes Boris Borowski (Hof, 1979), I had an influential mayormente. Se trata de una partitura orquestal de casi 25 minutes de duración, pero que da la sensación de una major extension temporal, algo que Borowski parece pretender, pues una de sus indagaciones en Sérac es la del comportamiento de materiales musicales diverses en una cohabitación a largo plazo: cómo la relación se establece y profundiza por la convivencia mantenida (aunque para una exploration realmente consecuente tendríamos que irnos a unas duraciones más propias del último Feldman). Sérac tiene as reference to the ascension, in 2008, once mountainous at K2, all of us in a bottle bottle between the séracs of a glaciar. Borowski does not have any interest in a description of the program and morality of the ascension and death, which is presented in the same way as a chain of causalities desemboca in this moment of fatality in which the human being is at the top of the colapso de una pared de Hielo that convierte lo That era reto y desafío en helada tumba: líneas de existencia, por tanto, condenadas a entrecruzarse desde de differentes orígenes, no tanto por una supuesta 'casualidad' como por esas cadenas sucesivas de causalidades. A pesar de no resultar estrictamente programática, el movimiento continuo que pone en marcha la partitura, su advance entrecortado pero de clara direccionalidad, nos remite a una ascensión trabada por dificultades y puntuales momentos de mayor interés instrumental; aunque, en conjunto, resulta un trabajo algo anodino. El belga Stefan Prins (Kortrijk, 1979), uno de los enfants terribles de la música europea, vuelve a las Donaueschinger Musiktage de la mano de su ensemble de referencia, el Nadar, con Mirror Box Extensions (2014-15), partitura para ensemble , electronic and video (que en esta edition NEOS ha omitido: una pena, pues pensábamos que, tras la inclusión del formato DVD en la edición de las Donaueschinger Musiktage 2014, se podría abrir una via más que pertinente para propuestas audiovisuales como las de Prins : habitual alquimista de música e imágenes). Como su título indica, Mirror Box Extensions es una extensión temática y conceptual de la previa Mirror Box (Flesh+Prosthesis #3) (2014), en la que Stefan Prins indagaba en la extensión/sustitución del cuerpo humano con prótesis tecnológicas que creasen una poetica musical trasunto de la fisicidad del cuerpo. Esa caja-en-espejo serviría aquí para aliviar la sensación de ausencia de un miembro amputado, creada la ilusion de su existencia por medio de reflejos musicales. Ahora bien, existe un contexto, un recuerdo, el marco en el cual esos movimientos se producían, con una sustancia física de fondo, no como una simple simetría provocada por el reflejo; de ahí que Mirror Box Extensions no sea simplemente una inversión desdoblada de temas, sino toda una arquitectura a modo de holograma musical para crear una realidad acoustica virtual, algo en lo que ensemble y electrónica colaboran para sintetizar las masas híbridas tan típicas en Prins, ya conocidas en nuestro diario por medio de obras como Fremdkörper #1 (2008), Generation Kill (2012), o I'm your body (2014). Como en todas ellas: prolija exploración de técnicas extendidas, los típicos traqueteos prinsianos que tanto nos remiten a una ráfaga de metralleta como a una desaforada máquina de escribir eléctrica, desdoblamientos acústico-electrónicos de sustancia híbrida práctica mente irreconocible, etc.; Todo ello con una sonoridad muy actual, aunque con una poetica dura y asfixiante. Además, in its notas se remite el compositor Belga a la 'Ley mordaza' del Partido Popular; en concrete, a la manifestación en su contra celebrada en Madrid el 12 de April de 2015 frente al Parliamento, acto que, según la nefanda Ley Orgánica de protección de la seguridad ciudadana ('Ley para la autoprotección atrincherada del gobernante', deberíamos rebautizarla) , podría ser constitutivo de delito al carecer de autorización por parte de papá-Estado ("¡La calle es mía!", afirmaba other personaje de ingrato recuerdo en épocas que parece querer resucitar su prole política). It por ello que Prins quiere que su música sirva, igualmente, de cuerpo hologramizado para que la ausencia de fisicidades concretas -legalmente imputables- sustituya la manifestación física por una proyección sonora contra un poder opresor de tales ínfulas totalitarias. Aunque dichos presupuestos nos coloquen en puertas de lo ya avantado por la ciencia ficción: con manifestaciones de individuos-holograma resistiendo ante un poder saturnal (ilústrese al gusto, tanto con Rubens como Goya), quizás sean tales los tiempos hacia los que nos encaminamos. Ya en el segundo SACD, nos encontramos con el francés Mark Andre (París, 1964), a quien tengo between los compositores más solidos y sustanciales del siglo XXI: uno de esos artistsas a los que podemos llamar maestros. “About” (2015) is a good example of the ello, which means that it is a piece of clarinet, orquesta and electronics, in my opinion, as the most destacado de esta edición en cuanto a unir modernidad estética y musicalidad. Estamos ante una obra prácticamente susurrada, extremadamente fragil, en la que los crescendi que en others partsituras serían convencionales elevaciones sonoras adquieren el volum de un verdadero tsunami. «Sombras de desapariciones» is one of the images that recurs to the propio Andre para que visualicemos una música tan sutil, que el francés afirma se decide en los intersticios de lo que entendemos por composición: en sus huecos y pequeños trazos. The title is extra for the Book of Numbers, which is connected to the Parisian Bible with the Biblia, for the middle age of God's miracle and the cuidad of the man desde lo alto, a miracle that is paz y bendice nuestra existencia ( según the chapter 6 of the Book of Numbers)… …Mark Andre is in the upper part of the intersection between the bends and the bendecidos; It decides, in the relationship between God and the human being: temática recurrente en un compositor con tan arraigada fe Cristiana. El man es visto por Andre como una criatura en processo de desaparición, lo que señala él un estado de fragilidad en cuyos intersticios metafísicos desarrolla sonoridades entre las rugosidades ruidistas y las alturas que desarrollan, transforman y hacen desaparecer materials en tiempos y es pacios que generican structures and sonorities of minima. The fragilidad of these interstitial spaces has the fronteras of the determinado se quiebren, dejando paso a compases abiertos en el clarinete, algo que en esta version del estreno mundial se beneficia de los recursos técnicos, la creatividad y la sabiduría en la improvisación del clarinetista and German composer Jörg Widmann. Part of these passages are indeterminados son analizados por el system informático del mítico EXPERIMENTALSTUDIO des SWR para desdoblar los materials del clarinete y crear new intersticios aún más complejos, dada la proximity de unos materials que parecen continuidad de un mismo trazo. The structures created by clarinet and electronics alimentan tejido orquestal, lo que multiplica aún más los campos en reverberación, los intersticios y la fragilidad de un entramado de reflejos en que un solo cambio desestabilizaría la cadena de espejeos: de ahí que Mark Andre hable de “about” como de una “comunión sónica”, participando cada miembro de la gray de un body (sonoro) que los hermana. Mark Andre espera que en los pasajes más desolados de su partitura, aquellos en los que el hombre apela a su creador (“vox clamantis in deserto”, escribe en sus notas), se pueda experimentar la experiencia metafísica de la tierna presencia del Espíritu Santo … This is not the case here, but the edition of this estreno en SACD is not in tanto, but it is not for the children who refer to it as “about” the page of the mayor of the enjundia and calado de estas Donaueschinger Musiktage 2015 (al menos, en Lo que NEOS has recogido en disco compacto). Al Italian Francesco Filidei (Pisa, 1973) parece que se le quedaba corto aquello tan Freudiano de matar al padre, pues se ha decideddo a matar al patriarca de la música (uno de ellos) en su orquestal Killing Bach (2015). Más, aún, si pensamos que el propio Filidei afirma que Bach es el creador de lo más perfecto que puede imaginar sobre la Tierra: una música que ataca inmisericordemente con todo tipo de sonoridades agresivas que pueden ir desde disparos de armas a golpeos wagnerianos, entre cuyos impactos resuena la insondable belleza del preludio de un Tristan und Isolde (1855-65) que, like Bach, cambió la faz del planeta musical. Todo ello diseminado a lo largo de una partitura entre lo cómico y lo grotesco, que vuelve a enfrentar a Francesco Filidei con la historia: ese momento iniciático que parece profesión de vida en tantos artistas italianos, abrumados por el peso de un pasado tan a flor de play en su país. Filidei, además de compositor, es organista, de ahí que, en la reflection sobre su papel como creator, se haya propuesto una 'confrontación' musical en cinco piezas orquestales con cinco compositores históricos para indagar quién es él por medio de su mirada al otro , desvelando, así, the possible existence of a voice of propia (or the medirse with the heart of the maestros, que decía other escrutador de la historia, like Luigi Nono). Fiori di Fiori (2012) fue la primera pieza de este ciclo, dedicated (y confrontada) to a totem de la música italiana, like Girolamo Frescobaldi. En Killing Bach, Filidei pretende renovar el sentido sagrado de la musica a través de su violencia inherente, de sus pulsiones. A firm that hubiese podido write una musica 'bella', pero que ha optado por una partitura perturbadora que puede parecer divertida, pero que no lo es, pues pone el dedo en la llaga de una situación política que se está volviendo peligrosa para todos, no only for the world of culture and music. Hace unos días, escuchábamos en Madrid al cineasta lituano Jonas Mekas expresarse en terminos semejantes: él, que conoció el horror de la Segunda Guerra Mundial y la deportación, y que afirmaba que se está produciendo una deshumanización de dimensiones planetarias realmente preocupante. Por último, el Israelí Yoav Pasovsky (Haifa, 1980) nos presenta, también en estreno, otra pieza orquestal: Pulsus alternans (2015). Se trata de una partitura que nos recuerda, de algún modo, al mejor Steve Reich, pues se adentra en el estudio de los procesos musicales de convergencia y divergencia, a través de una abigarrada red de motivos armónicos que emergen y se disuelven buscando puntos de Encuentro entre dos grupos orquestales, cada uno de ellos con un director (aquí, Péter Eötvös y Gregor Mayrhofer) y tempi dispares. Aunque bastante convencional en cuanto a sonoridades, el resultado final es de una gran potencia expresiva y atractivo, oscilando entre repeticiones claramente discernibles como procesos mecánicos y unas sonoridades que Pasovsky dice continuas: masas texturales móviles que abarcan a ambos grupos orquestales , subyugantes por un halo Magical magic in su misterica belleza a algunos pasajes de esa película tan hermosa que es Der Himmel über Berlin (1987), de Wim Wenders, with banda sonora original de Jürgen Knieper. Como en el caso de las obras precedentes, nos encontramos con primeras grabaciones mundiales, siendo todas ellas estrenos absolutos excepto el octeto de Georg Friedrich Haas. El nivel interpretativo es mayúsculo, por lo que el impacto de los sucesivos alumbramientos está guaranteed, tanto en lo humorístico como en lo más moderno y/o refinado, pues aunque algunas de las partituras no nos hayan causado una especial impresión, cierto it que la maestría de sus autores en el manejo de los medios instrumentales es más que evidente. Las tomas de sonido, como it habitual en las Donaueschinger Musiktage, corren a cargo de la SWR, siendo la excelencia de las mismas la ya conocida tanto en los registros de la radio alemana como en las ediciones del sello NEOS. Al acortarse considerablemente esta edición de las jornadas a tan solo dos SACDs, el libreto es menos generoso que en la edición de 2014 (entonces, 126 páginas; ahora, 43); pero, de nuevo, aporta ensayos muy sustanciosos a cargo de los compositores. Photographs de cada uno de ellos completan una edición que no por escueta deja de ser intensa y repleta de invitaciones a conocer las rutas de la música actual más viva; además, con el mérito de una heterogeneidad de lo más variopinto. (find the article here)
02/2017 “Remarkable music [...]: The octet for eight trombones by Georg Friedrich Haas, which, following Scelsi, explores various possibilities of microtonal melodies and develops tremendous vibrations in the process; Johannes Boris Borowskis Serac, a lavishly expressive sonic expedition, and the opposite of it: and, a kind of clarinet concerto on the verge of disappearance, where Jörg Widmann and his electronic shadows explore the aura of sonic gaps.” (Dirk Wieschollek) |
